ARTE ATUAL

Integração / Action - São Paulo : Québec

2011-04-10T21:33:00.000-07:00

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LAURA LIMA - GRANDE (mesa redonda e lançamento de catálogo)

2011-02-16T11:27:00.000-08:00

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;)

Direitos autorais, segundo a neta da Lygia Clark

2011-01-24T13:31:00.001-08:00

Por Alessandra Clark

Meus caros, sou neta de Lygia Clark. gostaria de saber se algum dia ligarão para a Associação cultural "O Mundo de Lygia Clark" e perguntarão o que nós pensamos a respeito de tudo isso, ao invés de ficarem se derretendo em lamúrias pela internet com falsos testemunhos sem opinião própria.

então, como jamais entrarão em contato, resolvi dar 5 minutos do meu dia para responder a este blog (muito bom - por sinal).

A verdade é que muitos reclamam de barriga cheia. todos querem sobreviver da arte. críticos querem vender seus textos, curadores querem vender seus projetos, empresário querem vender seus produtos. só esquecem que a fonte de todas as suas pesquisas são os artistas. enquanto o artista está vivo, é fácil encontrá-lo e pedir autorização para publicar seu legado. o artista, emocionalmente envolvido paga a alma pra conseguir ver seu trabalho exposto. quando o artista morre, os herdeiros se vêem numa posição muito difícil - terem em suas vidas uma Obra para tomar conta. Essa obra é o filho de uma pessoa, eternamente dependente, que passa a conviver diariamente com essas pessoas. isso quer dizer que os herdeiros passam a ter todos os positivos e os negativos desse 'f'ilho' que apareceu repentinamente.

vou dizer os Deveres: cuidar, zelar, respeitar. se vocês não sabem o que isso quer dizer, eu vou dizer: manter o arquivo documental impecável limpo, sem fungo, organizado, apto a ser entregue como objeto de pesquisa... pra quem???? para pessoas que queiram pesquisar, publicar, expor... mas essas pessoas não querem dar nenhuma contra partida para ajudarem... infelizmente, como a falta de respeito em relação aos artistas é enorme, as pessoas acham que os herdeiros têm a obrigação de manter tudo isso e não querem ajudar...

exemplo: já recebi pedidos de pesquisa aonde pessoas gostariam de publicar livros e não tinham verba destinada a direitos autorais... mas o livro é inteiramente patrocinado com verba pública (Lei Rouanet), todas as pessoas envolvidas no projeto sendo muito bem remuneradas (pela tabela de valores dos serviços no ministério) e não se tem verba para o artista... e depois o livro ainda é vendido nas livrarias a 150 reais. isso eu não acho justo. é falso moralismo dizer que estão disponibilizando cultura... disponibilizar cultura a 150 reais não é disponibilizar.

eu vou dizer o que é disponibilizar: disponibilizar é deixar acessível sem custo a a custo que a pessoa possa pagar. 1/3 de salário mínimo não é disponibilizar. sinto muito. EU disponibilizo. eu tenho a documentação da Lygia Clark disponível para pesquisa gratuita. quem quiser, pode ligar a marcar pra fazer sua pesquisa. eu libero direitos autorais gratuitamente - lógico se todos estiverem doando seus esforço também. por que só nós """artistas/herdeiros"""" temos que nos sujeitar a ceder...

se o governo fizesse por onde, cuidando do legado de cada artista, ele poderia exigir alguma coisa. mas infelizmente, não faz. a Lei Rouanet hoje é usada de forma imprópria. Nos sujeitamos as departamentos culturais de grandes empresas que fazem verdadeiros leilões de patrocínio que acabam sendo distribuídos a lobistas.... mas isso,,,, estamos nos Brasil, já deveríamos estar acostumados.

bem, passei mais de 5 minutos. me empolguei. desculpem-me. mas, está aqui o recado, se alguém tiver alguma dúvida, a Associação Cultural "O Mundo de Lygia Clark" está aberta a perguntas e a pesquisas. isso é gratuito. o resto, não é nossa obrigação moral ceder. analisamos caso a caso.

Atenciosamente,

Alessandra Clark - Uma amante da Arte e herdeira por tabela.

http://www.advivo.com.br/blog/luisnassif/direitos-autorais-segundo-a-neta-da-lygia-clark

VERBO - CONVOCATÓRIA

2010-12-28T20:54:00.000-08:00

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TRAMPOLIM - Vitória do Espírito Santo

2010-12-28T20:35:00.000-08:00

TRAMPOLIM _plataforma de encontro com a arte da performance
12 a 14 de janeiro 2011

Galeria Homero Massena
Vitória, Brasil

O TRAMPOLIM _ nasce do desejo de facilitar e impulsionar a produção e projeção da arte da performance na cidade de Vitória, possibilitando a ativação e visibilidade necessárias para o seu desenvolvimento. A plataforma será um espaço de encontro de artistas do Brasil, Argentina, México, Colômbia, Polônia, Espanha, Itália, Bélgica, Venezuela, Israel, Japão, Estados Unidos, Canadá, Alemanha, Coréia do Sul, Escócia, Cuba, Finlândia, Irlanda e Porto Rico, para compartilhar e discutir acerca da bagagem que cada um carrega a partir de suas próprias particularidades, características e possibilidades. TRAMPOLIM _ se pensa então como uma oportunidade para debater as práticas e emergências de cada artista, permitindo uma relação ativa de processos colaborativos e de intercâmbio artístico.

Em 6 edições, realizadas de outubro de 2010 a março de 2011, o TRAMPOLIM _ reunirá mais de 50 artistas numa experiência poética de encontro com a prática da arte da performance e o diálogo entre artistas e público, servindo aos participantes de plataforma para abrir o espectro de ideias e conexões, e ir além dos padrões já existentes de eventos de performance. Durante três dias, mensalmente, esses artistas estarão reunidos nos diversos equipamentos culturais da cidade realizando uma série de atividades como workshops, bate-papos, mostras de vídeo e performances.

O TRAMPOLIM _ é uma iniciativa independente do LAP! _Laboratório de Ação & Performance, com apoio da Secretaria de Estado da Cultura, através do FUNCULTURA - Fundo de Cultura do Estado do Espírito Santo e conta com a parceria da Secretaria Municipal de Cultura e da Secretaria de Produção e Difusão Cultural da UFES.

Marcus Vinícius & Rubiane Maia
Coordenação Geral do TRAMPOLIM_

+ info:
www.plataforma-trampolim.com
+55 27 9884 6879 _Marcus Vinícius
+55 27 9982 4991 _Rubiane Maia

O EducAtivo MAMAM (Museu de arte moderna Aluísio Magalhães) apresenta:

2010-11-09T10:41:00.001-08:00

UMA PALESTRA E UMA OFICINA

A palestra:

Coleção e escritas de si: das caixas de fósforo às armaduras, Palestra com Nicole Cosh.

Nicoel Cosh realizará uma palestra aberta ao público na quarta-feira, 17 de novembro, às 16h, no auditório do MAMAM, onde falará sobre colecionismo, resultado de sua pesquisa de mestrado em antropologia.

Nicole Cosh é mestra em antropologia pelo Programa de Pós-graduação em Antropologia da Universidade Federal de Pernambuco, especialista em Arte/educação pela Universidade Católica de Pernambuco. Atualmente coordena os cursos de Bacharelado em Artes Plásticas e em Fotografia da AESO/Barros Melo. Desde 2000 atua e pesquisa em instituições museais do Recife, buscando problematizar as relações entre instituições, públicos e objetos, criando atividades educativas e analisando tais relações por meio de pesquisas.

SERVIÇO

Palestra: Coleção e escritas de si: das caixas de fósforo às armaduras, com Nicole Cosh.

Data: 17 de novembro de 2010, às 16h.

Local: Auditório do Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães – Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães. Rua da Aurora, 265 e Rua da União, 88 – Boa Vista – Recife, PE.

Investimento: R$ 30,00

Informações: 3355.6870 | 6871 | 6872

educativo@mamam.art.br

A oficina:

Oficina de Cartema

A palavra Cartema é um neologismo criado por Antônio Houaiss para denominar a técnica desenvolvida por Aloisio Magalhães de produção de uma imagem a partir da repetição de uma imagem postal. A justaposição de uma mesma imagem cria um efeito ótico de confusão entre fundo/figura e forma concreta/abstrata. A oficina será um momento de experimentação e exercício com a técnica, em seu formato clássico e também em novos suportes.

A oficina, ministrada por educadores da equipe do EducAtivo MAMAM, ocorrerá no terceiro fim de semana de outubro e terá duração de 8 horas.

SERVIÇO

Atividade: Oficina de Cartema

Professora: Paula Frassinetti (EducAtivo MAMAM)

Vagas: 15

Carga horária: 08 horas.

Datas: 20 e 21 de outubro, das 14h às 18h.

Público alvo: estudantes, professores, artistas e curiosos.

Local: Atelier do EducAtivo MAMAM. Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães. Rua da Aurora, 265 e Rua da União, 88 – Boa Vista – Recife, PE.

Informações: 3355.6870 | 6871 | 6872

educativo@mamam.art.br

Abertura de exposição - Fundação Joaquim Nabuco (Recife)

2010-11-09T10:29:00.003-08:00

Tomie Ohtake no Museus de arte moderna Aluísio Magalhães- MAMAM (Recife)

2010-10-14T09:23:00.000-07:00

Como o próprio título do post anuncia, teremos mais uma oportunidade de conferir parte do trabalho da Tomie Ohtake em Recife.

Mas o que me fez postar mesmo esse convite, foi a idéia de que não precisava ser uma foto onde aparece a artista em pessoa. Acho isso bizarro!
Acaba alimentando certos "valores" equivocados.Entende?

A arte do convite teria mais a ver com a arte feita pela própria Tomie, se tivesse somente a imagem do trabalho, da obra.

uahuahua
é só isso.

Fundação Bienal, em resposta.

2010-10-13T13:19:00.000-07:00

Em resposta ao texto São Paulo Arde: o espectro da polítca na Bienal, divulgado pelo artista Roberto Jacoby em seguida à solicitação de retirada ou encobrimento de parte da obra El alma nunca piensa sin imagen, exibida na 29ª Bienal de São Paulo, os curadores-chefes da exposição vêm a público declarar o seguinte:

El alma nunca piensa sin imagen- obra em detalhe

El alma nunca piensa sin imagen- obra coberta

1. Ao contrário do que o texto afirma, em momento algum o projeto apresentado à curadoria da 29ª Bienal de São Paulo pelo Sr. Roberto Jacoby fazia referência direta à campanha presidencial no Brasil. Em todas as inúmeras comunicações feitas (por email, skype e telefone), o artista afirmou querer refletir sobre processos eleitorais a partir de uma campanha fictícia e hipotética. O conteúdo das informações fornecidas pelo artista está expresso no texto que apresenta sua obra, publicado no catálogo e no site da exposição.
2. O fato de as imagens dos candidatos Dilma Roussef (PT) e José Serra (PSDB) estarem publicadas no catálogo e no site da 29ª Bienal de São Paulo não atesta, em absoluto, o conhecimento prévio da curadoria sobreo conteúdo do trabalho tal como apresentado no espaço expositivo. As imagens foram entregues pelo artista apenas ao final do prazo de fechamento da edição do catálogo, com o objetivo suposto (nenhuma informação específica ou diferente daquelas anteriormentes fornecidas foi oferecida pelo artista) de simbolizar a referida campanha fictícia e hipotética, dada a fácil identificação das imagens com o tema do trabalho. Não aceitá-las significaria deixar as páginas do catálogo em branco e não confiar na palavra do artista sobre o conteúdo de sua participação na 29ª Bienal de São Paulo. Presunção que se mostrou, como o desenrolar dos fatos iria provar, pouco prudente.
3. Ao iniciar a montagem do trabalho, o artista e demais membros de sua equipe vestiam camisetas em apoio à candidata Dilma Roussef e passaram a desenrolar e a exibir partes das fotografias dos candidatos que afixariam em seguida nas paredes (registre-se que tais fotografias foram produzidas sem controle e sem qualquer conhecimento da instituição, por decisão do artista). Simultaneamente, foi publicada matéria no jornal O Estado de São Paulo sobre o suposto conteúdo do trabalho do artista para a 29ª Bienal de São Paulo, a partir de entrevista feita com Roberto Jacoby: estabelecer um comitê de campanha para Dilma Roussef no interior da 29ª Bienal de São Paulo, chamado “Brigada Argentina por Dilma”.
4. A curadoria imediatamente alertou o artista para os possíveis problemas que esse projeto poderia causar, por estar infrigindo Lei Federal que proíbe a realização de propaganda eleitoral em prédios públicos (o pavilhão da Bienal é propriedade da Prefeitura de São Paulo) durante o período de campanha política. Essa infração seria ainda acompanhada por uma outra igualmente grave: fazer campanha eleitoral com recursos públicos (a 29ª Bienal de São Paulo é majoritariamente financiada com recursos públicos provenientes da Lei Rouanet). O Sr. Roberto Jacoby tranquilizou os curadores, afirmando que não descumpriria nenhuma lei brasileira, e que não nos preocupássemos. Segundo nos garantiu, os jornalistas teriam interpretado mal o que havia dito. Uma vez mais, confiamos e acreditamos no artista. Recorremos na imprudência.
5. Na noite de abertura da 29ª Bienal de São Paulo para convidados (21 de setembro), o Sr. Roberto Jacoby e os demais membros da “Brigada Argentina por Dilma” distribuíram ao público, ao contrário do que o artista havia afirmado, farta propaganda eleitoral em favor de Dilma Roussef, além de difundirem, em monitor posto na sala de exposição, depoimentos gravados de várias pessoas em apoio à candidata.
6. Alertados por membros do próprio Governo Lula (preocupados com a possível repercussão negativa que o uso de recursos liberados pelo Ministério da Cultura fossem utilizados para fazer campanha ilegal de sua candidata) e por juristas consultados informamente, a Presidência da Fundação Bienal de São Paulo decidiu consultar formalmente a justiça eleitoral sobre a situação. A resposta foi bastante clara: o trabalho do Sr. Roberto Jacoby configurava crime eleitoral e poderia, se autuado e julgado como tal, comprometer a capacidade da instituição em estabelecer convênios com órgãos públicos no futuro . A Presidência da Fundação Bienal de São Paulo e a curadoria da 29ª Bienal de São Paulo decidiram não incorrer em riscos que, causados pela má-fé do Sr. Roberto Jacoby, pudessem comprometer o processo de recuperação da instituição, que há menos de dois anos era dada como falida. Como gestores públicos, seria ato de injustificável irresponsabilidade com um bem público que ora é devolvido à sociedade brasileira.
7. Ao contrário do que o texto divulgado pelo Sr. Roberto Jacoby afirma, o alerta de um dos curadores a respeito dos riscos de penalização pessoal da situação se referia ao próprio artista, e não aos curadores. Se a instituição Fundação Bienal de São Paulo era, perante a justiça, certamente co-responsável pela situação, do ponto de vista pessoal era o artista quem estava infrigindo a lei eleitoral do país. Esperamos, contudo, que essa falsa informação contida no texto tenha sido devida a um problema de “desentendimento línguístico” e não a mais um ato de má-fe do artista.
8. Deixe-se aqui claro que a postura da curadoria da 29ª Bienal de São Paulo é a de defender toda e qualquer proposta artística desde que não esteja transgredindo normas legais. Pode-se discordar dessa postura (“covarde”, diria o Sr. Roberto Jacoby), mas acreditamos que é uma postura responsável e ética quando se está trabalhando com recursos públicos, arrecadados e distribuídos também sob preceitos estabelecidos em lei em um regime democrático. É por essa razão que a curadoria está defendendo a permanência de outras obras que também têm se mostrado polêmicas na 29ª Bienal de São Paulo ao mesmo tempo em que solicitou ao Sr. Roberto Jacoby o encobrimento ou retirada unicamente dos itens de sua obra que configuravam propaganda eleitoral em favor da candidata Dilma Roussef. Enquanto as primeiras não estão infrigindo qualquer lei acordada por princípios democráticos (ainda que pessoas ou grupos sociais se sintam ofendidos por elas e se manifestem ativa e livremente contra a permanência dessas obras na mostra dentro e fora do espaço da Bienal), o trabalho do Sr. Roberto Jacoby desafia a lei brasileira que regula campanhas eleitorais no país.
9. Ao contrário do que o documento divulgado pelo Sr. Roberto Jacoby sugere, todo elemento discursivo e participativo que seu projeto continha (debates, oficinas, etc) foi mantido, inclusive com críticas diretas e com frequência ofensivas aos curadores da 29ª Bienal de São Paulo, à instituição e ao sistema da arte em geral. A idéia de que o artista e sua “Brigada Argentina por Dilma” redigissem o texto aqui comentado (São Paulo Arde: o espectro da polítca na Bienal) e o afixasse no espaço expositivo foi, ademais, uma sugestão da própria curadoria, como o próprio Sr. Roberto Jacoby certamente pode atestar. A lastimar apenas a inclusão não-autorizada dos nomes de respeitadas pesquisadoras brasileiras como signatárias desse documento, que, em correspondência privada aos curadores e também aos responsáveis pela divulgação do texto do Sr. Roberto Jacoby, afirmaram não ter concordado nem com o conteúdo nem com os termos do texto escrito pelo artista e que não haviam autorizado a inclusão de seus nomes na lista de seus apoiadores, levando-as a ir pessoalmente ao espaço expositivo para retirar o seu nome da mesma. É lamentável que, mesmo após a manifestação das pesquisadoras, a lista continue a ser divulgada em diversos sítios da internet com suas assinaturas, induzindo os leitores a grave erro. Também ficou acertado entre curadoria e artista, sob o testemunho de diversos outros membros da “Brigada Argentina por Dilma” e da Bienal de São Paulo, que o presente texto, esclarecendo os motivos da curadoria, seria redigido e afixado junto ao texto do artista no espaço expositivo. Assim, em momento algum, a sua “máquina de produzir antagonismos”, como ele mesmo a designa, foi desativada. Os únicos elementos dela retirados foram aqueles que configuravam crime eleitoral no Brasil, conforme dito acima.
10. A posição de vítima em que o Sr. Roberto Jacoby se coloca não condiz com a natureza de seus atos durante todo o processo que antecedeu a abertura da 29ª Bienal de São Paulo. Além dos fatos já relatados acima, o artista e demais membros da “Brigada Argentina por Dilma” criaram, ao longo da montagem da mostra, situações que visaram tão somente acirrar os ânimos entre o grupo e a instituição, em prática que desnuda as práticas políticas que o Sr. Roberto Jacoby realmente preza. O mais grave é que tais práticas tiveram como alvo preferencial o trabalho de outros artistas presentes na mostra, que em dois casos foram literalmente escalados por membros da “Brigada Argentina por Dilma”, colocando em risco a sua integridade (fatos lamentáveis presenciados por dezenas de pessoas que trabalhavam no prédio incluindo, em uma das ocasiões, um dos curadores-chefes). O desrespeito explícito pelo trabalho alheio (também expresso em provocações verbais durante todo o processo de montagem) diz muito do grau de autoritarismo que a prática do Sr. Roberto Jacoby embute, ainda quando travestida de correção política.
11. Por essas razões, é razoável supor que o Sr. Roberto Jacoby não se importe nem um pouco com os desdobramentos negativos que seu trabalho viesse a provocar sobre a inserção da Bienal de São Paulo no corpo social brasileiro, posto que parece basear sua prática em uma oposição simplista e retrógada entre artista e instituição. Menos que um real comprometimento com as mudanças sociais que uma eventual vitória da candidata Dilma Roussef possa representar para o Brasil e o continente latino-americano, o que parece de fato lhe interessar é a criação de um embate artificial entre o seu trabalho e os limites do meio artístico, causando o máximo de efeito midiático em proveito próprio. Não temos quaisquer problemas em admitir que, no presente caso, chegamos aos limites da instituição, e que tal admissão permita que o trabalho do artista “funcione” a contento. Não surpreendentemente, o Sr. Roberto Jacoby afirmou, durante a reunião em que comunicamos a impossibilidade da permanência dos elementos da propaganda eleitoral na obra, que documentaria todo o processo de retirada/encobrimento desses elementos para inclui-lo como parte de projeto para a próxima Bienal de Veneza. O texto supra-referido, acreditamos, certamente também será parte desse trabalho, e desde já autorizamos este nosso texto a também ser integrado ao projeto do Sr. Roberto Jacoby, caso ele assim o deseje e desde que o inclua na íntegra. Nossa contribuição à sua prática.
12. Quanto à referência à inclusão do Tucumán Arde na 29ª Bienal de São Paulo sob o título Grupo de Arte de Vanguardia, em que o Sr. Roberto Jacoby afirma tratar-se de mais uma prova da falta de comprometimento da curadoria com a radicalidade do fato político, temos a declarar o seguinte: 1. São amplamente conhecidas as divergências que existem, entre pesquisadores do tema (inclusive entre alguns dos signatários do documento escrito pelo artista), sobre as formas de apresentação e de nomeação desse complexo evento ocorrido na Argentina em 1968; 2. Optamos por adotar o formato e a maneira de titular em diálogo com pesquisadores e curadores do Museu de Arte Contemporánea de Barcelona (MACBA), proprietário do acervo documental que foi emprestado para exibição na 29ª Bienal de São Paulo. Chega a ser constrangedora, contudo, a aproximação, sugerida no texto divulgado pelo Sr. Jacoby, entre o evento Tucumán Arde e o projeto por ele apresentado na 29ª Bienal de São Paulo em termos de sua relevância politica. Este, sim, é um fato que diz muito a respeito dos abusos que a palavra “política” é hoje submetida no campo da arte.

Moacir dos Anjos e Agnaldo Farias
Curadores-chefes da 29ª Bienal de São Paulo

Art agenda divulga dura crítica à 29ª bienal de São Paulo

2010-10-07T13:17:00.000-07:00

Como você seguir, e que você faz depois de "the void", a edição assim apelidado 28 da Bienal de São Paulo (2008)? Seu diretor artístico, o internacionalmente conhecido e experiente curador Ivo Mesquita, deixou no chão enorme segundo do edifício Oscar Niemeyer inteiramente vazio como um comentário sobre a política intrincada burocracia do evento, e em bienais em geral. Seu orçamento foi reduzido, bem como, a partir de US $ 12 milhões da Bienal anterior a 27 de meros US $ 3,5 milhão, e ele deixou uma dívida de cerca de US $ 2 milhões. Ele selecionou mais de 40 artistas para transmitir uma declaração radical curatorial, ao tentar colocar a Bienal de 28 "em vivo contato" com a arte do mundo.
Em contraste, a 29 ª edição deste ano, disse ser ancorado pela noção de que "é impossível para a arte separada da política", tem beneficiado de grandes vantagens: o empenho ea determinação do novo presidente da Fundação (eleito no ano passado), o bem-respeitada consultoria executiva Heitor Martins, que presidiu uma virada espetacular nas finanças da Bienal de SP, bem como uma nova Bienal Conselho, directamente relacionadas com as artes.Em cima de tudo isso, esta edição teve à sua disposição um orçamento muito saudável e generoso de US $ 17,5 milhões e 159 artistas para arrancar.
Em julho de 2009, Moacir dos Anjos foi nomeado Curador Chefe da 29 ª edição da Bienal de SP. Ele serviu como diretor do Museu de Arte Moderna do Recife, Brasil, entre 2001 e 2006, e como co-curador da participação do Brasil como país convidado na ARCO'08 em Madrid. Um especialista em Nelson Leirner, Cildo Meireles e Rosângela Rennó, dos Anjos revelou imediatamente sua intenção de "reafirmar a relevância da Bienal de São Paulo", após sua crise institucional muito séria, e de defender o que chamou de "experimentalismo" de bienais como o princípio fundamental da sua plataforma. Ele concebeu um projeto ambicioso, inspirados pelo trabalho de grande poeta brasileiro Jorge de Lima, Invenção de Orfeu (1952), a partir da qual dos Anjos assumiu o título da 29 ª edição: "HA UM semper Copo de Mar parágrafo Navegar Homem hum" (Não há sempre um copo de mar para navegar).
Em meados de novembro de 2009, ao mesmo tempo que dos Anjos divulgada a composição da equipe internacional de curadores que estavam para auxiliá-lo no desenvolvimento de seu projeto, foi anunciado que ele estava prestes a compartilhar a direção da Bienal com Agnaldo Farias, mais conhecido por seu envolvimento e trabalho nas duas bienais pior na história do São Paulo, aqueles dirigidos por Nelson Aguilar (1996) e Alfons Hug (2002). Quando a Bienal abriu ao público em 25 de setembro, a imprensa brasileira que cobre a Bienal dedicou a sua atenção para Farias, muitas vezes sem mencionar dos Anjos, que já havia desaparecido dos olhos do público. Farias se tornou o de facto Curador Chefe da 29 ª edição da Bienal.
O que aconteceu entre eu não posso dizer. É mais provável que continuam a ser alvo de especulações e controvérsias, entre os segredos que rodeiam sempre eventos deste tipo. A história é muito reveladora, contudo, não apenas sobre a dinâmica que pode ter condenado nesta edição promissor, mas também a miopia daqueles em posição de impedi-lo. Para esta Bienal não só tem uma equipe espetacular de curadores-Rina Carvajal, Sarat Maharaj, Chus Martínez, Yuko Hasegawa, e Fernando Alvim (que, no entanto, acabaram brigando entre si por falta de orientação adequada), mas também tem o apoio e entusiasmo de uma comunidade de arte total, um público pronto para virar a esquina do esquecimento e da irrelevância, os meios para chegar lá, e uma infinidade de artistas com trabalhos impressionantes para que isso aconteça.
O resultado, em vez disso, é chato, para dizer o mínimo. Esqueça a dimensão utópica dos Anjos, que previu a partir dos versos de Jorge de Lima, cujo Invenção de Orfeu canta "o poder de navegar, mesmo sem navios, / mesmo sem ondas e areia". Esqueça a experimentação e esquecer dos riscos. Mas por favor não entendi errado: quando Rina Carvajal anunciou em Novembro de 2009 que a Bienal estava indo pegar as relações entre arte e política, eu tenho certeza que ela não poderia ter previsto a dispersão e extravio dos artistas e suas obras- obras que, no contexto, poderia ter oferecido um entendimento, obrigando mesmo revisionista das idéias complexas e influências que antecederam o que hoje passa por "arte política". E eu estou quase convencido de que as contribuições de Chus Martínez teria feito a direção clara dessas rotas e aberturas que artistas talentosos como Jonathas de Andrade, Putrih Tobias, Mário Garcia Torres, Tamar Guimarães e Antonio Vega Macotela só conseguiu insinuar , individualmente, nesta confusão geral.
Na verdade, não foi o suficiente para ter "uma Bienal de extraordinário", como Carvajal tinha sonhado, mas não o suficiente para dar sentido a ela. A propósito, uma direção, ou uma idéia clara de como se relacionar artistas, obras, épocas e lugares para um outro estava desaparecido. E a 29 ª Bienal SP realmente tem de tudo: de terreiros maravilhoso (locais de encontro) com uma variedade de funções para a arte-feira de estilo, esculturas monumentais feio, brega, a partir de manifestos políticos para documentários sociais, a partir de trivialidades oportunista de enigmas filosóficos, a partir de porno-miséria a pichação, a partir de entretenimento antropológica psico-poesia, desde espectáculos de luz para a pedagogia poética. Estava tudo ali, juntos, nivelado, como se estivesse em uma feira de arte, sem propósito e sem sentido; fracamente, em vez disso, entre a revelação de Flávio de Carvalho ("Todas as idéias aqui expostas, todas as conclusões, são tentativas para alcançar uma suposta verdade ... um fenômeno ilusório imperceptíveis a olho nu ") e situação Anri Sala via The Clash (Devo eu permanecer ou devo ir?).
Há também os "escândalos políticos," alguns mais divertido do que outros. O instigadas por obra de Roberto Jacoby, uma espécie de gabinete eleitoral gerida por uma brigada da Argentina para Dilma Rousseff, dos Trabalhadores candidato do partido à presidência do Brasil, corre o risco de ser ordenhadas até o final da Bienal. Segundo a Fundação Bienal, um relatório do gabinete do Procurador-Geral Eleitoral é considerado o trabalho a ser "um crime eleitoral", violando a lei que proíbe "a transmissão de propaganda de qualquer natureza" em locais mantidos pelas autoridades públicas. Agnaldo Farias declarou à imprensa: "Nós não podemos contestar a decisão judicial, porque nós ainda corremos o risco de ir para a prisão Se soubéssemos de antemão que o trabalho lidava com Dilma, que teria alertado o artista, porque nós tínhamos. ter sabido que haveria problemas. "Conseqüentemente, o trabalho estava coberto de vista, literalmente censurados da exposição. Quanto à alegação do curador não ter conhecido a natureza do trabalho: ele poderia tê-lo visto reproduzir perfeitamente em seu catálogo Bienal e seu website.
O aparente paradoxo de que esta situação tenha acontecido no âmbito de uma exposição que insiste sobre as relações entre arte e política atesta que Jacoby queria alcançar, em primeiro lugar: "forçando a criação de arte para se envolver em uma discussão sobre o fato verificável que, hoje, em um espaço geopolítico, como a América Latina, há mais experiência, mais criatividade, e, espero, em última análise, mais no campo da política, das instituições para os movimentos sociais do que no sistema da arte contemporânea ".
Tudo o que você pode pensar o trabalho, parece fora de questão quando um curador decide censurar uma obra, protegendo-se atrás da alegada decisão de um tribunal que expressa a possibilidade de que o trabalho de Jacoby pode ser obrigado a cumprir uma lei eleitoral. O mínimo que um artista poderia esperar de um curador é a defesa total e inequívoca do espaço de arte como "território de plena liberdade," como editor Marcos Augusto Gonçalves caracteriza. Mas, em vez de avaliar e responder por trabalhar politicamente Jacoby confronto com critérios artísticos e estéticos, Farias permite que ele seja julgado por uma lei eleitoral para a qual ele se inscreve a sua autoridade e sua exposição, assim, a política confusa e político. Ou seja, a decisão Farias perigosamente oblitera qualquer distinção entre o que está lidando com Jacoby (política) e que outro ponto de encontro entre a política ea polícia (o político), onde os direitos e liberdades confrontar a ordem estabelecida de controle.
Em breve, sob a direção conservadora e reacionária Farias da 29 ª edição da Bienal de SP, disperso e sem rumo, é uma oportunidade perdida, sem muito sentido ou tripas muito. Como se um jogo de ousadia a cair com um laço no pescoço de um lugar alto o suficiente fora da terra que a queda iria enforcá-lo, falha Farias já foi anunciada. E assim, a complexidade ea poesia que dos Anjos proposta tornou-se, simplesmente, uma questão para a polícia para lidar com eles. Tenho quase certeza que este é precisamente o que os três abutres vivem na gigantesca escultura e brutalista Nuno Ramos estavam antecipando.

Versão original:

How do you follow, and what do you do after "The Void," the so-dubbed 28th edition of the São Paulo Biennial (2008)? Its Artistic Director, the internationally known and experienced curator Ivo Mesquita, left the huge second floor of the Oscar Niemeyer building entirely empty as a comment on the intricate bureaucratic politics of the event, and on biennials in general. His budget had been reduced as well, from the $12 million of the previous 27th Biennial to a mere $3.5 million, and he left a debt of some $2 million. He selected just over 40 artists to convey a radical curatorial statement, while trying to place the 28th Biennial "in living contact" with the art of the world.

In contrast, this year's 29th edition, said to be anchored by the notion that "it is impossible to separate art from politics," has benefited from major advantages: the commitment and resolve of the new president of the Foundation (elected last year), the well-respected consulting executive Heitor Martins, who presided over a spectacular turn in the finances of the SP Biennial; as well as a new Biennial Council, directly linked with the arts. On top of all that, this edition had at its disposal a very healthy and generous budget of $17.5 million and 159 artists to boot.

In July 2009, Moacir dos Anjos was appointed Chief Curator of the 29th edition of the SP Biennial. He served as Director of the Museum of Modern Art of Recife, Brazil, between 2001 and 2006; and as co-curator of the Brazil participation as guest country at ARCO'08 in Madrid. A specialist in Nelson Leirner, Cildo Meireles, and Rosângela Rennó, dos Anjos immediately revealed his intention of "reasserting the relevance of the São Paulo Biennial" after its rather serious institutional crisis, and of vindicating what he called the "experimentalism" of biennials as the fundamental principle of his platform. He conceived an ambitious project, inspired by the Brazilian poet Jorge de Lima's major work, Invenção de Orfeu (1952), from which dos Anjos took the title of the 29th edition: "Há sempre um copo de mar para um homem navegar" (There's always a cup of sea to sail in).

By mid-November 2009, at the same time that dos Anjos disclosed the composition of the international team of curators who were to assist him in developing his project, it was announced that he was about to share the directorship of the Biennial with Agnaldo Farias, better known for his involvement and work in the two worst biennials in the history of São Paulo, those directed by Nelson Aguilar (1996) and Alfons Hug (2002). When the Biennial opened to the public on September 25th, the Brazilian press covering the Biennial devoted its attention to Farias, often without mentioning dos Anjos, who had already disappeared from the public eye. Farias had become the de facto Chief Curator of the 29th edition of the Biennial.

What happened in between I cannot say. It will most likely remain a subject of speculation and dispute, among the secrets that always surround events of this kind. The story is very telling, however, not only about the dynamics that may have doomed this promising edition, but also the shortsightedness of those in a position to prevent it. For this Biennial not only has a spectacular team of curators—Rina Carvajal, Sarat Maharaj, Chus Martínez, Yuko Hasegawa, and Fernando Alvim (who nevertheless ended up fighting among themselves for lack of proper direction)—but it also has the support and enthusiasm of a whole art community, a public ready to turn the corner from oblivion and irrelevance, the means to get there, and a multitude of artists with impressive works to make it happen.

The result, instead, is boring, to say the least. Forget the utopian dimension that dos Anjos envisioned from the verses of Jorge de Lima, whose Invention of Orpheus sings of "the power to sail on, even without ships, / even without waves and sand". Forget experimentation and forget risk. But please don't get it wrong: when Rina Carvajal announced in November 2009 that the Biennial was going to take up the relations of art and politics, I'm sure she could not have foreseen the dispersal and misplacement of artists and their works—works that, in context, could have offered a compelling, even revisionary understanding of the complex ideas and influences that preceded what today passes as "political art." And I'm almost convinced that the contributions of Chus Martínez would have made clear the direction of those routes and openings that talented artists such as Jonathas de Andrade, Tobias Putrih, Mário Garcia Torres, Tamar Guimarães or Antonio Vega Macotela could only manage to insinuate, individually, in this general confusion.

In truth, there was enough to have "an extraordinary Biennial," as Carvajal had dreamed of, but not enough to make sense of it. A purpose, a direction, or a clear idea of how to relate artists, artworks, times, and places to one another was missing. And the 29th SP Biennial really has it all: from wonderful terreiros (meeting places) with a variety of functions to art-fair-style, monumentally ugly-tacky sculptures; from political manifestos to social documentaries; from opportunist trivialities to philosophical conundrums; from porno-misery to graffiti; from anthropological entertainment to psycho-poetry; from light shows to poetic pedagogy. It was all there together, leveled, as if in an art fair, without purpose and without sense; loosely framed, instead, between Flávio de Carvalho's revelation ("All of the ideas here exposed, all of the conclusions reached, are attempts to attain a supposed truth… an illusory phenomenon imperceptible to the naked eye") and Anri Sala's predicament via The Clash (Should I Stay or Should I Go?).

There are also "political scandals," some more entertaining than others. The one instigated by Roberto Jacoby's work, a sort of electoral office managed by an Argentine Brigade for Dilma Rousseff, the Workers' Party candidate to the Brazilian presidency, threatens to be milked until the end of the Biennial. According to the Biennial Foundation, a report by the Electoral Attorney General's office considered the work to be "an electoral offense," breaking the law that prohibits "the transmission of propaganda of any nature" in places run by public authorities. Agnaldo Farias declared to the press: "We can not contest the court ruling because we even run the risk of going to jail. If we had known in advance that the work dealt with Dilma, we would have warned the artist, because we'd have known there would be problems." Consequently, the work was covered from view, literally censored from the exhibition. As for the curator's claim not to have known the nature of the work: he could have seen it perfectly reproduced in his Biennial's catalogue and its website.

The apparent paradox that this situation has happened within the context of an exhibition that insists on the relations of art and politics attests to what Jacoby wanted to achieve in the first place: "forcing the art establishment to become involved in a discussion on the verifiable fact that, today, in a geopolitical space like Latin America, there is more experimentation, more creativity, and—ultimately—more hope in the realm of politics—from institutions to social movements—than in the contemporary art system."

Whatever you may think of the work, it seems beyond the pale when a curator decides to censor a work by protecting himself behind the alleged decision of a tribunal that expressed the possibility that Jacoby's work may be required to comply with an electoral law. The least that an artist could expect from a curator is the total and unequivocal defense of the art space as "territory of full liberty," as editor Marcos Augusto Gonçalves characterizes it. But instead of evaluating and answering for Jacoby's politically confrontational work with artistic and aesthetic criteria, Farias allows it to be judged by an electoral law to which he subscribes his authority and his exhibition, thus confusing politics and the political. That is, Farias's decision dangerously obliterates any distinction between what Jacoby is dealing with (politics) and that other meeting ground between politics and the police (the political), where rights and freedoms confront the established order of control.

In brief, under Farias's conservative and reactionary direction of the 29th edition of the SP Biennial, scattered and adrift, is a missed opportunity, lacking much sense or much guts. As if playing a game of daring to fall with a noose around his neck from a place high enough off the ground that the fall would hang him, Farias’s failure was already foretold. And so, the complexity and poetry that dos Anjos proposed became, simply put, a matter for the police to deal with. I’m almost sure that this is precisely what the three live vultures in Nuno Ramos’ gigantic and brutalist sculpture were anticipating.

—Octavio Zaya

Octavio Zaya is a curator and writer based in New York since 1978. Director of the journalAtlantica (CAAM, Canary Islands), Curator at Large of MUSAC (Leon, Spain), and co-Director of RADAR, MUSAC's journal. He was one of the curators of Documenta 11 (2002) under the Direction of Okwui Enwezor.

1.Roberto Jacoby, El alma nunca piensa sin imagen (The soul never thinks without image), 2010. Covered after Electoral Attorney General's office issued a decree. Image courtesy of Argentinian Brigade.

2.Curatorial team. From left to right: Fernando Alvim, Agnaldo Farias, Rina Carvajal, Chus Martínez, Yuko Hasegawa, Sarat Maharaj and Moacir dos Anjos.

3.Roberto Jacoby, El alma nunca piensa sin imagen (The soul never thinks without image), 2010. Program of talks and political actions. Stage, microphones, light, posters, band, t-shirts, caps, buttons, flyers, lecturers, activists and public; drawings in collaboration with a group of Argentinian artists. Image courtesy ofArgentinian Brigade.

4.Nuno Ramos, Bandeira branca, 2010. Sand, granite, glass, vulture, safety net, speakers, sound. Dimensions variable.

5.Nuno Ramos, Bandeira branca (detail), 2010. Sand, granite, glass, vulture, safety net, speakers, sound. Dimensions variable.

Tatuí 10!

2010-09-17T10:13:00.000-07:00

A revista Tatuí é uma publicação de crítica de arte contemporânea formada, originalmente, por um grupo de estudantes pernambucanos do curso de artes visuais. Atualmente esses estudantes já são pesquisadores e agentes do meio da arte e têm realizado residências, onde são convidados interessantes pensadores e agentes da arte contemporânea brasileira para a realização de novos números. Uma iniciativa que deve servir de exemplo para todos nós.

*clique na imagem para melhor visualizar as informações.

Concurso de ensaios sobre arte e culturas contemporâneas / Curso sobre transmissões streaming e arte digital.

2010-09-13T09:11:00.000-07:00

As publicações das nossas idéias e pesquisas, sobre a arte que vivenciamos em nosso país e meios locais, regionais, são extremamente responsáveis pela legitimação de uma história da arte nossa.

Esse edital é uma ótima oportunidade de darmos conta desta carência "historiográfica" nacional.

Além de livros, publicações...devemos aproveitar as novas mídias para propagar idéias. E como para tudo precisamos nos preparar, aprender e conhecer os campos de nossas atuações. Vale muito a pena fazer esse curso com Felipe Machado, no CFAV (Recife)

*clique nas imagens para melhor visualizar as informações.

e o trofeu Dinoussarinho de Merda vai para...

2010-07-26T13:31:00.000-07:00

Encontrei essa convocatória na net, achei interessante postar.

O que você acha disso?

Postei para que cada um pense na relação arte/premiação/ranking/competição e liberdade de criação/limites/diversidade.

Semana de Videoarte apresenta novas aquisições do acervo da FUNDAJ (Recife)

2010-07-26T12:21:00.001-07:00

frames de "Pacífico" do alagoano Jonathas Andrade.

Esta semana a fundação joaquim nabuco realiza a segunda edição da sua semana de videoarte. Está é uma ótima oportunidade para conhecer o acervo que a instituição, que conta com obras super importantes e emblemáticas do início desta vertente, bem como tem adquirido novas produções.

Amanda Melo, Brígida Baltar, Cao Guimarães estão presentes na mostra, que exibirá o video “Atlântico” de Jonathas Andrade. O vídeo, captado em Super-8, reflete sobre o distanciamento do Brasil em relação à América do Sul e põe o dedo na ferida da Guerra do Pacífico, conflito travado pelo Chile, a Bolívia e o Peru no século 19. "É como se houvesse um terremoto que separasse o Chile do resto do continente. É um trabalho ficcional, mas que toca numa série de memórias. Da guerra, da ditadura", explica Jonathas.
Joanathas tem chamado a atenção do meio de arte pelo originalismo de suas idéias, e está presente na seleção de artistas da 29ª bienal de São Paulo, que abre no mês de setembro.

Programação

Hoje

19h - Cinema da Fundação, Fundaj Derby

Exibição dos vencedores do Concurso de Videoarte 2009 da Fundaj: Pacífico, de Jonathas de Andrade, e Olho Furado com fala, de Alexandre Veras Costa.
Exibição de produções locais inéditas no Recife
Debate

27/7

18h30 - Galeria Vicente do Rego Monteiro, Fundaj Derby
Abertura da exposição de Cao Guimarães e Francis Alÿs

19h - Sala Aloísio Magalhães, Fundaj Derby
Mesa-redonda com Brígida Baltar e Cao Guimarães

28/7

18h - Sala João Carodoso Ayres, Fundaj Derby
Exibição do documentário Mau Wal

19h - Sala Aloísio Magalhães, Fundaj Derby
Mesa-redonda com Solange Farkas, Maurício Dias e Walter Riedweg

29/7

19h - Galerias Massangana e Baobá, Fundaj Casa Forte
Abertura da exposição de Brígida Baltar

Copa dos artistas - Futebol e Sociedade (Recife)

2010-06-16T14:37:00.000-07:00

Uma exposição que faz uso da popularidade destes eventos mundiais (copa e futebol) como plataformas para reflexão de questões evidentes em todas as camadas sociais como: regras, comportamentos, padrões, fanatismo, rivalidade, desempenho e performance...
Aslan Cabral, Ana Lu, Bruno Vilela, Francisco Baccaro, Júnior Pimenta, Liana Vila Nova, Michele Souza e Patrícia Melo são os artistas desta seleção que convida o público do Recife para apitar, pontuar, atacar, vibrar, defender, emocionar-se... com os jogos conceituais propostos em seus trabalhos.

A transmissão dessa copa será ao vivo e presencial, na galeria de arte do espaço MUDA e inicia-se com uma noite festiva no próximo sábado dia 19, às 20:30. E você está amistosamente convocado para conferir esse interessante torneio#GOLAÇO

	sábado, 19 de junho de 2010 às 20:30
	quarta, 30 de junho de 2010 às 22:30
	Espaço MUDA - Rua do lima 280-Recife PE

Últimos dias para inscrição no Concurso de Videoarte 2010

2010-06-08T09:58:00.001-07:00

A Coordenação de Artes Plásticas da Fundação Joaquim Nabuco, por intermédio da Diretoria de Cultura, informa que as inscrições ao Concurso de Videoarte edição 2010 encontram-se abertas até o próximo dia 14 de junho.

Através do Concurso de Videoarte, a Fundaj dá continuidade às ações de fomento à produção e à difusão de conhecimento em arte contemporânea, dentre as já consolidadas neste campo de atuação.

Com a finalidade de incentivar a produção áudio-visual de caráter experimental, o Concurso selecionará dois projetos para execução de duas obras de videoarte, concedendo prêmio no valor de R$.6.500,00 (seis mil e quinhentos reais) e suporte técnico da Massangana Multimídia Produções para a realização dos projetos vencedores.

As inscrições são gratuitas e poderão ser realizadas, pelos proponentes ou seus procuradores, na Coordenação de Artes Plásticas da Fundaj, no período de 31 de maio a 14 de junho de 2010, das 8h às 12h e das 14h às 18h.

Para os concorrentes que tenham domicílio fora do Recife, será admitido pedido de inscrição via correio para o endereço discriminado abaixo, postado até o dia 14 de junho de 2010.

:: Saiba Mais

Concurso de Videoarte 2010

A divulgação dos projetos vencedores será feita no site da Fundação Joaquim Nabuco e no Diário Oficial da União.

O Edital contendo todas as informações necessárias à participação no Concurso de Videoarte da Fundação Joaquim Nabuco está disponível AQUI

Data prevista para a reunião da comissão de seleção: 05 de julho de 2010.

Data prevista para divulgação do resultado da seleção: 12 de julho de 2010.

Informações e Inscrições:

Coordenação de Artes Plásticas

Diretoria de Cultura

Fundação Joaquim Nabuco

Rua Henrique Dias, 609 - Derby - Recife - PE - 52.010-100

Telefones (81) 3073.6692 | 30736691

De 2ª a 6ª feira, das 9h às 12h e das 14h às 18h.

Endereço eletrônico: artes@fundaj.gov.br

Requisitos para inscrição conforme o Regulamento

Poderão participar pessoas físicas residentes no Brasil.

Os concorrentes deverão apresentar o pedido de inscrição dos Projetos mediante requerimento dirigido à Fundação Joaquim Nabuco, no endereço acima, contendo dois envelopes lacrados, um destinado ao Projeto Técnico e outro à Documentação de Habilitação.

O Projeto Técnico deverá conter os seguintes itens, preenchidos no formulário específico:

Título do Projeto

Sinopse do Projeto com no máximo 3 (três) laudas;

Roteiro com divisão por Seqüências e os Diálogos desenvolvidos, quando couber;

Orçamento;

Plano de Produção.

Cada concorrente só poderá inscrever 1 (um) projeto. Serão consideradas habilitadas as pessoas físicas que apresentarem a seguinte documentação:

Comprovante de que reside há pelo menos dois anos no Brasil;

Declaração de Compromisso do concorrente em complementar os recursos de produção da obra de videoarte proposta, na hipótese de os custos excederem o valor do Prêmio estabelecido, sem prejuízo dos prazos estabelecidos neste Regulamento;

Currículo resumido do concorrente, com no máximo 1 (uma) lauda;

Cópias autenticadas da Cédula de Identidade e do CPF;

Certidão Conjunta da Receita Federal e Dívida Ativa da União.

Declaração formal e expressa de que o projeto apresentado é inédito, informando estar de acordo com este Edital e com as decisões da Comissão Julgadora, quanto aos resultados da seleção.

Informações adicionais:

Coordenação de Artes Plásticas

ECMM / Diretoria de Cultura

Fundação Joaquim Nabuco

Rua Henrique Dias, 609, Derby –Recife – PE

CEP: 50.010-100 – Fone: (81) 3073.6692 / 3073.6691

e-mail: artes@fundaj.gov.br

UM ANO DE PIRATÃO FILÉ DE PEIXE!

2010-06-08T09:53:00.000-07:00

2815 vídeos comercializados

14 mostras de videoarte (SESSÃO PIRATA)

36 horas de projeção

389 vídeos exibidos

1016 dvds distribuídos gratuitamente

PIRATÃO: 1 ANO!! PRIMEIROS RESULTADOS | NESTA SEXTA :: 16H

Nesta próxima sexta-feira, dia 11/06, a partir das 16h, o coletivo Filé de Peixerealizará no Camelódromo da Uruguaiana, no centro do Rio de Janeiro, a performance PIRATÃO: 1 ANO!!, comemorando o primeiro aniversário do projeto que investiga e simula a economia informal e pirata como situação para inserção, visibilidade, acesso e circulação a trabalhos de videoarte.

Os números acima são alguns dos primeiros resultados da ação que já percorreu 5 estados em 4 regiões do país, e estão disponíveis em nossa nova página que acaba de entrar no ar: www.coletivofiledepeixe.com, onde é possível consultar toda contabilidade e demais informações sobre o projeto, além da relação dos autores mais vendidos, o conteúdo de vídeos de cada mostra, o quanto foi arrecadado e gasto em cada edição, fotos, vídeos, etc.

Após a performance, SESSÃO PIRATA #15: HAPPY PIRATE TO YOU

Não perca! Nesta sexta-feira, mais de 600 videos e filmes de artista!

Assista em www.youtube.com/coletivofiledepeixe

“PIRATÃO: 1 é R$ 5, 3 é R$ 10!!”

Maiores informações no flyer em anexo.

Abs!
alex topini

www.coletivofiledepeixe.com

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"'Pixo' questiona limites que separam arte e política", diz curador da Bienal de SP por Fernanda Mena, Folha de S. Paulo

2010-04-15T12:20:00.000-07:00

Matéria de Fernanda Mena originalmente publicada na Ilustrada da Folha de S. Paulo em 15 de abril de 2010.

Acusados de vandalismo e terrorismo, os líderes do grupo que invadiu e pichou o andar vazio da Bienal de São Paulo em 2008 vão entrar na 29ª edição, em setembro, da mostra com credencial de artista.

O que você acha dos pichadores na Bienal de SP? Vote

A participação foi confirmada à Folha pela curadoria, que descreveu os pichadores como "artistas brilhantes", apesar de "tratados como marginais".

Com isso, a Bienal entra num fogo cruzado daqueles que tomaram partido de invasores ou de invadidos, e que agora polemizam sobre a iniciativa. É demagogia? Legitima uma ação destrutiva? Coopta uma vanguarda transgressora?

Para o curador Moacir dos Anjos, a aposta não é em respostas fáceis, mas justamente na elaboração de questões.

Leia, a seguir, íntegra da entrevista concedida pelo curador-geral da mostra à Folha.

Folha - Por que incluir os pichadores da 28ª Bienal na 29ª edição do evento?

Moacir dos Anjos - Em primeiro lugar, é preciso deixar claro que nosso intuito não é incluir 'os pichadores da 28ª edição'. Não se trata de um pedido de desculpas ou de um confronto com a edição anterior do evento. O que realmente queremos incluir na presente edição da Bienal é a pixação, ou simplesmente o pixo, com 'x' mesmo, grafia usada por seus praticantes para diferenciar o que fazem hoje em São Paulo das pichações político-partidárias, religiosas, musicais, ou mesmo ligadas à propaganda que há vários anos enchem os muros e paredes da cidade, a despeito do quão 'limpa' ela queira apresentar-se. E queremos incluí-lo porque achamos que o pixo borra e questiona os limites usuais que separam o que é arte e o que é política. E essa é uma questão que interessa muito ao projeto curatorial da 29ª Bienal.

Lembro que política é aqui entendida não como espaço de apaziguamento de diferenças, mas justamente o contrário. Ou seja, como o espaço formado pelos atos, gestos, falas ou movimentos que abrem fissuras nas convenções e nos consensos que organizam a vida comum. Ou seja, como bem coloca o filósofo francês Jacques Rancière, política entendida como esfera do "desentendimento".

Essa é uma questão que, evidentemente, envolve uma série de dificuldades para que essa aproximação não se dê somente na superfície e, portanto, escamoteando as diferenças existentes, situação que não interessaria nem a nós nem aos pixadores. A nossa aposta é em descobrir formas novas de tratar do assunto com integridade de ambas as partes, sem que instituição e pixadores cedam completamente ao universo da outra.

Folha - Como você avalia o episódio da invasão da 28ª Bienal por pichadores e a reação da instituição?

Dos Anjos - A invasão foi, sem dúvida, uma provocação e um protesto frente a uma situação de exclusão a que aqueles que a protagonizaram (os pixadores) são submetidos em seu dia-a-dia em várias instâncias da vida comum na cidade de São Paulo e, no caso particular, do meio institucional da arte. Não estou com isso dizendo que a endosso, mas que é assim que a entendo.

A resposta da instituição naquele momento foi, a meu ver, inadequada, pois reduziu o incidente, seja pelas ações que tomou seja pelas que deixou de tomar, a um caso policial. Se é verdade que houve infração de regras e de leis por parte dos pixadores, não existiu o esforço necessário, por parte de uma das maiores e mais importantes instituições culturais do país, de entender as razões do ocorrido. Acho que essa postura não faz jus ao importante protagonismo público que a Bienal pode exercer na cidade e no Brasil, gerando conhecimento novo sobre o assunto.

Folha - O convite/a participação do picho na Bienal é um atestado, portanto, de que a 28ª Bienal errou? Por quê?

Dos Anjos - Não é intenção da curadoria, em absoluto, incluir o pixo para 'reparar' um suposto erro cometido pela Bienal no passado. Como também não é intenção da curadoria 'cooptar' o pixo para evitar novos conflitos que poderiam eventualmente se repetir. Entendemos que a situação é outra, e nosso objetivo é atuar, nesse novo contexto, da forma que achamos mais coerente tanto com o projeto curatorial da mostra quanto com a visão que temos do lugar do pixo da teia cultural da cidade.

Folha - Isso não é demagogia?

Dos Anjos - Seria demagogia se estivéssemos simplesmente convidando pixadores da mesma forma que tantos outros artistas estão sendo convidados. Mas nós sabemos que essa igualdade não existe, e eles evidentemente também sabem. O que nos interessa é justamente tentar entender essas diferenças, e os limites e as possibilidades dessa aproximação. E é isso que também acho que interessa aos pixadores. Ninguém está tentando escamotear nada. Tudo está sendo feito às claras. A aposta é na explicitação de questões, não no oferecimento de respostas fáceis. E como as questões precisam ser melhor formuladas tanto por nós, pertencentes ao chamado 'campo da arte', quanto pelos pixadores, nosso empenho é demonstrar que a Bienal de São Paulo pode ser plataforma privilegiada para a formulação dessas questões. Se conseguirmos ao menos isso, acho que já teremos dado uma contribuição relevante para o início de um debate mais amplo e consequente sobre o assunto.

Folha - Como se deu a aproximação entre pichadores e a atual curadoria?

Dos Anjos - Os eventos de 2008 tiveram o mérito de fazer com que muitas pessoas e instituições se empenhassem na tentativa de entender o que estava implicado no episódio. O Ministério da Cultura, por exemplo, buscou estabelecer um diálogo com o grupo de pixadores envolvidos, empenhando-se em tentar entender as complexas razões que levaram ao surgimento dessa gigantesca cena do pixo em São Paulo. Acho que esse movimento foi importante na preparação para uma conversa menos tolhida por preconceitos mútuos entre a Bienal e os pixadores.

O anúncio de que a 29ª Bienal teria como foco a questão da relação entre arte e política foi o outro elemento-chave que levou os pixadores a fazerem o primeiro contato buscando estabelecer uma conversa, posto que entenderam que haveria ali uma possibilidade de dar visibilidade a questões que foram (e ainda são) muito mal entendidas pela maioria da população. O papel da curadoria, nesse processo, é justamente propor estratégias de inserção do pixo na exposição que, contudo, não o "domestiquem", tornando-o algo passível de fácil inserção em um mercado sedento por novidades para serem vendidas.

Folha - Como essa aproximação foi vista pela Fundação Bienal? Houve algum tipo de objeção inicial? Caso tenha havido, como foi contornada?

Dos Anjos - A direção da Fundação Bienal não interfere nas escolhas e nas estratégias da curadoria da mostra, agindo sempre de modo respeitoso e depositando confiança nos curadores convidados para a realização do evento. Nós curadores, por outro lado, temos a medida de nossa responsabilidade quando propomos questões passíveis de gerarem desconforto ou polêmica. Temos absoluta certeza, contudo, que é exatamente esse o papel de uma Bienal de arte: criar fissuras nos entendimentos estáveis do que é ou do que pode ser arte. Independentemente do foco temático da presente edição, creio que a Bienal de São Paulo tem a obrigação de, nesse sentido amplo, ser sempre política.

Folha - De que maneira os pichadores se encaixam no projeto curatorial de arte e política?

Dos Anjos - O pixo é uma manifestação visual que traz, embutida nas práticas dos pixadores e nas imagens que eles criam sobre os muros e edifícios da cidade, uma visão de mundo que simplesmente não cabe nos acordos que regem e limitam a vida comum na cidade de São Paulo. E apesar disso o pixo está aí, cobrindo toda superfície de parede disponível, forçando sua passagem em um país cujas elites ainda preferem ignorar as graves fraturas sociais que existem. Dando visibilidade a algo que de outro modo não seria visto. E falando de algo que, não fosse justamente pela grafia aparentemente cifrada que os pixadores usam, dificilmente seria dito. Nesse sentido, pixo é política. E nesse sentido, é arte também.

Folha - Picho, então, é arte?

Dos Anjos - Nesse sentido em que falei, sim. Na verdade, a questão a se fazer é outra, que poderia ser formulada nos seguintes termos: Se o pixo é exposto numa galeria ou numa Bienal, permanece sendo arte? É com essa aparente contradição que teremos que lidar na 29ª Bienal. Pois se o que faz o pixo ser arte é justamente o fato dele desconcertar nossos sentidos e nos fazer admitir, mesmo quando estamos no conforto de nossos carros ou da janela de um apartamento alto, que existem outros modos de entender e de inventar o mundo, o que acontece se o pixo é trazido para o ambiente controlado, conhecido e decodificado do chamado 'campo' da arte? Ele mantém a sua potência ou se torna mera ilustração ou lembrança de si mesma? É esse desafio que curadores e pixadores tem que enfrentar juntos, de modo que ultrapassem duas situações simétricas e igualmente indesejadas: por um lado, a simples rejeição ao que causa desconforto; por outro, o desejo de cooptar o diferente para torná-lo igual a nós mesmos.

Folha - Mas picho também não tem um aspecto de vandalismo?

Dos Anjos - De uma perspectiva meramente legalista, a resposta obviamente é sim. Porém, essa é uma maneira de ver a questão que mais esconde do que revela. Afinal, o grafite também ocupa espaços na cidade que não são propriedade dos grafiteiros, e nem por isso estes são criminalizados de modo tão inequívoco como os pixadores. Na verdade, como bem sabemos, muitos grafiteiros são hoje considerados artistas, tendo seus trabalhos expostos em museus e vendidos em galerias de arte. O que produz essa diferença de percepção? Arriscaria dizer que é a opacidade do pixo em relação à transparência do grafite. Ou seja, que é o incômodo causado por algo que não se deixa apreender por códigos conhecidos, quando comparado ao conforto sentido quando se depara com uma imagem reconhecível e produzida por uma prática autorizada, como é hoje a dos grafiteiros.

Folha - A participação reforça a passagem, cada vez mais comum, da arte de rua para as galerias? Quais os prós e contras dessa passagem?

Dos Anjos - Se o resultado da participação do pixo na Bienal de São Paulo for reforçar essa passagem "da rua para as galerias", teremos fracassado inteiramente em nosso intento. Não é isso que queremos, ainda que fazer essa travessia possa melhorar materialmente a vida dos pixadores que a façam. Mas então o que se fará não será mais pixo, mas apenas uma representação gráfica do pixo. Aqui, como em tudo na vida, é preciso fazer escolhas. E escolhas têm consequências. Por isso que não queremos impor aos pixadores formas de participação do pixo na Bienal. Queremos construir juntos essas formas de participação. Mas de antemão já sabemos, curadores e pixadores, que trazer o pixo como mera expressão gráfica que se vale de um suporte bidimensional para dentro do prédio da Bienal não interessa, não resolve coisa alguma. Esse seria o caminho mais curto para destituir o pixo de sua força transgressora e de sua originalidade. Interessa-nos mais descobrir formas de compreender e de ativar, a partir da Bienal, os significados do pixo na cidade de São Paulo. Para tanto pretendemos fazer uso de estratégias diversas de documentação (fotografias, vídeos, coleções de tags) e de discussão. Estratégias que não se confundam com o pixo propriamente dito, já que esse só existe como tal nas ruas, mas que evoquem, desde o interior do mundo da arte, o fato de que nem tudo que é arte a Bienal é capaz de abrigar ou de entender plenamente.

Obra de Alexandre Vogler impedida no MAM-SP

2010-04-13T13:58:00.000-07:00

No começo achei pitoresco, depois, ao tomar conhecimento da recorrência desses casos no atual circuito de arte brasileiro, resolvi dividir minha preocupação. Falamos de censura ou algo parecido... Serei breve:

Em 2007 realizei, em um evento no MAC / Niteroi, o trabalho Fani Dark. Na época da mostra, a ex-Big Brother Fani posou para a Playboy e milhares de cartazes da revista foram espalhados pela cidade do Rio (a maioria em verso de bancas de jornal). Naturalmente, com o passar do tempo, boa parte dos cartazes sofriam algum tipo de intervenção (inscrição, desenhos, rasgos, perfurações, etc). A pretensão de afirmar tal prática, espontânea e anônima, como processos verdadeiramente artísticos e de natureza urbana me motivou a produzir esse trabalho: distribuí uma centena desses cartazes numa área externa do museu e, acompanhados de hidrocores, convidava os visitantes a intervir nos posters. Embora sutil, as intervenções (muitas vezes rabiscos apressados que combinam humor e preconceito) revelam a concepção de moral, as opiniões e complexos de seus autores. Ao mesmo tempo, populariza procedimentos de pintura (combinada) bastante usuais na historia da pintura recente (de Rauchemberg aos dias de hoje).

Passados três anos, fui convidado a integrar a exposição “A cidade do homem nu”, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, com três desses cartazes da Fani. A mostra abrirá esta quinta-feira, 15 de Abril, mas, para minha surpresa, eu e o curador da mostra fomos informados que não poderíamos “expor ou reproduzir a obra, para evitar problemas jurídicos relativos ao direito de imagem da ex-BBB” - era o que me informava o departamento jurídico do MAM. Este, havia contactado a assessoria da ex-BBB pedindo autorização do uso de sua imagem. A autorização foi negada, pois “infelizmente ele não agrega fatores positivos a imagem da Fani”. Também entraram em contato com a revista Playboy, que afirmou que “a modelo Fani Pacheco e o fotógrafo J.R. Duran devem aprovar não só a exposição das fotos, mas também as alterações que foram feitas nelas”.

Procurei, então, a curadoria do Museu para saber se tinha conhecimento desse problema, me informando estar subjugada ao departamento jurídico da instituição. Argumentei, em vão, que se tratava de uma apropriação, processo comum na arte (já há algum tempo) e que a negativa ia de encontro a liberdade de expressão. Falei que, como aqueles três cartazes, houve centenas, milhares deles na cidade do Rio acompanhados de intervenções até mais contundentes que aquelas que seriam apresentadas. Por fim, esclareci que o trabalho expunha, na verdade, a moral daqueles que participavam com as intervenções (além da abordagem sexista com que os veículos publicitários tratam a mulher, em particular) e não a figura pública da Fani - que, particularmente, curto. Tratava-se de uma homenagem.

Lamentavelmente assisti, com clareza, a derrocada de princípios curatoriais em benefício de processos empresariais de funcionamento. Gestões de museus, cada vez mais voltada à indústria de entretenimento, imprimem o conjunto de regras e processos corporativos às entidades culturais. Condicionada a administração do capital e do lucro, fracassa a instituição na sua função de gerir subjetividades. Vale lembrar, num momento que até mesmo a Radiobrás, empresa de comunicação do Governo Federal atua sobre licença de Creative Commons, compartilhando livremente seu material e estimulando a prática de editoração, montagem e apropriação (apenas citando a fonte). Triste, mas necessário, debater isso nos dias de hoje, passados quase cem anos (na verdade 98) da criação do primeiro ready made. Aqui, pediriam licença pra fabrica da roda da bicicleta...

Alexandre Vogler

Pernambucano que mora em Paris exibe em Fortaleza.

2010-03-31T11:31:00.001-07:00

Performance polêmica realizada em Natal recentemente, causa ainda mais polêmica no resto do Brasil

2010-03-31T10:42:00.000-07:00

Por William Magalhães / A CAPA ~ 19/3/2010 - 14:03

O cientista social e artista Pedro Costa, atual único membro do grupo Solange Tô Aberta!, ficou nu em frente ao público e, de quatro, tirou um terço do ânus.

A performance foi filmada e está em exibição na galeria Newton Navarro da Funcarte. O rosário também está em exposição. A mostra fica aberta a visitação até 30 de abril.

Em entrevista ao site A Capa, Pedro comenta a repercussão da performance, diz o que pensa sobre o papel da arte e ainda fala sobre o futuro do Solange Tô Aberta!.

O vídeo já está no youtube?
Não, o vídeo não está na internet e nem tenho previsão de quando estará.

De onde surgiu a ideia da performance?
A ideia surgiu a partir de um show da Solange tô aberta! que foi realizada no "Dia do Índio" em Salvador. Eu comprei uns terços e, na hora do show, tirei um do meu ânus. Só que, no calor e na vibração do show, o trabalho se confundiu com as luzes, fumaça, figurino, música etc. Então pensei conceitualmente e refiz a performance de forma pontual, com a nudez e o ato em si. Percebi que era uma ação "simples" mas poderosa.

Que tipo de reações você recebeu e está recebendo?
Hoje [quinta-feira 18/03] dei uma entrevista para a televisão. O repórter vai entrevistar, também, um líder religioso (provavelmente um padre da igreja católica) e especialistas em arte contemporânea. Sei que há riscos de fortes reações. Leio na internet algumas coisas (opiniões de pessoas que leem as matérias) mas nada com um fundamento crítico para poder dialogar. Bem, entraram no meu orkut e mandaram eu enfiar um abacaxi e depois chupar... eu pensei, pensei... mas não posso roubar a ideia das pessoas (risos). Até pensei em enfiar um ananás que é mais grosso e mais doce (risos), mas desisti.

Como seus amigos e parentes enxergaram a performance?
Os amigos acharam-na muito forte, direta e objetiva. Entenderam a ação e admiraram a coragem e a ousadia. Ficaram muito felizes e, até hoje, estão em estado de êxtase com o trabalho. Os artistas daqui, que tem uma carreira na arte contemporânea, viram que a entrada e a realização dele no salão de Natal foi de extrema importância. Apesar de muitos salões e espaços terem o nome de "contemporâneo", quando você faz uma proposição como a minha, percebe-se que, no fundo, é só o nome. E com o conhecimento, experiência e sensibilidade dos curadores convidados foi possível realizá-la e a Funcarte, aqui em Natal, não a vetou. Meus parentes inicialmente ficaram preocupados com meu ânus (risos). Mas, agora, estão preocupados com alguma reação negativa que possa me atingir diretamente.

Desculpe a pergunta incômoda, mas como você fez pra enfiar o terço no ânus?
Fiz a xuca, passei KY, e fui enfiando devagar, como bolinhas tailandesas...

Há pessoas que não entendem de arte, mas quando veem um trabalho como o seu gostam de opinar e criticar. Por que isso acontece?
Acredito que seja porque cada pessoa tem a sua leitura de mundo e muitas delas se sentem instigadas a expressá-las. Isso acontece em relação a tudo. Mas o debate conceitual sobre a obra, no meu caso, existe mais comumente no meio de artistas e curadores.

No ano passado uma escritora fez uma peça com um Jesus transexual. Mais recentemente uma exposição na Espanha foi cancela porque lançava um olhar gay sobre Jesus. Por que parece haver uma fixação da arte contemporânea com as questões ligadas a religião?
No Brasil temos o caso da Márcia X que háa alguns anos, com a sua imagem do terço em forma de pênis, foi barrada no Centro Cultural do Banco do Brasil em Brasília. Isso foi ótimo no sentido da mobilização dos artistas a favor da exposição da obra e em todas as questões que nos fizeram pensar criticamente. Qualquer religião envolve tabus, interdições, crenças fortes sobre o que se pode e o que não se pode fazer. Há valores morais envolvidos e, mais ainda, ditaduras sobre corpo, sexo, comportamento. Geralmente a instituição religiosa se torna um impasse entre o desejo das pessoas e a ética que ela aplica. Nisso, resultam conflitos, desde os internos individuais até as guerras.

Então religião também é um tema político a ser trabalhado. E arte contemporânea possui essa característica de questionar as relações de poder e da privação da liberdade de escolha. É dessa forma que eu enxergo. Necessito citar dois ótimos artistas que, assim como eu, tiveram seus trabalhos sobre sexo e religião realizados. É o caso do documentário "Bombadeira" do diretor Luis Carlos de Alencar (BA) e do trabalho de Marcelo Gandhi com velas em forma de pênis e terços, que o registro fotográfico faz parte do "Acervo em Movimento", do Museu da Pinacoteca do Estado (RN). Ambos publicados com o apoio do Ministério da Cultura e outros órgãos importantes do país.

Você é religioso?
Sim. Sou espírita umbandista. Uma religião que nasceu no Brasil, com a influência direta da força indígena e da força africana e do kardecismo, e que não trabalha com a matança de animais. E também me considero pagão. Mas nada disso me impede de fazer ou ser nada.

Pra você qual é o papel da arte? Chocar, questionar, embelezar?
Fazer pensar sobre as questões atuais. Lógico que eu sou fruto de uma época e da minha história de vida. Mas, para mim, a arte tem que causar algo no corpo de quem vê e de quem realiza e, também, levar a uma confusão mental que leva a refletir. Arte é crítica, ou seja, põe em crise. Por isso artistas podem ser tão perigosos...

E o Solange Tô Aberta? Como está a banda? No ano passado vocês fizeram uma turnê na Europa. Quais são os próximos passos da banda para 2010?
Em primeira mão, te falo que apenas eu estou na Solange Tô Aberta! atualmente. O projeto está em off, se reformulando. As mudanças, obviamente, acontecerão e tudo indica que novos integrantes estão por vir, se aceitarem o convite. Se não, será uma "one queer band" (risos). As novidades virão no segundo semestre desse ano. Te deixarei informado de tudo ;-)

(fonte A CAPA/fermentaçoesvisuais.blogspot.com)

Sotaque Latino é essencial!

2010-03-26T11:49:00.000-07:00

cuaresma

Nos reunimos en Rio de Janeiro durante la época de cuaresma para una tercera experiencia del proyecto Artistas en Latinoamérica. Interpretamos cuaresma como un estadio de reflexión, buscando cruces entre lo cotidiano y lo ritual entendiéndolo como gestos culturales y no como aspiraciones espirituales desde lo doctrinario.

La primera instancia, I love Latinoamérica ocurrió en bs as el 26 de marzo del 2010 en el espacio “this is not a gallery”, luego en octubre del mismo año se realizó la siguiente exhibición llamada Maracanazo, subte, Centro Municipal de exposiciones, Montevideo Uruguay.

Los artistas que participan de A.L.A , Artistas en Latinoamérica son: Guga Ferraz (bra), Lucila Gradin (arg), Nicolás Grum (chi), Victor Muñoz (col), Seth Wulsin (usa) y Fernanda Vilella (arg). Artistas invitados para cuaresma: Pablo Rosales (arg), Alexandre Vogler (bra) y Ducha (bra).

cuaresma

Nos reunimos no Rio de Janeiro durante o período da quaresma para uma terceira experiência do projeto “Artistas em Latinoamérica”. Entendemos cuaresma (quaresma) como um espaço de reflexão, buscando interseções entre o cotidiano e o ritual, entendidos como gestos culturais e não como aspirações espirituais doutrinárias.

O primeiro encontro, “I Love latinoamerica”, ocorreu em Buenos Aires em 26 de março de 2009 no espçao “this is not a gallery”. Em outubro do mesmo ano aconteceu a segunda exposição, chamada “Maracanazo”, no Centro Municipal de Exposições em Motevidéu, Uruguai.

Os artistas que participam de A.L.A. – Artistas em Latinoamérica – são: Guga Ferraz (bra), Lucila Gradin (arg), Nicolás Grum (chi), Victor Muñoz (col), Seth Wulsin (usa) e Fernanda Vilella (arg). Artistas convidados para cuaresma: Pablo Rosales (arg), Alexamdre Vogler (bra) e Ducha (bra).

cuaresma
www.artistasenla.com.ar

Abertura:
día 26 de marzo de 2010 de 6pm a 10pm | dia 26 de março de 2010 das 18h às 22h

Visitación | Visitação:
de 27 de marzo a 20 de abril |de 27 de março a 20 de abril
(solamente sob marcación) | (somente sob agendamento)
entrada grátis | entrada gratuita

Artistas:
Guga Ferraz, Lucila Gradin, Nicolás Grum, Victor Muñoz, Seth Wulsin, Fernanda Vilella, Pablo Rosales, Alexamdre Vogler e Ducha.

Barracão Maravilha arte contemporânea
Av. Gomes Freire, 242 - sobrado
20231-013 - Centro - Rio de Janeiro - RJ
contato@barracaomaravilha.com.br
blog.barracaomaravilha.com.br
+55 21 9128-5284

Reabertura do MAMAM! DEMORÔA AÊ!hauhau

2010-03-17T08:44:00.000-07:00

O Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães – MAMAM, em seu momento de reabertura, apresenta a exposição-processo contidonãocontido que contribui para uma reflexão crítica e propositiva acerca da Coleção Mamam.

O desafio que se apresenta com a exposição-processo contidonãocontido é um passeio pela história da arte de Pernambuco que se viabilizará a partir de determinadas ações que pedem, cada uma delas, um tempo diferenciado. Essas ações têm vários níveis de relação com o visitante e assim colocam em prática uma crítica institucional construtiva ao trabalhar coletivamente, com o público interessado em arte, a partir da Coleção MAMAM, o acervo do Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães.

A exposição deseja não somente mostrar parte da Coleção (que será exibida em três diferentes recortes curatoriais pensados em conjunto com o EducAtivo MAMAM e inaugurados a cada dois meses), como também tratar o museu como um laboratório: incentivar a pesquisa sobre arte de modo geral, e a investigação sobre artistas em particular, presentes ou não na coleção atual, propiciando ao mesmo tempo uma reflexão sobre os processos de aquisição de obras com o objetivo de constituir uma coleção coerente por parte das instituições, a consequente legitimação para o artista, a configuração de uma história da arte, assim como sobre a importância da arte na sociedade.

Propomos um espaço de exposição também pensado como uma sala de estudos que será alimentada pelo público-pesquisador durante os seis meses da exposição. Buscamos criar um espaço acolhedor e ao mesmo tempo lúdico, para que o público tenha acesso a todos os arquivos, sinta-se à vontade para sentar-se, ler, pesquisar e propor complementações sobre artistas nas pastas disponibilizadas, criar novas pastas, sociabilizar a informação em grupos, relacionar poéticas, estimular o contato com a nossa história através de artistas variados, quer façam ou não parte da Coleção MAMAM, quer sejam conhecidos por parte de um público mais abrangente, ou não.

O MAMAM reabrirá com mais novidades. Além da exposição contidonãocontido, que ocupará a sala permanente para exposição do acervo, no térreo, o Museu apresenta o Foyer Aloisio Magalhães, espaço dedicado ao designer pernambucano e que, em parceria com o Centro de Design de Recife, apresentará pequenas mostras de design ao longo do ano, e o Aquário Oiticica, que, na sua inauguração, contará com uma mostra sobre a vinda de Hélio Oiticica ao Recife, em 1978, a convite do artista Paulo Bruscky.

SERVIÇO

O quê: Exposição CONTIDONÃOCONTIDO | Foyer Aloisio Magalhães | HO/REC

Abertura: 17 de março de 2010, às 19h00

Onde: Museu de Arte Moderna Aloisio Magalhães – MAMAM

Endereço: Rua da Aurora, 265 - Boa Vista | Recife | PE

Telefones: (81) 3232.1694 | 3232.2188

Horário de funcionamento: terça a sábado, das 10h às 19h; domingos, das 10h às 17h.

LATINOAMERICA-LA PLATA

2010-03-11T10:04:00.001-08:00

clique na imagem para visualizar as informações

Convite-Exposição(São Paulo)

2010-03-05T09:50:00.000-08:00

Queridos,

É com imenso prazer que convido vocês para comparecer em mais um evento do beco da arte. Nessa sexta temos a satisfação de receber a exposição LOJA, da curadora Regina Melim, que conta com publicações de vários artistas. Junto a exposição lançaremos novamente as novas publicações da editora beco da arte Percursos Narrativos (publicação com livros dos artistas Fabio Morais e Rafael RG) e 2ª maleta beco da arte(publicação de trabalhos gráficos dos integrantes do beco da arte). No dia da abertura teremos um festa para comemorarmos o final do carnaval e o começo do ano (porque no brasil o ano só começa agora né!)

Grande beijo!

Jaime Lauriano

+55 11 8282 9703

lauriano.jaime@gmail.com

Abaixo segue um pequeno convite para a exposição.

O Beco da Arte convida a todos para LOJA:

exposição que reune diferentes tipos de publicações de artistas

No lançamento, dia 05 de março, a partir das 18h terá uma festa especial de pós-carnaval, com direito a marchinhas, sambas e muita alegria!

Tragam seus adereços!!

No domingo, dia 07 de março, às 15h terá conversa com a curadora Regina Melim

LOJA

05 de março - 18h às 22h

06 e 07 de março12h as 17h

Beco da Arte

Rua Major Maragliano 47, Vila Mariana, São Paulo

PIC-NIC DE ENCERRAMENTO EXPOSIÇÃO : BOTNER E PEDRO

2010-02-24T08:30:00.001-08:00

Workshop de curadoria e crítica de arte no MAM, Rio de Janeiro

2010-02-22T13:24:00.001-08:00

Este workshop é uma introdução ao pensamento sobre as práticas da curadoria de arte contemporânea, e pretende discutir temas abordados pela crítica atual tais como identidade, política e globalidade, entre outros, que atravessam as últimas concepções curatoriais. Carga horária de 30 horas e duas visitas a exposições.

Ministrantes:Daniela Labra, Felipe Scovino e Guilherme Bueno

4, 11, 18 de março; 01, 08, 15, 22, 29 abril e 07, 13 maio de 2010, 10-13h

Carga horária de 30 hs e duas visitas a exposições

Valor: 2 parcelas de R$ 300,00

Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro - Cinemateca do MAM
Av. Infante Dom Henrique 85, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro - RJ
21-2240-4944 ou atendimento@mamrio.org.br

www.mamrio.org.br

Eis que surge a primeira revista pernambucana especializada em Graffiti!

2010-02-03T13:19:00.000-08:00

É com muita satisfação que o ARTE ATUAL divulga o lançamento da revista SALVE.

Auditório da Livraria Cultura

19s.

Sexta-feira Dia 05 de Fevereiro de 2010

Hamilton Tenório
Galo de Souza
Samilly Marx
Fábio Negão
Dj KSB
Dj Novato

ARTICULANDO REDES-SAMILLY MARX

81.88341124

Adoro a boca!

2010-02-02T05:36:00.000-08:00

A boca é uma revista, catalogo, acervo de imagens da produção gráfica contemporânea feita por um coletivo do Recife. Abra a boca e não feche os olhos!

beijo pra boca!

Manifestação social, performance artística...intervenção humana!(BELO HORIZONTE)

2010-02-01T05:48:00.000-08:00

Pessoas,

No início de dezembro de 2009, nosso ilustre prefeito Márcio Lacerda baixou um decreto (13.798, de 09/12/2009) proibindo “eventos de qualquer natureza” na Praça da Estação, no centro de Belo Horizonte – praça, aliás, recentemente “revitalizada” justamente para poder comportar eventos e manifestações populares.

Desde janeiro desse ano, temos nos reunidos na Praça da Estação para reclamar o que nos falta: a praça! Espaço democrático, de reunião, de encontro de todos. Criamos uma praia mineira muito gostosa, logo ali, no centrão. Basta pegar um ônibus, metrô, ou mesmo sua bike. Talvez você já esteja no centro, então é só chegar com sua sunga, maiô, calção... Se tiver guarda-sol é bem-vindo, pois todas as árvores da praça foram retiradas, para “re-vitalizá-la”. Pode trazer sua prancha, sua bóia, seu óculos de mergulho. Se tiver água, traga também, pois as fontes que existem na praça, misteriosamente, não ligam quando estamos por lá. Mas não se preocupe, logo logo, chamamos o caminhão pipa, e ele nos salva do calor.

A praia já é muito maior que o decreto, que o prefeito. A praia é nossa, porque a praça é todo mundo.

Enfim, “vem pra praça, vem!”, ou então: “Praia da Estação: toda semana!”. Estamos por aqui tomando uma cervejinha, ou comendo uma farofinha, jogando peteca, vôlei ou futebol.

Se quiser dar uma olhada no que tem rolado, passeia por aqui primeiro – mas não deixa de aparecer na praça.

Rio de janeiro - Abre Alas!

2010-01-26T11:13:00.000-08:00

Abre Alas 6

A partir de 30 de Janeiro de 2010 A GENTIL CARIOCA apresentará a 6ª edição do ABRE ALAS. O projeto nasceu há 6 anos, quando, ao final do primeiro ano de vida da galeria, Marcio Botner, Laura Lima e Ernesto Neto perceberam que tinham um tesouro em mãos: cerca de 200 portfólios recebidos de artistas de toda parte. Os diretores da A GENTIL CARIOCA resolveram então aproveitar todo esse material em uma exposição que acontece desde 2005, próxima ao carnaval. Assim como o nome “Abre Alas” remete ao carro que inaugura o desfile das escolas de Samba, o projeto ABRE ALAS é uma exposição que pretende abrir espaço para jovens artistas de todo o Brasil. Com o tempo, a exposição passou a ser internacional, abrindo espaço para artistas de todo o mundo. Ao longo desses 6 anos, mais de 100 novos nomes participaram do projeto. Entre eles: Mariana Manhães, Gustavo Speridião, Gabriela Maciel, Lourival Cuquinha, Maria Nepomuceno, Rachel Reupke, entre muitos outros. A GENTIL CARIOCA funciona assim como uma vitrine, e se alegra ao ver que os artistas apresentados no projeto seguem seu caminho fazendo parte dessa rede maior.

Em janeiro de 2010, o ABRE ALAS vai para seu 6º ano. Sabendo da importância de dar continuidade ao projeto para sedimentar seu pensamento, Marcio Botner, Laura Lima e Ernesto Neto buscam incentivar a produção de jovens artistas, abrindo oportunidades, agregando valor e contribuindo para uma potencialização das redes e trocas entre artistas, galerias, colecionadores e público.

Para a edição de 2010 foram convidados para realizar a seleção dos artistas os curadores Beatriz Lemos, Felipe Scovino e o artista Guga Ferraz.

CAMISA EDUCAÇÃO

A GENTIL CARIOCA realiza o projeto Camisa Educação desde 2005. A cada nova inauguração na galeria convidamos um artista a realizar um projeto para uma camisa na qual a palavra “educação” está escrita. Nesta edição haverá o lançamento da Camisa-Educação do artista Bob N.

PAREDE GENTIL

A Parede Gentil é um projeto no qual a fachada lateral da galeria é ocupada a cada quatro meses com uma nova intervenção, apoiada por um colecionador. Desse modo, A GENTIL CARIOCA busca incentivar o colecionismo e criar uma relação com a rua e a comunidade entorno da galeria, no caso, a SAARA. A partir do dia 30 de janeiro, A GENTIL CARIOCA apresentará intervenção de Neville d´Almeida, com o gentil apoio do colecionador Christian Just-Linde.

ABRE ALAS 6

Artistas:

André Amaral (RJ)

Barbara Wagner (PE)

Bruno Jacomino (RJ)

Bruno Vilela (PE)

Catarina Lira Pereira (Portugal)

Coletivo Filé de Peixe (RJ)

Elvis Almeida (RJ)

Felipe Fernandes (RJ)

Gabriel Colaço (Portugal)

Isabela Sá Roriz (RJ)

Luiz Roque (RS)

Nicolas Grum (Chile)

Rafael Adorjan (RJ)

Raoni Moreno (RJ)

Ricardo Villa (SP)

Sergio Zevallos (Peru)

Studio móvel experimental (RJ)

Vijai Patchineelan (RJ)

ABRE ALAS 6

abertura 30 de janeiro de 2009 de 16h às 20h

exposição de 02/02 a 27/02/2010

Lançamento da camisa educação por Bob N

parede gentil por Neville d’Álmeida de 30 de janeiro a 05 de junho de 2010

gentil apoio de Christian Just-Linde

performances de Sergio Zevallos e Filé de Peixe

som com La Rica e DeMillus & Duloren

A GENTIL CARIOCA

Rua Gonçalves Ledo, 17- Sobrado

Centro- Rio de Janeiro- 20060-020

Tel: 21 2222-1651

Abrimos de terça a sexta-feira das 12h às 19h e sábados das 12h às 17h.

correio@agentilcarioca.com.br

Arte Atual - Brasília: Futuro do preterito de Rubens Mano

2010-01-25T09:06:00.000-08:00

VERBO, semana internacional de performance, recebe propostas até o 28 de fevereiro.

2010-01-23T05:41:00.001-08:00

Mostra de mídias móveis(acho que vai ser bem interessante!)

2010-01-05T09:02:00.001-08:00

Prêmio Banco da Amazônia!

2010-01-04T12:12:00.000-08:00

Caros Artistas,

O Banco da Amazônia está abrindo a partir de hoje, 04 de janeiro, até 12 de fevereiro de 2010, inscrições ao “PRÊMIO BANCO DA AMAZÔNIA DE ARTES VISUAIS” para pautas de exposição relativas ao ano de 2010, no Espaço Cultural Banco da Amazônia, cujos vencedores receberão o valor de R$ 15.900,00 (quinze mil e novecentos reais), para as despesas com a montagem de cada exposição.

O Edital completo pode ser encontrado no site do Banco da Amazônia www.bancoamazonia.com.br .

Agradecemos sua participação, bem como sua ajuda na divulgação.

Atenciosamente,

RUMA - Rui Mario Albuquerque

Imperdível!

2009-10-25T08:25:00.000-07:00

Clique na imagem para melhor visualizar as informações.

Festival de vídeo de pernambuco-Inscricões abertas

2009-10-13T11:01:00.000-07:00

Inscrições abertas no Cinema do Parque ou pelos correios;
Cada diretor pode inscrever até dois vídeos por cada mostra: geral e universitária

Art. 2º - Os prêmios serão atribuídos nas seguintes categorias:

I - MOSTRA GERAL:

a) Documentário;

b) Vídeo-Clipe;

c) Ficção;

d) Experimental;

e) Animação;

II - MOSTRA UNIVERSITÁRIA:

a)Documentário

b)Ficção

c)Animação

...

Art. 7º - As inscrições para a Mostra Competitiva deverão ser realizadas pelos concorrentes, entre o período de 13 a 16 de outubro de 2009, pelos correios – via sedex – ou pessoalmente, no horário e expediente do Serviço Público Municipal, no endereço abaixo indicado:

Teatro do Parque

Gerencia Operacional de Audiovisual

Rua do Hospício, 81 - Boa Vista - Recife/PE

CEP: 50060-080 - Fone: 81- 3232.1556

Parágrafo Primeiro - O Regulamento da Mostra Competitiva poderá ser obtido a partir do dia28 de setembro de 2009, na Internet, nos endereçoshttp://www.fundarpe.pe.gov.br(Fundação do Patrimônio Histórico e Artístico do Estado de Pernambuco) ouhttp://www.recife.pe.gov.br (Prefeitura da Cidade do Recife).

Parágrafo Segundo - Para os concorrentes que optarem por fazer sua inscrição pelos correios, será admitido pedido de inscrição via Sedex, postado até o último dia estabelecido para as inscrições – 16 de outubro de 2009 -, dirigido diretamente à Fundação do Patrimônio Histórico e Artístico do Estado de Pernambuco no endereço abaixo indicado:

Fundação do Patrimônio Histórico e Artístico do Estado de Pernambuco

Coordenadoria do Audiovisual

Ref.: 11º Festival de Vídeo de Pernambuco

Rua da Aurora, nº 463/469 - Boa Vista - Recife/ PE

CEP: 50.050-000

...

Art. 8º - Os concorrentes – pessoas físicas ou jurídicas - deverão apresentar seus respectivos pedidos de inscrições em um envelope lacrado, contendo:

I – três cópias de cada vídeo em DVD, todos com capas e devidamente identificados;

II – duas cópias impressas da ficha de inscrição, totalmente preenchidas, de acordo com modelo anexo;

III – Um CD de divulgação do Vídeo inscrito contendo:

a) 03 (três) fotos de divulgação com mínimo de 300 DPI sem interpolação,

b) sinopse do filme (com máximo de 05 linhas – fonte Arial - corpo 12)

c) ficha técnica (contendo no mínimo: direção:/produção:/fotografia:/ edição:/empresa produtora: /e-mail:)

d) Cópia da ficha de inscrição totalmente preenchida.

Parágrafo Primeiro – A apresentação do DVD com erro de leitura implicará na desclassificação do vídeo inscrito ainda na fase de pré-análise.

Parágrafo Segundo - Serão aceitos releases, cartazes e qualquer outro material que permita a melhor divulgação do vídeo

A boca está aberta!

2009-07-13T13:31:00.000-07:00

Está aberto o edital para a edição 2009 da revista que faz um mapeamento da produção contemporânea brasileira das artes visuais.

Boca. Uma revista sem palavras.

Mais uma vez, a produção contemporânea de artes visuais do país ganha espaço em Pernambuco. Estão abertas as inscrições para o edital da Revista Boca, que chega em 2009 ao segundo número para instigar a reflexão sobre a cultura visual. Idealizada pelos designers Lucídio Leão, Rodrigo Sushi, Sebba Cavalcante e pela artista plástica Bruna Pedrosa, a Boca recebe a partir deste ano a produção, edição e distribuição do Grupo Paés.

A Boca é uma revista de matérias visuais, sem texto, composta por trabalhos de colaboradores. Por isso, a Boca está aberta para quem ilustra, tatua, grafita, fotografa e para quem mais se expressa visualmente. Iniciativa pioneira, a Boca é um canal de divulgação, e também um suporte para onde artistas possam criar com exclusividade.

As propostas, com tema livre, deverão ser enviadas até o dia 14 de agosto de 2009, armazenadas em CD ou DVD. A Boca não cobra nenhuma taxa de participação, como também não paga pelas obras publicadas. O autor, caso selecionado, além de ver seus trabalhos publicados e receber cinco exemplares da revista, terá em mãos um suporte que já ganhou, no primeiro número, reconhecimento de qualidade editorial e gráfica.

As colaborações deverão ser entregues no escritório do Grupo Paés. Os trabalhos também podem ser enviados pelos Correios. Nesse caso, será considerada a data da postagem. O regulamento e dicas com a melhor maneira de fechar os arquivos estão disponíveis no http://www.revistaboca.org/.

Boca 2009
Para esta segunda edição, o núcleo editor da revista selecionará até 46 trabalhos para suas 96 páginas. Cada um deles terá de uma até três páginas duplas na publicação, com tiragem de mil exemplares.
A revista será rodada em formato 23 X 30 cm, colorida e em papel offset. A impressão conta com a tecnologia e qualidade da Companhia Editora de Pernambuco – Cepe.

Após os três anos de adormecimento para renovação do projeto, a revista reaparece no mercado em publicações anuais. Em 2009, ganha fôlego com apoio do Fundo Pernambucano de Incentivo à Cultura (Funcultura). Outra mudança é que, além de uma pequena distribuição gratuita, a segunda edição da Boca poderá ser encontrada em lojas especializadas de todo o Brasil. Para isso, encontra junto ao Grupo Paés parceiros de divulgação em vários estados, como São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Salvador
e países como Espanha e França.

Assim, espera-se que a Boca aumente o número de inscritos, sem contar com os trabalhos que não foram selecionados para a primeira edição, já considerados reinscritos pela curadoria. Na primeira edição, em 2006, foram mais de 300. Dessas, 33 entraram na Boca, que contou tanto com artistas iniciantes, como de renome nacional.

A Boca está aberta.

SERVIÇO
Incrições até 14 de agosto de 2009

Grupo Paés/Revista Boca
Rua José Bonifácio, 205 sala 204,
Madalena Recife – PE
CEP 50.710-000

http://www.revistaboca.org/
+55 81 3445.4869

Informações atualizadas
e imagens para download,
no site http://www.revistaboca.org/

pra notícias fresquinhas no twitter: www.twitter.com/boca2009pra comunidade do orkut, procurar: BOCA_

PARANGOLÉ DE MUITOS (Manifestacao)

2009-05-22T12:38:00.000-07:00

Pessoas, o Centro Cultural Hélio Oiticica no Rio de Janeiro, ficou fechado algum tempo por pepinos administrativos e vai reabrir com uma manifestação. Segue:
[ PARANGOLÉ DE MUITOS ](Rio de Janeiro)

O IMAGINARIO PERIFÉRICO, a EBAUFRJ, a ECOUFRJ, a UNIVERSIDADE NÔMADE e o PROJETO HÉLIO OITICICA, convocam todos os artistas interessados a participar da manifestação PRÓ Hélio Oiticica a fazerem seus parangolés conforme instrução abaixo e se juntarem a esse corpo coletivo pedindo a permanência da obra de HO no Centro de Arte que leva seu nome.

23Maio - 15H - SEXTA
Rua Luís de Camões 68 Centro Rio de de Janeiro [Em frente ao Centro de Arte Hélio Oiticica]
Video-performances do Imaginário Periférico na obra Rodislândia no Centro H.O.

Treme terra de Aderbal Axogum

Nimbo Oxalá de Ronald Duarte

Chapéu Panorâmico de Romano

Musa Paradisíaca de BobN

Venha e faça você mesmo seu Parangolé. Leia [abaixo] a proposição de Hélio Oiticica e entre nessa onda.

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hélio oiticica 1968

INSTRUÇÕES para feitura-performance de CAPAS FEITAS NO CORPO
1- cada extensão de pano deve medir 3 metros de comprimento.

2- o pano não deve ser cortado durante a feitura da capa, de modo a manter a estrutura extensão-extensão o como base viva da capa.
3- alfinetes de fralda devem ser usados para a construção da capa, que será depois cosida.

4- a estrutura da capa construída no corpo deve ser improvisada pelo participador; se a ajuda de outros participadores vier a calhar, ótimo; a estrutura deve ser construída em grupo em cada corpo participante, e feita de modo a ser retirada sem destruir, como uma roupa.

5- um grupo pode construir uma capa para várias pessoas, numa espécie de manifestação coletiva ao ar livre.

6- o uso de dança e/ou performances criadas por outros indivíduos é essencial à ambientação dessa performance: assim como o uso do humor, do play desinteressado, etc. de modo a evitar uma atmosfera de seriedade soturna e sem graça.

Arte Atual e contexto-America Latina.

2009-05-21T12:03:00.000-07:00

Gerardo Mosquera é uma das vozes mais reconhecidas da América Latina. O conhecimento que tem da situação global da arte (a sua passagem pelo New Museum em Nova Iorque e pela Rijksakademie em Amsterdã são exemplos disso) é paralelo à sua capacidade de leitura crítica da arte produzida nos diferentes países da América Latina. Gerardo Mosquera fala de política, da Venezuela e de Cuba, assim como da situação na Argentina.

Por Desiré Vidal Argentina

P: Num comentário referiste a existência e a partilha de uma série de códigos internacionais no mundo da arte, uma espécie de latim culto que deriva em novas linguagens populares. Por exemplo, em relação ao trabalho de um artista da Palestina ou de um outro do Brasil, se existem elementos próprios do lugar, ligados ao contexto e ao modo de resolver tecnicamente uma obra, já no que diz respeito aos formatos, aos temas e às problemáticas, elas são as mesmas. Isto poderá acontecer naqueles países que não fazem parte do mainstream, dos circuitos internacionais da arte devido a uma postura política decididamente antiglobal, com discursos localistas e individualistas, como é o caso da Venezuela de Chávez ou de Cuba?

R: O que Chávez está a fazer é realmente louco. A Venezuela tinha e ainda tem colecções de arte contemporânea, nacional e internacional, impressionantes, fruto das fortunas milionárias da época do petróleo que hoje em dia estão paralisadas. Quando Chávez tomou o poder, encarregou-se pessoalmente de eliminar e até de ridicularizar publicamente os directores e responsáveis de centros e museus de arte públicos, profissionais altamente qualificados, com carreiras muito prestigiadas. Curadores, críticos, historiadores… muito respeitados internacionalmente. Um belo dia, estas pessoas souberam pela rádio que tinham sido demitidas dos seus cargos. Foi o próprio Chávez que anunciou: “E agora vamos limpar os museus da burgesia. M.ª Elena Ramos, directora do Museu Nacional de Belas Artes, ponchaaaaá” (termo do calão do baisebol), e assim sucessivamente. Foi uma situação lamentável e patética.

P: O que é realmente preocupante é o seu amplo raio de acção e influência. Poderá desencadear um novo modo de pensar e actuar e de ser latino-americano, mas desperta desconfiança pelos seus modos pouco transparentes e pouco democráticos.

R:Não, não acredito. Felizmente, com a queda do preço do petróleo ficou sem dinheiro e terá menos poder. Tudo leva a crer que financiou a campanha de Cristina Kirchner: o voo em que enviaram a famosa mala era o décimo terceiro desse avião, pelo que possivelmente teriam enviado outras malas antes. A sua influência sobre outros países da América Latina estava ligada ao dinheiro, mas agora já não tem tantas malas. Penso e confio que isso não vai durar muito tempo. Nas mais recentes eleições, foi eleito por uma pequena margem de votos e o país está dividido em dois.

P: E Cuba?

R: Restam 10 anos ao regime. Foi-se aguentando porque foi apoiado por Chávez. P: Continuas a viver em Cuba? R: Sim estou a viver em Cuba mas totalmente marginalizado pelo regime, sou um in-exilado, um exilado dentro do meu próprio país. Não posso ensinar, não posso publicar, dar uma conferência, não posso fazer nada, não há acesso à Internet, nada. Podemos fazer coisas subterraneamente, por nossa própria conta, mas se organizamos algo com outras pessoas, tudo se complica. Cada vez que saio tenho de pedir uma autorização ao Estado, e isso implica um processo muito burocrático que demora dias. Assim, sempre que saio, faço-o por períodos longos para trabalhar em diferentes lugares. E concedem-me as autorizações porque sou convidado de entidades e instituições com muito prestígio, a quem não lhes interessa dizer não, para evitar escândalos. Cada vez que viajo tenho que justificar aonde vou, com quem, para quê…

P: E o trabalho que realizaste para a Bienal de Cuba e no Ministério da Cultura?

R: Sim, assim foi, mas aparte disso o meu trabalho mais importante na época foi o de crítico de arte. Durante a década de 80 ocorreram processos culturais renovadores em que participei activamente e em que desenvolvi o meu trabalho de crítico de arte. Fui um dos protagonistas desse processo e estive muito vinculado à vida cultural do meu país. Essa é uma das razões porque não saí do país, quis continuar a trabalhar aqui de uma maneira crítica e independente.

P: Não podem ter acesso à Internet nem a uma conta de e-mail. Não há acesso legal a uma vasta informação digital nem à rede global. Nota-se essa distância entre os criadores out-net e os in-net?

R: Não se podem pôr portas no ciberespaço! Essa é uma das manifestações mais evidentes da falta de sentido do regime. As novas tecnologias tornaram a situação incontrolável. Por exemplo, um artista faz um vídeo em Cuba, alguém leva uma cópia para fora e começa a circular, e a ter vida própria fora da ilha. O ministério do Interior de Cuba dedica-se a desenvolver programas informáticos para poder rastrear as conexões ilegais na Internet...é uma loucura. Outro caso é blog Generación Y de Yoanni Sánchez, que é o blog independente mais conhecido de entre os muitos que surgiram em Cuba. Chama-se assim como referência a toda uma geração de crianças que receberam nomes que imitavam sons estrangeiros e eram símbolo de estatuto social.

P: Podes falar-me acerca de como surgiu e como avalias o projecto que dirigiste durante este ano “Nove Cutadores discutem a sua obra”. Qual é o papel do curador? Que perfil e formação implica? É necessário o exercício da crítica para não repetir, não cair em formalismos…

R: Este projecto de formação surgiu a convite de Lidia Blanco, directora do Centro Cultural de Espanha em Buenos Aires, e veio cobrir um vazio. Na Argentina existem muitos artistas, galerias, espaços, propostas independentes, mas as possibilidades de formação para curadores são practicamente inexistentes. Neste contexto, pensei que seria uma contribuição possível convocar uma variedade de curadores internacionais a apresentar o seu trabalho junto de curadores, artistas e críticos de Buenos Aires e de Santiago do Chile, sobretudo aos jovens, numa série de encontros mensais ao longo de nove meses. Expor a sua produção como matéria de análise e discussão, criando um espaço de trabalho flexível e adaptado às necessidades concretas dos curadores, e estabelecendo uma rede entre todos. Para a maioria dos participantes permitiu-lhes conhecer pessoalmente, e pela primeira vez, excelentes profissionais como Cuauhtémoc Medina, Vicente Todolí, Taiyana Pimentel... E não foi difícil atraí-los e entusiasmá-los para participarem neste projecto, dado o seu perfil e a sedução que o passado histórico e literário de Buenos Aires desperta. Uma das debilidades destes projectos que se desenvolvem em países subdesenvolvidos é que não se capitaliza o esforço realizado. Neste sentido, a chave é o papel desempenhado pela Rede de Centros Culturais de Espanha na América Latina, espaços de dinamização, activação e produção cultural dirigidos por professionais com ideias, com vontade, que não são burocratas. Em muitos lugares estos centros implicaram a renovação cultural, como sucedeu com o desaparecido centro cultural de La Habana.

P: Partilho essa opinião, sem dúvida. Contudo, estes equipamentos culturais que contam com mais recursos, meios, redes e infraestructuras do que os mais locais, exercem habitualmente um papel de apadrinhamento da dinâmica cultural de uma cidade, tanto que nalguns casos, acabam por desenvolver-se relações de dependência que eclipsam as iniciativas independentes ou mais modestas.

R: Sim, é possível que isso aconteça, mas o que é que se pode fazer. Acho que não concorrem uns com os outros, pois cada um tem um papel importante a desempenhar e cada um cumpre o seu ciclo. No caso dos projectos desenvolvidos por artistas e colectivos, estes têm normalmente uma vida relativamente breve, seja em Buenos Aires ou em Londres. O papel de uma instituição é diferente, os centros culturais de Espanha cobrem um vazio institucional que é evidente em muitos casos. A actividade artística em geral está muito necessitada de renovação, da entrada de novos olhares, e se pensarmos na grandeza do país, a cena artística de primeira ordem é muito reduzida se a comparamos com a do Brasil ou com a da Colômbia.

P: Estiveste a trabalhar para o New Museum of Art de Nova Iorque. Como é que eles nos vêem?

R: Não procuram o exotismo porque já não interessa. Não te querem pela tua origem, não lhes interessa de onde vens, mas para onde vais. Hoje em dia o artista circula com nome próprio mas sem apelidos nacionais. Podem ainda existir circuitos a quem interessa explorar os tópicos e estereótipos da nação de origem do artista tendo em vista um mercado muito concreto, mas isso não tem nenhum sentido hoje em dia no circuito internacional da arte, sobretudo quando comprovamos que a arte contemporânea se aprende, descobre-se e distribui-se pela Internet. Quando vês o currículo de qualquer artista percebes que o seu itinerário profissional se faz em diversos países ou cidades. O mais importante é: como é que a diferença produz novos significados nos códigos internacionalizados.

P: Em que projecto estás a trabalhar?

R: Agora mesmo estou a trabalhar num projecto em Córdoba (Espanha) com os pátios tradicionais, um espaço de exposição potente, com linhas discursivas entre o público e o privado, o tradicional e o contemporâneo… Interessa-me trabalhar com lugares ou cenários fora da protecção do cubo branco. Chama-se “El patio de mi casa. Arte contemporáneo en patios de Córdoba” e apresenta-se entre 15 de Outubro e 29 de Novembro. Vai ser um bom projecto, está a ser muito interessante trabalhar com os propietários destes pátios, que são património cultural da cidade, e com os artistas visitantes.

Disponível em: www.a-desk.org/spip/spip.php?article239

CONVOCATORIA AL 5º FICIFF FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE DE LA PLATA - FESTIFREAK

2009-05-21T11:58:00.000-07:00

http://www.festifreak.com.ar/

El Grupo Freak te invita a participar de la 5ª Edición del FICIFF Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata FestiFreak, que se realizará en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, ciudad de La Plata, Argentina, del 17 al 25 de octubre de 2009.La convocatoria está dirigida a personas de cualquier país del mundo, sin restricciones de edad, que hayan realizado sus cortometrajes durante 2008 hasta la fecha. Podrán participar cortometrajes en las categorías Ficción, Animación, Documental, Experimental y Videoclip.Se concederá un premio por cada categoría: 1º Premio Categoría Ficción de $ 1000, un 1º Premio Categoría Documental de $ 1000, 1º Premio Categoría Experimental de $1000, 1º Premio Categoría Videoclip de $1000 y un 1º Premio Categoría Animación de $ 1000 a los directores de las obras elegidas, además de Menciones Especiales que el jurado considere necesarias.Los cortometrajes deben tener una duración máxima de 15 minutos y la recepción se realizará hasta el 11 de septiembre de 2009 todos los días de 8 a 22 hs. en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, calle 50 entre 6 y 7, CP 1900, La Plata, Buenos Aires, Argentina. El FICIFF – FestiFreak estará recibiendo nuevamente la muestra itinerante del BAFICI Buenos Aires Festival de Cine Independiente, que incluye una selección con lo mejor de ese festival.Esta 5º Edición del FICIFF Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata FestiFreak es organizada por el Grupo Freak, y cuenta con el apoyo de la Municipalidad de La Plata, la Dirección de Cultura y Educación de la Provincia de Buenos Aires, el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, la Universidad Nacional de La Plata y el INCAA Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.

Tradução do Manifesto "Altermodern" de Nicola Bourriaud.

2009-04-19T05:22:00.000-07:00

ALTERMODERN – PÓS-MODERNISMO ESTÁ MORTO

Viagens, intercâmbio cultural e análise da história não são apenas temas em moda, mas marcadores de uma profunda evolução na nossa visão de mundo e na nossa maneira habitá-lo.
Mais genericamente, a nossa percepção globalizada exige novas formas de representação: a nossa vida quotidiana se dá num enorme cenário mais do que nunca, e depende agora de entidades transnacionais, de viagens de curta ou longa distância, em um universo caótico e prolífico.
Muitos sinais indicam que o período histórico definido pelo pós-modernismo está chegando ao fim: multiculturalismo e o discurso de identidade estão sendo ultrapassados por um movimento planetário de “creolização”. O relativismo cultural e a desconstrução, que substitui o universalismo modernista, não nos dão armas contra a dupla ameaça da cultura de massa uniforme e de uma regressão tradicionalista de extrema-direita.
Os tempos parecem propícios para a recomposição de uma modernidade no presente, reconfigurado de acordo com o contexto específico em que vivemos - crucial na era da globalização - entendido em seus aspectos econômicos, políticos e culturais: uma altermodernidade.
Se o Modernismo do século XX foi sobretudo um fenômeno da cultura ocidental, a altermodernidade decorre de negociações planetárias, discussões entre agentes de diferentes culturas. Desprendido de um centro, ele só pode ser poliglota. A Altermodernidade caracteriza-se pela tradução, ao contrário do modernismo do século XX, que falava o idioma abstrato do ocidente colonial e do pós-modernismo, que resumia o fenômeno artístico às origens e identidades.
Estamos entrando na era da legendagem universal, da dublagem generalizada. Hoje, a arte explora os laços que texto e imagem tecem entre si. Artistas percorrerem uma paisagem cultural saturada com sinais, criando novos percursos entre múltiplos formatos de expressão e de comunicação.
O artista se torna "homo viator", o protótipo do viajante contemporâneo cuja passagem por signos e formatos remete a uma experiência de mobilidade contemporânea, viagens e transpassagens. Esta evolução pode ser vista na maneira como as obras são feitas: um novo tipo de forma está surgindo, a forma-viagem, feita de linhas traçadas tanto no espaço e como no tempo, materializando trajetórias em vez de destinos. A forma do trabalho exprime um curso, um vaguear, em vez de um espaço-tempo fixo.
A arte altermoderna é assim entendida como um hipertexto; artistas traduzem e transcodificam a informação de um formato para outro, e passeiam pela geografia, assim como pela história. Isto dá origem a práticas que podem ser referidas como "time-specific", em resposta ao "site-specific", trabalho dos anos 60. Rotas de voo, programas de tradução e cadeias de elementos heterogêneos articulam-se mutuamente. O nosso universo torna-se um território em que todas as dimensões podem ser percorridas tanto no tempo como no espaço.
A “Tate Triennial 2009” se apresenta como uma discussão coletiva sobre esta hipótese do final do pós-modernismo e da emergência de uma altermodernidade global.

ALTERMODERN MANIFESTO - POSTMODERNISM IS DEAD

Travel, cultural exchanges and examination of history are not merely fashionable themes, but markers of a profound evolution in our vision of the world and our way of inhabiting it.
More generally, our globalised perception calls for new types of representation: our daily lives are played out against a more enormous backdrop than ever before, and depend now on trans-national entities, short or long-distance journeys in a chaotic and teeming universe.
Many signs suggest that the historical period defined by postmodernism is coming to an end: multiculturalism and the discourse of identity is being overtaken by a planetary movement of creolisation; cultural relativism and deconstruction, substituted for modernist universalism, give us no weapons against the twofold threat of uniformity and mass culture and traditionalist, far-right, withdrawal.
The times seem propitious for the recomposition of a modernity in the present, reconfigured according to the specific context within which we live – crucially in the age of globalisation – understood in its economic, political and cultural aspects: an altermodernity.
If twentieth-century modernism was above all a western cultural phenomenon, altermodernity arises out of planetary negotiations, discussions between agents from different cultures. Stripped of a centre, it can only be polyglot. Altermodernity is characterised by translation, unlike the modernism of the twentieth century which spoke the abstract language of the colonial west, and postmodernism, which encloses artistic phenomena in origins and identities.
We are entering the era of universal subtitling, of generalised dubbing. Today's art explores the bonds that text and image weave between themselves. Artists traverse a cultural landscape saturated with signs, creating new pathways between multiple formats of expression and communication.
The artist becomes 'homo viator', the prototype of the contemporary traveller whose passage through signs and formats refers to a contemporary experience of mobility, travel and transpassing. This evolution can be seen in the way works are made: a new type of form is appearing, the journey-form, made of lines drawn both in space and time, materialising trajectories rather than destinations. The form of the work expresses a course, a wandering, rather than a fixed space-time.
Altermodern art is thus read as a hypertext; artists translate and transcode information from one format to another, and wander in geography as well as in history. This gives rise to practices which might be referred to as 'time-specific', in response to the 'site-specific' work of the 1960s. Flight-lines, translation programmes and chains of heterogeneous elements articulate each other. Our universe becomes a territory all dimensions of which may be travelled both in time and space.
The Tate Triennial 2009 presents itself as a collective discussion around this hypothesis of the end of postmodernism, and the emergence of a global altermodernity.

Nicolas Bourriaud

Entrevista-Nicolas Bourriaud

2009-02-23T13:23:00.000-08:00

Ninguém precisa saber quem ele é ou das ideías que defende, muito menos os artistas que estão no seu casting para fazer, entender ou relacionar-se com a arte de alguma maneira.Mas Nicolas Bourriaud é um dos curadores mais influentes na europa e américa do norte.
Suas idéias e curadorias viram a linha de trabalho de muitos artistas e curadores por conta de seu prestígio e das instituições que ele coordena ou é parceiro direto.
Para se ter uma referência de uma destas, em seu país de origem, ele é o cabeça do "palais de tokyo" um centro de arte contemporânea localizado na capital francesa.
Dia desses li uma entrevista com ele no artecapital.net e achei interessante publicar-la aqui tb.
Aproveito e tb envio um link de um programa que eu gosto muito, art safari, que aborda o conceito do Nicolas sobre a arte relacional.
aqui ó!
http://www.ubu.com/film/relational.html

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Nicolas Bourriaud (n. 1965) é um dos filhos pródigos da arte contemporânea francesa. É simultaneamente curador, ensaísta, crítico de arte e globe-trotter. A sua carreira como curador adquiriu visibilidade a partir de algumas exposições internacionais em que participou, tais como: “Aperto 93” (Bienal de Veneza, sob curadoria geral de Achille Bonito Oliva), “Traffic” (CAPC, Bordéus, 1996), “Experience de la Durée” (Bienal de Lyon, 2005), e Bienal de Moscovo (2005 e 2007). Teorizou as novas práticas artísticas que eclodiram no final dos anos 90 e inícios do século XXI, com artistas como Philippe Parreno, Dominique Gonzalez-Foerster ou Rirkrit Tiravanija. Publicou diversos livros assumindo a autoria de novas teorias sobre a arte, como a da estética relacional. Aumentou a sua notoriedade quando, entre 2001 e 2004, protege a especificidade do Palais de Tokyo, lugar dedicado à criação contemporânea da cena cultural parisiense: que co-dirigiu com Jérôme Sans. Recentemente, em 2008, comissariou “Estratos” em Murcia, Espanha, e “La Consistance du Visible” na Fundação Ricard, em Paris. Em 2006 foi nomeado curador da Trienal da Tate, que decorre de 3 de Fevereiro a 26 de Abril de 2009. Foi sobre o conceito camaleónico de modernidade que trocámos aqui algumas ideias.

Por Sílvia Guerra
Novembro-Dezembro, 2009

P: Para a Trienal da Tate, em Londres, propôs um novo conceito, que é o de “Altermodern”. Esta outra modernidade é a chave de interpretação desta grande exposição colectiva. Gostaria de saber se com este novo neologismo inventado por si, procura medir o nosso afastamento em relação ao movimento histórico da modernidade?

R: O “Altermodern” significa um duplo afastamento, seja em relação ao “pós-moderno”, seja em relação ao período moderno do século XX. Hoje a palavra “moderno” evoca duas coisas: o período histórico delimitado pela arte moderna, e a modernização do mundo, sob a égide do “progresso”. Ora aquilo a que chamamos moderno é um estado de espírito recorrente na história, que assume diferentes formas segundo as várias épocas.

P: Como se liga o “altermodern” à contemporaneidade? É um seu sinónimo ou é uma maneira de repensar a noção de contemporâneo?

R: O “Altermodern” é, para mim, a forma emergente e contemporânea da modernidade, ou seja, a de uma modernidade que corresponde aos desafios do século XXI, e especificamente ao momento histórico que vivemos e no qual nos inscrevemos, para o bem e para o mal: a globalização. Ser moderno, no século XX, correspondia a pensar de acordo com formas ocidentais; hoje, a nova modernidade produz-se segundo uma negociação planetária. Doravante, na sua reflexão plástica, os artistas tomarão como ponto de partida uma visão globalizada da cultura, e já não as conhecidas “tradições”: servem-se destas para se conectarem com o universal, para experimentarem novas vias. Por exemplo, Pascale Marthine Tayou utiliza os padrões culturais africanos para questionar os valores a partir dos quais os vemos a partir de Nova Iorque ou Berlim.

P: Como poderíamos definir o significado dessa noção para re-interpretar outras práticas culturais?

R: “Alter” significa outro, mas o prefixo evoca igualmente a multitude. Em política, a alter-globalização é uma constelação de lutas locais que visam combater a homogeneidade mundial. No domínio cultural, “alter-moderno” significa algo semelhante, é como um arquipélago de singularidades conectadas umas às outras.

P: A Documenta 12 de Kassel foi também um momento no qual se perguntou se a modernidade não seria a nossa Antiguidade. Por seu lado, o antropólogo Bruno Latour defende a ideia de que nunca fomos modernos. Mas, hoje em dia, poderemos ser algo para além de modernos?

R: Infelizmente, sim… O planeta inteiro está a ser percorrido por crispações identitárias, por retornos fundamentalistas, por radicalismos religiosos e políticos, e todos colocam em primeiro plano as raízes das assim chamadas “ identidades culturais”, que são um dogma. Deste facto, nasce hoje a necessidade e importância de fazer a recomposição de uma modernidade, cujo gesto primordial é o do desenraizamento do solo, do exôdo das tradições identitárias e das comunidades constituídas. No que diz respeito à Documenta, não podemos esquecer que o regresso à Antiguidade foi o sinal durante um longo período de tempo, do aparecimento da modernidade, cujo exemplo mais evidente é o Renascimento italiano. É certo que o modernismo do século XX constitui a nossa Antiguidade – aonde temos de regressar – mas para dar um mais efectivo passo em frente. Hoje irritarmo-nos com este revival modernista que pesa nas grandes exposições mas, na minha opinião, ele é apenas mais um fetichismo.

P: Entre os artistas que convidou para esta Trienal, estão alguns que trabalham sobre dois vectores que você considera irreductíveis do conceito de “Altermodern”: o tempo e a história, como um novo continente. Poderia apresentar-nos o trabalho de alguns desses artistas?

R: Os artistas procedem hoje por encadeamento de objectos visuais. Esta é a sua metodologia, e fazem-no através de obras que constituem arrêts sur l’ image” de um enunciado em perpétuo crescimento. Para fazer referência à obra de um artista emblemático, como é Seth Price, posso dizer que as suas formas permanecem em estado de cópia, mas sem adquirirem um estatuto como transitórias. As imagens são instáveis, estão à espera, entre duas traduções, de serem perpetuamente transcodificadas. Price desmotiva uma vã necessidade de classificar as suas obras, de lhes atribuir um lugar preciso na cadeia de produção e de tratamento da imagem. Os mesmos motivos são retomados com mais ou menos variantes em obras distintas. Outros como Nathaniel Melliors ou Spartacus Chetwynd, exploram a história como se ela fosse um espaço. Charles Avery, pelo contrário, cria a ficção de um universo inteiro que aboliu toda a noção de contemporaneidade. Todos eles fazem um mix de épocas e de estilos, tal como “semionautas” que produzem percursos através de diferentes épocas e estilos e a partir dos signos que pertencem a espaços-tempos afastados uns dos outros.

P: Numa entrevista disse que quando tinha perguntas fazia exposições, e que quando tinha respostas, escrevia livros… Que conclusões se pode tirar dessa metodologia? Como vê a articulação do seu trabalho com o momento histórico (ele mesmo tão volátil)?

R: O meu trabalho consiste em tentar fazer aparecer figuras no caos da produção contemporânea, ou seja, inventar chaves de leitura, utensílios teóricos que permitam ver a arte de hoje segundo um certo prisma. Esse trabalho efectua-se de forma discursiva num livro e transforma-se quando se trata de uma exposição: detesto a ideia de alinhar obras, uma após outra num museu, de forma a que se conformem ao que esperamos delas. Sabendo que toda a (boa) obra de arte é semionautas, obviamente que resiste à classificação sob a égide de uma teoria. Uma exposição é então um espaço-tempo de diálogo, um filme no qual me contento em fazer a montagem e para o qual escrevo as legendas.

P: Conhecemos as suas útimas obras, Esthétique relationnelle e Postproduction, que permitiram teorizar a arte após a morte da história da arte dos anos 90. Com o seu proximo livro Radicant, em que analisa a nova geração, o que nos é dado a conhecer?

R: A Trienal “Altermodern” e o ensaio Radicant, completam-se e respondem um ao outro, já que foram concebidos em conjunto. Em “Altermodern”, onde procuro descrever as suas condições de emergência, existe a articulação em torno de noções como a de precariedade (a arte que chama a atenção para a fragilidade de todas as construções sociais e mentais), de errância (como porta de saída do pós-moderno), de forma-viagem (na qual a obra se apresenta como percurso, e não mais como uma superfície ou volume), ou de implicação de temporalidades (a tessitura de espaços-tempo heterogéneos na obra).

P: Poderia explicar-nos como trabalha com os artistas e criadores que acompanha? Qual é o seu modus operandi enquanto curador?

R: Cada exposição tem a sua própria história. Esta foi concebida no quadro de uma série de discussões com actores do mundo da arte: por exemplo, a série de quatro “Prólogos” que precederam a Trienal, e que implicaram a participação de outros teóricos, de artistas e de críticos de arte. Depois, poderia dizer que, de uma forma mais geral, esta exposição foi concebida como se fosse um debate alargado.

P: E qual é o papel do crítico de arte nos nossos dias?

R: Hoje, mais do que nunca, é indispensável designar as coisas e fazer a sua análise. Perante um mundo como o actual, que progressivamente se reduz mais às dimensões de um supermercado de imagens e de signos, é urgente reafirmar o valor do comentário e da selecção. Isto poderia resumir-se deste modo: eu, um indivíduo entre outros, vou mostrar este objecto, que me parece mais interessante do que outros; e vou-lhes explicar porquê, e a partir de que valores emito este julgamento. Será que é necessário relembrarmo-nos de um velho adágio talmúdico, segundo o qual um texto (e por extensão, qualquer outro objecto) não adquire o seu real valor senão a partir do momento em que foi sujeito a um comentário?

P: Em Portugal, onde fazem falta mais revistas em papel consagradas à arte contemporânea, apropriámo-nos do formato digital para existir. A Artecapital existe desde há três anos… Poderemos dizer que fazemos parte de uma “alter-modernidade”? As diferentes velocidades de crescimento nos países europeus são uma das razões para que nos continuemos a sentir tão “far away so close”…

R: A verdadeira virtude do pós-modernismo foi a de equalizar filosoficamente, e mesmo juridicamente, as diferentes versões dos espaços-tempo que compõe o nosso mundo, e do qual certas versões eram precedentemente consideradas pelo mundo modernista como simplesmente “em atraso”. A “alter-modernidade”, é a coordenação estrutural produtiva das diferentes velocidades, com a finalidade de criar novas visões do mundo, uma modernidade que seja finalmente planetária e não simplesmente pseudo-Ocidental, que seja um arquipélago e deixe de ser “continental”, no sentido em que deixe de ambicionar a totalidade.

P: José Saramago escreveu, em 2008, um livro intitulado A Viagem do Elefante, no qual o seu protagonista paquiderme, proveniente da Índia, atravessa a Europa do século XVI. Nessa viagem “moderna” a palavra de ordem é: chegamos sempre ao sítio onde nos esperam. O que pensa desta visão da viagem? Ainda tem sentido?

R: A errância é, antes de mais, encontrar o que não se procura. É este o verdadeiro luxo intelectual num mundo onde se fabricam dóceis consumidores a partir de perfis-tipo.

LINK
ALTERMODERN – Tate Triennial 2009 
Tate Britain, 4 Fevereiro – 26 Abril 2009
www.tate.org.uk/britain/exhibitions/altermodern/

BIBLIOGRAFIA
NICOLAS BOURRIAUD

Radicant
_Nova Iorque, Sternberg Press & Berlin (Merve Verlag), 2009.

Postproduction
_Dijon, Les presses du réel, 2004.
_Nova Iorque, Lukas & Sternberg, 2001.

Formes de vie. L’ art moderne et l’ invention de soi, _Paris, Denoël, 1999.

Esthétique relationnelle
_Dijon, Les presses du réel, 1998.

COMISSÃO DE FRENTE-RECIFE

2009-02-15T21:38:00.001-08:00

Com o intuito de abrir o calendário da exibição de arte contemporânea no Recife e, literalmente, colocar um bloco na rua surge a primeira edição da exposição “Comissão de Frente”.A exposição, organizada por dois jovens artistas da cidade Aslan Cabral e Bruno Faria, integra-se ao período pré-carnavalesco e utiliza elementos da folia de momo por conta da força, singularidade e representatividade do carnaval na cultura da cidade do Recife que é um dos roteiros mais desejados por turistas do Brasil e do mundo neste período.
Integrando o calendário da arte atual da cidade ao carnaval esta exposição sugere o reconhecimento de todas as co-relações que a nossa criatividade e anarquia, entre várias caracteristicas da arte contemporânea, tem com manifestações populares como o carnaval.
Aslan Cabral, Bruno faria, Bruna Rafaela, Cristiano Lenhardt, Derlon Almeida, Gugu Ferrer, Jonathas Andrade, Marcelo Solá, Maurício Castro, Mozart Santos e Yuri Firmeza são os artistas convidados para compor essa mostra que vai do dia 17 ao 19 de fevereiro (semana pré carnavalesca) finalizando a programação com a saída do Bloco “E tudo artista”.

Cronograma
Terça-feira dia 17
abertura as 10:00 da manhã
e às 19 hrs pocket show da banda Saltos Ornamentais(babaaado!)
e djs convidados
Quarta-feira dia 18
Entrega das camisas do bloco "É Tudo Artista"
e Bazar da Monga a partir das 17:00hs(imperdível)
*também vai rolar um som!
Quinta-feira dia 19
Encerramento com a saída do bloco "É Tudo Artista", concentração a partir das 17:30
Muito frevo, axé e djs convidados numa verdadeira performance coletiva!!!
PARTICIPE!!!

Piscinão da Benvinda de Carvalho-Belo Horizonte

2009-02-13T20:26:00.000-08:00

Uma invasão de artistas cariocas a praia mineira...a piscina.

Essa invasão ocorrerá na Galeria Murilo Castro comemorando o verão, época tão fértil e adorada pelo povo litorâneo. E se dará da seguinte forma, um ônibus com mais de 40 artistas contemporâneos chegará na galeria no dia da abertura da exposição carregando seus respectivos trabalhos sob o braço. Esses artistas escolherão onde por suas obras de forma bem livre indo logo assim que terminado o trabalho de instalação das obras participar do churrasco à beira de uma piscina plástica instalada na Galeria.

Por que isso?

A Galeria Murilo Castro já possuiu inusitadamente uma piscina em seu interior que mais tarde veio a ser aterrada já que não era de grande valia como espaço expositivo. Uma exposição onde os artistas invadem a galeria e a piscina, só caberia nessa em questão.

Piscinão é uma manifestação típica do carioca de baixa renda, aquele que não tem acesso rápido e direto as grandes e famosas praias cariocas, governos passados inventaram o famoso piscinão para o suburbano. Sendo a arte uma atividade muito ligada às elites e a arte contemporânea ainda mais taxada de hermética e difícil, logo mais distanciada ainda da base da pirâmide social brasileira, resolvemos por em cheque tudo isso fazendo um evento que tenho o frescor a malandragem e a leveza de um churrasco à beira da piscina.

O evento terá a característica descontraída do carioca e do verão mas também estará cercado de obras de artistas já respeitados e outros ainda jovens porém com uma estruturada trajetória.

Acreditamos que o público que venha a visitar a galeria encontrará, alem do evento da abertura, a invasão e toda a operação de colocação das obras de todos os artistas ao mesmo tempo no espaço expositivo, participar de um churrasco e cervejada seguido de um bom batuque de samba e pagode; também uma mostra do que a arte contemporânea carioca vem fazendo.

Essa abertura e esse deslocamento dos artistas vindo de um sítio para outro e nesse último instalando suas obras e eles próprios se apropriando do espaço expositivo como seu próprio lar relaxado, animadamente, divertindo-se mas sempre e com mais força que de costume atuando como agentes da arte.

Os cariocas vão invadir com muito bom humor e arte a Galeria Murilo Castro nesse verão.

Venham todos e tragam os amigos!

Será neste sábado, dia 14 de fevereiro, às 12:00 horas, na Galeria Murilo Castro, Rua Benvinda de Carvalho, 60, Belo Horizonte,
quando o ônibus chegará do Rio com os artistas e o evento terá início.

Relação dos artistas participantes:

Alex Topini Guga Ferraz
Alexandre Sá Gustavo Speridião
Alexandre Vogler Heleno Bernardi
Andrei Muller Isabela Lira
Arjan Joaquim Paiva
Caroline Valansi Jorge Duarte
Celina Portella Júlia Debasse
Cesar Barreto Leo Videla
Chico Fernandes Lia do Rio
Claudia Hersz Luis Sérgio Oliveira
Dani Dacorso Luiza Baldan
Daniel Lannes Marco Antonio Portela
Daniel Murgel Osvaldo Carvalho
Eduardo Filipe Patrícia Gouvea
Felipe Varanda Pedro Paulo Domingues
Fernanda Antoun Pontogor
Fernando de La Roque Ricardo Pimenta
Flávio Vasconcelos Romano
Frederico Dalton Thiago Barros
Gabriela Maciel Valeria Costa Pinto
Geraldo MarcoliniVicente de Mello
Greice Rosa Walton Hoffmann

Curadoria, organização e texto de Marco Antônio Portela

Galeria Murilo Castro - Rua Benvinda de Carvalho, 60 - Belo Horizonte -MG
tel: +5531-32870110 www.murilocastro.com.br

Prospecta2008-De 20 à 23 de Janeiro em Natal RN

2009-01-13T15:04:00.001-08:00

Clique na imagem para maximizar.
Acesse o site oficial do evento:www.prospecta2008.blogspot.com

Cultura Previdenciária-Campanha de utilidade pública para os trabalhadores da área cultural(é bom ficar atento!)

2009-01-08T05:58:00.000-08:00

Desde o início deste mês, vem sendo veiculada na televisão a campanha
Cultura Previdenciária, uma iniciativa do Governo Federal, por meio
dos Ministérios da Cultura (MinC) e da Previdência Social (MPS).
Voltada aos profissionais da área cultural, a propaganda ressalta a
importância da valorização de todas as atividades realizadas nos
diversos segmentos da cultura brasileira.
A campanha de utilidade pública objetiva alertar sobre a necessidade
desses trabalhadores garantirem tranqüilidade e segurança com a
complementação de sua renda na fase de aposentadoria, ou em outras
circunstâncias. Dentre as alternativas, encontra-se o regime de
previdência complementar fechada e a adesão a planos associativos
como, por exemplo, o já existente CulturaPREV.
Para a divulgação e a promoção da campanha Cultura Previdenciária
também foi criada pelo desenhista Ziraldo uma arte gráfica bem
elucidativa, na qual a formiguinha abraça a cigarra para juntas se
encaminharem em direção ao futuro.
Assista ao vídeo e informe-se sobre o assunto.
http://www.cultura.gov.br/culturaprevidenciaria/

Plano CulturaPREV
Instituído em 2004, o CulturaPREV é um plano de previdência
complementar fechada exclusivo para os profissionais da cultura,
administrado pela Fundação Petrobras de Seguridade Social (Petros),
que já conta com a adesão de dez entidades associativas
representativas de setores artístico-culturais do país.
Podem se inscrever no plano os participantes da Associação Brasileira
de Museologia, Associação Sergipana de Autores e Intérpretes
Musicais, Cooperativa Paulista de Teatro, Sindicato dos Artistas e
Técnicos em Espetáculos de Diversões do Estado do Ceará, Sindicato
dos Artistas e Técnicos em Espetáculos de Diversões do Estado de
Pernambuco, Sindicato dos Artistas e Técnicos em Espetáculos de
Diversões do Estado do Sergipe, Sindicato dos Artistas e Técnicos em
Espetáculos de Diversões do Estado do Rio de Janeiro, Sindicato dos
Músicos Profissionais do Estado do Rio de Janeiro, Sindicato dos
Músicos Profissionais do Estado da Bahia e Sindicato dos Artistas
Plásticos do Estado de São Paulo.

Saiba Mais:
https://www.petros.com.br/petrossite/servicos/hotsiteculturaprev/desig
n/html/main.html

Publicado em 01 de dez de 2008

O trabalhador da cultura
O trabalhador da cultura é um personagem inserido numa cena
profissional extremamente dinâmica. A grande diversidade de
linguagens, etnias e valores, juntamente com a criatividade
característica da população brasileira, faz de nossa cultura um mundo
de alternativas simbólicas.
No filme que produz, nas peças de teatro ao ar livre, nas exposições
de sua arte, nas turnês por todo o país, no artesanato em sua
oficina, no cenário que constrói para o público, na iluminação
realizada para acontecer o espetáculo, enfim, nas diversas maneiras
em que está inserido na realização dos produtos de nossa cultura,
esse trabalhador muitas vezes investe seu próprio patrimônio sem
nenhuma certeza de retorno financeiro.
Esse investimento de risco é feito, muitas vezes, apenas pelo prazer
de ver o seu trabalho realizado, reconhecido e aplaudido. Contudo, ao
longo de sua vida, o artista necessita de segurança para fazer melhor
o seu trabalho e criar com a liberdade que esse trabalho requer.
Se até então ele não se preocupara com isso, agora é preciso planejar
o futuro de outra maneira. Dos grandes problemas enfrentados pelos
trabalhadores da cultura, talvez um dos maiores seja a dificuldade em
filiar-se ao regime da Previdência Social.
Segundo levantamento realizado em 2004, pela Pontifícia Universidade
Católica do Rio de Janeiro (PUC-RJ), estima-se um total de 1.900.000
pessoas envolvidas no mercado cultural no país. Grande parcela desses
trabalhadores têm até 40 anos de idade, ou seja, com tempo de
trabalho em torno de 20 anos.
Por outro lado a capacidade de poupança desses profissionais é, em
média, de cerca de R$ 25,00 por mês. Aquém dos valores de planos
oferecidos pelo mercado previdenciário.
Objetivando atender especialmente as necessidades da área cultural, a
fim de garantir um pecúlio justo a esse segmento, os Ministérios da
Cultura e da Previdência Social firmaram parceria que é estratégica
para fomentar a criação de planos previdenciários acessíveis a essa
categoria profissional.
Dentre outros fatores, esses planos devem levar em conta:
· Acesso a Planos de Previdência Complementar, com valores mensais
acessíveis (mínimo de R$ 25,00)
· Utilização de todos os mecanismos possíveis de cobranças das
contribuições, como boletos bancários e débitos em conta corrente,
não restringindo o acesso dos potenciais participantes
· Possibilidade de suspensão, a qualquer momento, da contribuição
básica do participante ao plano de benefícios

Andy Warhol-Other voices other rooms(outras vozes outras salas)

2009-01-02T14:55:00.000-08:00

Andy Wahrol ao lado de Jean Michel Baquiat.

“Think you know him? Think Again”(Pensa que já o conheçe?pense novamente) é o slogan propositivo da mostra imperdível de Andy Warhol que a The Hayward Gallery apresenta até 18 de Janeiro de 2009. Refere-se, fundamentalmente, ao carácter histórico-revisionista que a exposição ambiciona e que determinou a nossa curiosidade científica: após anos de discussão sistemática, espectacular mediatização e toneladas de documentação produzida, será possível desconhecer ainda a completude identitária do fenómeno Warhol?

Eva Meyer-Hermann é a curadora da exposição “Other Voices, Other Rooms” e a editora do seu catálogo cronometrado, no qual os objectos exibidos são amplamente analisados em duas horas e cinquenta e seis minutos (A guide to 706 items in 2 hours 56 minutes, NAi Publishers, Roterdão), conforme velocidade voraz da ambição (democratizadora) de Warhol. Foi ela, em 1968, a curadora da primeiríssima retrospectiva de Warhol em espaço europeu, apresentada em Estocolmo e Amesterdão, nos mesmos locais que entusiasticamente reincidem no mapeamento da itinerância actual. Também hoje, como no passado, a exposição resulta da conjugação de esforços diferenciados, agora entre o Stedelijk Museum (Amesterdão), o Moderna Museet (Estocolmo), o Wexner Centre for the Arts (Ohio) e a The Hayward (Londres), espaços designados para a sua apresentação intercontinental, em cooperação com o The Andy Warhol Museum (Pittsburg).

Quarenta anos depois, a mesma equipa base prossegue a investigação, partindo, simultaneamente, da sua própria experiência de causa e do distanciamento histórico que o tempo e o luto de Warhol permitiram. Desafiou-se a inflectir profundamente a sua própria perspectiva sobre a globalidade do seu legado, através da confrontação activa de trabalhos icónicos com material inédito, negligenciado ou excepcionalmente apresentado e ousou re-emoldurar-lhe a essência, declarando o filme e o vídeo como o derradeiro cerne do seu trabalho (e as pinturas e outros trabalhos gráficos como fontes para a realização dos mesmos).

A homonímia com “Other voices, other rooms” de Truman Capote (1948), título, autor e figura masculina de eleição de Warhol, sublinha a identidade como motivação motor (e graal) subjacente à revisão instalativa e tripartida que propõe. “Cosmos”, “Filmscape” e “Tv-Scape” são as secções autonomizáveis (ou as múltiplas faces de Warhol), que a exposição congrega, reificadas em incríveis, inéditas, polémicas e dramáticas mise-en-scènes, cujo design reclama para si a liberdade reinventiva inata à atitude e ao corpo de trabalho do próprio Warhol.

O cenário de “Cosmos”, a sala introdutória, pretende induzir à experiência da excentricidade ambiental de Warhol. Assinala a abertura do “Warhol Archive” ao público, através, por exemplo, da exploração investigativa das “Time Capsules” – parafernália que sistemática e quotidianamente colectou em seiscentas caixas (cada uma com aproximadamente duzentos objectos) desde 1974 e que é surpreendentemente reveladora do seu apaixonado ecletismo mundano; ou dos “Factory Diaries”, vídeos que revelam as curiosidades associadas à vivência e frequência diária, mais ou menos glamorosa, do seu atelier “comunitário”, entre 1970 e 1982. Apresenta, necessariamente ainda, uma caixa brillo, uma marilyn, uma cadeira eléctrica, um auto-retrato, flores e uma lata de sopa em cabeçalho expositivo (beneficiando do incrível pé-direito da sala); e os primeiros trabalhos, como os realizados a folha de ouro, colocados em rodapé sobre o inevitavelmente feérico papel de parede (dezenas de vacas e maos como pano de fundo). Ainda os Velvet Underground, polaroids e folhas de contacto sem fim, magazines Inter/VIEW e Interview, as suas célebres citações “filosóficas” (aliás, forjadas pela edição de Gretchen Berg a partir da sua entrevista a Warhol em 1966), os ritualistas “screen test” ou milhares de minutos em gravações áudio. Imersão total: objectos elevados à sua máxima potência numérica, a perder de vista, num espaço deliberadamente restrito.

“Tv-Scape” concentra todo, mas mesmo todo, o trabalho que Warhol desenvolveu para o formato televisivo, desde o fim da década de setenta até à data da sua morte, e que marcou em definitivo a expansão radical dos (e inerente aos) seus princípios artísticos. São quarenta e dois episódios das séries “Fashion”, “Andy Warhol’ s TV” e “Andy Warhol’ s fifteen minutes” a que podemos assistir na íntegra, sentados sobre as estrelas do palco, no lugar do convidado.

“Filmscape” apresenta dezanove filmes (outros oito, que completam vinte e sete dos cerca de cento e sessenta por ele realizados, são exibidos em salas de cinema integrados na programação paralela), produções independentes de cinema experimental, em exibição simultânea e espaço único, como se de uma monumental instalação multi-projectiva e tridimensional se tratasse. A disponibilização de informação relativa à sua duração e tempo remanescente garante a liberdade da definição de uma estratégia individual de recepção: sincopada, mais próxima do carácter imediato e reconhecível da sua pintura; ou demorada, imersa no detalhe e variabilidade mínima dos seus intensos retratos vivos. De “Sleep” (1963) a “Blow Job” (1964), de “Empire” (1964) a “The Chelsea Girls” (1966) ou “Lonesome Cowboys” (1967-1968).

Uma pequena sala biográfica redunda, afinal, na pura leveza das suas nuvens prateadas. Que flutuam. Fosse o hélio tão inacessível como em 1968 e teriam, como lá, ficado a rasar o chão. Que importa o hélio? Que importa o Warhol?

Lígia Afonso (originalmente para artecapital.net)

UrbeSonora -Lançamento do Projeto

2008-12-09T09:33:00.000-08:00

De experimentação sonora à musica de pista.

O UrbeSonora é para seu Ouvido Pensante - Um espaço para experiências sonoras, áudioarte e música experimental. Acolhe e apresenta desde música eletroacústica, paisagens e arquiteturas sonoras, experiências acústicas e espaciais com o som, vertentes mais melódicas, miscigenadas e inclassificáveis até música dançante voltada para as pistas mas sem cair no comum.

Chega hoje ao fim a ''Bienal do Vazio''

2008-12-06T03:37:00.000-08:00

Camila Molina para O estadão.
Sábado, 06 de Dezembro de 2008 | Versão Impressa

Quatro artistas especialmente convidados pelo Estado comentam o polêmico evento que propôs debate e redução da mostra

Hoje termina a 28ª Bienal de São Paulo, Em Vivo Contato, finalizando sua curta duração, de 42 dias. Para quem quiser ir ao pavilhão ainda hoje, entre as atividades do dia estão, das 10 às 15 h, apresentação do trabalho Arquitetura Paralaxe: Aparecer - Desaparecer, de Alexander Pilis; e às 15 h, conferência no auditório do seminário Bienais, Benais, Bienais..., com a participação de Catherine David (curadora da polêmica Documenta X), Gabriele Horn, Michael Krichman, Thierry Raspall e Ivo Mesquita. Vale também conferir o Video Lounge, curado por Wagner Morales, seção de vídeos que ficou de certa forma "invisível" durante o evento. Já às 20 h começa o encerramento, com "festa" no térreo, apresentação de Axé Vatapá Alegria Feijão, do coletivo Assume Vivid Astro Focus.

Edição apelidada de "Bienal do Vazio", Em Vivo Contato, com curadoria de Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen, gerou reações negativas e positivas. O Estado convidou os artistas Paulo Pasta, Nuno Ramos, Shirley Paes Leme e Rosângela Rennó a darem suas opiniões do ponto de vista dos criadores sobre o que resultou dessa polêmica Bienal (leia ao lado). Edição que teve poucos trabalhos expositivos, atividades multidisciplinares, espetáculos e seminários e, ainda, como gesto maior curatorial, a opção por deixar o segundo piso do pavilhão da Bienal totalmente vazio, sua proposta era colocar em discussão a Bienal e o modelo do evento. Mesquita afirmou anteontem, no auditório, que o "debate poderia ter sido mais interessante" e fez a defesa da edição pelas várias críticas que recebeu. Para ele, foi "sucesso de público": acredita que até o fim do dia, a 28ª Bienal possa contabilizar pouco mais de 200 mil visitantes. "A Bienal de Veneza no ano passado, de junho a novembro, teve 370 mil", argumentou.

Paulo Pasta
"Penso ser quase um consenso a constatação da grande frustração que foi essa Bienal. Inútil querer procurar, à maneira de Poliana, o lado bom.

Com toda a consideração devida ao curador, pela sua trajetória e seriedade, o maior resultado dessa edição talvez tenha sido, ao contrário de um debate sobre esse tipo de mostra, ou de uma reflexão sobre a forma - mercadoria que a arte vem assumindo nos últimos tempos, o empobrecimento da experiência. Penso que isso acontece por uma razão óbvia: a ausência - ou a quase ausência - da obra de arte na referida exposição. Segundo os curadores, o objetivo central seria a de uma "Bienal de estratégia" e não de produção artística. Caberia aqui a pergunta: o que poderia gerar o debate que interessa? Não seriam justamente questões vindas da produção artística? Quando a obra está ausente, tudo se empobrece. A obra, a sua presença, é que sustenta o agora, que oferece os vários sentidos ao debate. Quando ela não está presente, sobra apenas a discurseira. Nessa direção, o vazio transforma-se em empobrecimento. E penso que nessa Bienal sobrou discurso... O que vem revelar o outro lado do empobrecimento: o da chatice. Bienal que discute Bienal, arte que discute arte, etc.

Sobre o que pode resultar dessa Bienal, eu acho que pouco. Lembro-me da história do homem que tinha um burro que comia muito. Querendo ter menos despesas com a alimentação do animal, o homem foi diminuindo, aos poucos, a quantidade de comida dada ao bicho. Quando este estava quase acostumado ao mínimo de comida, ele morreu.

Penso que essa história poderia servir de metáfora para essa Bienal do pouco. O maior perigo desta talvez seja acelerar esse sentido de morte. Sim, porque tudo o que começou um dia pode acabar. É responsabilidade da gente dar continuidade às coisas."

Shirley Paes Leme
"Acho que o curador Ivo Mesquita é um profissional extremamente competente e corajoso ao romper com o estabelecido trazendo à tona uma questão que é importantíssima para o mundo contemporâneo: o espaço heterotópico. O curador e sua equipe trabalham com a dessacralização do espaço unindo o fora e o dentro como uma coisa única sem separação. Não é à toa que trazem a performance de Joan Jonas, que nos leva a vários espaços de heterotopia como levantados por Michel Foucault em Des Espaces Autres , texto publicado em 1984 a partir de palestra proferida pelo autor em 1967.

O vazio deixado propositadamente no segundo andar é o espaço deixado para a criação. É como se a Bienal fosse a mente do criador: para se criar é preciso que a mente esteja vazia, que haja espaço para ser ocupado.

Os seminários trazem questões importantíssimas a serem discutidas, pois a memória é o lugar em que o homem encontra as raízes de sua identidade, constrói sua dignidade e guarda seus sentimentos. Para além dos seminários os debates são necessários para o esclarecimento, a divergência, e o aprendizado. Tom Jobim disse que fazer sucesso no Brasil é traição nacional. Eu diria que romper com o tradicional é quase traição nacional. A curadoria, ao romper com estabelecido, questiona a própria mostra e os outros modelos de grandes exposições e bienais que existem. Precisamos sair do âmbito do pessoal, do particular, para o debate público e abertura a novas possibilidades - só assim seremos universais."

Rosângela Rennó
"Acho que essa edição vai ficar inscrita na história das Bienais de São Paulo como um episódio melancólico: uma Bienal com pouca ou quase nenhuma arte. É possível fazer uma Bienal com poucos artistas, mas o que não se deve fazer é uma Bienal com pouca arte. Painéis de discussão, ciclos de debate e palestras são importantes, principalmente, se a intenção é a discussão sobre a crise institucional, mas não são suficientes; não se pode negligenciar a responsabilidade que essa mostra tem com um público muito maior do que aquele que freqüenta os auditórios do pavilhão. O enorme público que comparece às Bienais de São Paulo tem um perfil muito mais elástico do que aquele que freqüenta as Documentas de Kassel, por exemplo. Quando ele entra no pavilhão é pra ver "alguma coisa" e não um espaço vazio justificado por um texto que se resumiria com um "je suis désolé", ainda mais porque esse texto não foi escrito por um artista. Se a intenção da Bienal era mostrar a crise ou o esgotamento da instituição que a abriga, que o fizesse através de trabalhos e não da ausência deles. Dessa maneira o público entende como a falência da própria arte. Por que, então, não ficaram só no território do teórico, do conceito? Talvez tivesse sido mais eficaz: parar pra pensar, identificar os problemas e achar soluções pra fazer melhor na próxima."

Nuno Ramos

"Pra mim foi uma espécie de morte anunciada - parecia que ia dar errado, e, adivinhe, deu mesmo!

O Nelson Rodrigues tem uma peça, acho que é Os Sete Gatinhos, em que um pai de família culpa um homem que chora por um olho só pela decadência de sua família. Na cena final ele chora... por um olho só, e descobre ser ele mesmo o algoz familiar. É essa bandeira que diversas instituições ligadas à arte vêm dando há um tempo já - elas estão chorando por um olho só, atacando, controlando, vigiando, disciplinando, reduzindo, emburrecendo (consciente ou inconscientemente) aquilo que supostamente deveriam preservar e engrandecer: a arte.

Essa Bienal, pra mim, com todo respeito aos artistas participantes (que tiveram um papel de fato coadjuvante), foi o exemplo extremo disso, a ponto de (nunca é demais repetir esse fato espantoso) ter praticamente substituído os artistas pela Curadoria."

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*Separei algumas parte que concordo, e outra que discordo.

"não se pode negligenciar a responsabilidade que essa mostra tem com um público muito maior do que aquele que freqüenta os auditórios do pavilhão. O enorme público que comparece às Bienais de São Paulo tem um perfil muito mais elástico do que aquele que freqüenta as Documentas de Kassel, por exemplo. Quando ele entra no pavilhão é pra ver "alguma coisa" e não um espaço vazio justificado por um texto que se resumiria com um "je suis désolé", ainda mais porque esse texto não foi escrito por um artista"
"A obra, a sua presença, é que sustenta o agora, que oferece os vários sentidos ao debate. Quando ela não está presente, sobra apenas a discurseira. Nessa direção, o vazio transforma-se em empobrecimento. E penso que nessa Bienal sobrou discurso... O que vem revelar o outro lado do empobrecimento: o da chatice. Bienal que discute Bienal, arte que discute arte, etc."

O ùnico comentário que louva a iniciativa, é justamente um desses que considero bem "arte contemporânea".Embebido de selos e referências e estrangeiras, exibição de conhecimento das estrelas da arte européia (ou norte americana) e chavões básicos da pós modernidade (rs!): Heterotópia e Dessacralização.

"Não é à toa que trazem a performance de Joan Jonas, que nos leva a vários espaços de heterotopia como levantados por Michel Foucault em Des Espaces Autres , texto publicado em 1984 a partir de palestra proferida pelo autor em 1967.
Precisamos sair do âmbito do pessoal, do particular, para o debate público e abertura a novas possibilidades - só assim seremos universais."
*Até concordo com esta ultima frase, mas não neste argumento que a Shirley defende.Me parece que a universalidade que ela menciona é muito mais uma universalidade de tornar-se internacional, global do que reconhecer a universalidade de nossas necessidades e potencialidades dentro de nossos próprios contextos.Acho que se o "pessoal" não fosse universal, a arte nem de longe poderia atualmente ser contemporânea.
Aslan Cabral

Artistas cobram iniciativa da Bienal para liberar pichadora presa há 40 dias

2008-12-04T06:43:00.000-08:00

04/12/2008 - 07h01
Rodrigo Bertolotto
Do UOL Notícias
Em São Paulo (SP)

Caroline Piveta da Mota, 23, entrou no prédio da Bienal de São Paulo, pintou com spray uma parede e está presa há 40 dias. Levada ao 36º Distrito Policial , na rua Tutóia, três dias depois foi aprisionada na Penitenciária Feminina Sant´Ana, no Carandiru.

PICHAÇÃO E DETENÇÃO
As últimas palavras a caminho da viatura foram: "Eu sou pichadora" e "Viva a pichação". Isso aconteceu no primeiro dia do evento, que termina no próximo sábado marcado por esse caso policial.

A ação no segundo andar do prédio (a "planta do vazio") foi classificada como "terrorismo poético" e "intervenção artística" por seus defensores e de "vandalismo" e "atitude autoritária" pela declaração oficial de uma Bienal que tinha como lema "Em Contato Vivo" e prometia refletir sobre a arte contemporânea e o circuito artístico.

"Isso é uma hipocrisia absurda. Quem devia ser preso são os organizadores. O andar vazio era um convite à manifestação, à contravenção. O mínimo que a Bienal pode fazer é colocar seu advogado para liberar a moça", afirmou o artista José Roberto Aguilar.

Fora a declaração em 27 de outubro, a curadoria da mostra não quis se manifestar sobre o assunto. Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen foram procurados pela reportagem do UOL desde a semana passada, sempre alegando por meio da assessoria de imprensa que não tinham espaço em suas agendas.

Quem falou foi Rafael Vieira Camargo Martins, 26, o amigo de Caroline que foi preso ao levar os documentos da garota no DP. Ele foi reconhecido pelos presentes na delegacia e acabou detido por oito dias. "Fui à Bienal porque vi as mensagens pela Internet falando da invasão. Mas não pichei nada. Fui só ver. Eles não conseguiram provar e me liberaram", contou em conversa telefônica.

Taxista na região do Ipiranga, ele afirmou que perdeu dias de trabalho e a auto-estima com a prisão. "Com que cara eu fico diante de meus passageiros, sabendo que eu estive na cadeia? Os policiais me zoaram, mas os companheiros de cela me ajudaram", conta Rafael, que participará nos próximos dias de uma manifestação pedindo a libertação da amiga.

Ele deve visitar a amiga na penitenciária no próximo domingo. Ambos estão sendo processados por destruição do patrimônio público e podem pegar uma pena de três anos de reclusão. Aponta-se envolvimento em outras duas ações anteriores, em junho no Centro Universitário de Belas Artes (Vila Mariana) e na galeria Choque Cultural (Vila Madalena). As três iniciativas teriam como mentor Rafael Guedes Augustaitiz, conhecido no meio como Pixobomb, e foram registradas em vídeos ou fotos.

A primeira foi proposta como trabalho de conclusão de curso (TCC). Pixobomb foi reprovado, expulso da faculdade, fichado na delegacia com mais cinco amigos e processado por danos. A segunda ação queria atacar "uma bosta de galeria" que "abriga artistas do underground, então, é tudo nosso", nas palavras da carta de convocação. Esse protesto rachou em discussões e ameaças os pichadores e os grafiteiros que estão levando seus trabalhos para circuito.

A turma de Pixobomb se intitula "PiXação: Arte Ataque Protesto" é formada por dezenas de jovens entre 15 e 30 anos da Grande São Paulo que se conheceram nas ruas. A garota presa é uma exceção: a gaúcha Caroline conheceu o grupo pela Internet.

Outras intervenções clandestinas na mais tradicional exposição de São Paulo não tiveram desfecho tão drástico. O grupo Arac, por exemplo, colou adesivos nas pilastras e paredes do prédio e publicaram em blog um Manual para a Invasão da Bienal. Já estudantes de publicidade promoveram um flash-mob (expressão inglesa que significa multidão instantânea) com suas camisetas formando a pergunta: "Sem idéia?", filmando tudo para passar o vídeo na Web.

A ARTE COMO CRIME

A invasão da pichação inspirou o artista Eli Sudbrack a fazer uma série de peças de neon usando o grafismo exposto na galeria Casa Triângulo, que está instruída a não chamar a polícia caso os pichadores passarem para lá.

"Achei a ação dos pichadores fantástica, de uma coragem inacreditável. Não sei como os curadores não abraçaram o conceito. Deve haver alguma razão política. Só porque a garota não é do mesmo estrato social da elite artística", questiona Sudbrack, que pede uma ação dos artistas para liberar Caroline. "Se a Bienal não tirar ela de lá, temos que fazer algo. Eu mesmo já colei stickers em exposições importantes nos EUA. É um absurdo o que está acontecendo. Ela não é uma criminosa", critica o artista.

Na blogosfera também o apoio foi maior que a recriminação. Vitor Ângelo, que mantém o blog Dus Infernus, relatou o caso do ponto de vista de alguém que estava naquele domingo 26 de outubro às 19h30. "Me deparo com a curadora Ana Cohen descabelada, chamando-gritando pelos seguranças, polícia. Vejo uma manada de jovens em uma coreografia que lembrava os animais livres da savana correndo e gritando por liberdade de expressão. Não resisti, aplaudi forte como muitas outras pessoas", escreveu Ângelo, para logo teorizar.

"A Bienal ao apagar os pixos assim como a grande maioria dos senhores envolvidos com a tal arte contemporânea estão situados e sitiados no terreno da cultura, já os pichadores, eles estão no terreno da arte", completou, citando frase do cineasta francês Jean-Luc Godard ("Cultura é regra, arte é exceção").

A organização afirmou antes da abertura da Bienal que sabia da ação dos pichadores, mas só reforçou o policiamento, com revista de bolsas, após o incidente no primeiro dia da exposição. Na hora da confusão, os seguranças tentaram conter os protestantes até a chegada da polícia. A maioria escapou após quebrar um dos vidros do prédio.

link para assistir ao vídeo da pixação.
http://diversao.uol.com.br/ultnot/multi/2008/10/28/04023560E4A12326.jhtm?metropolis--pichacao-na-bienal-de-sao-paulo-04023560E4A12326

Convocação para bienal! IMPORTANTE

2008-12-04T06:39:00.000-08:00

Queridos Artistas e demais Pessoas Sensíveis

Peço atenção a todos voces para essa convocação que, em face aos fatos relacionados com o imenso VAZIO provocado por essa (XXVIII) Bienal que se encerra sábado, se torna extremamente oportuna e necessária.

Conto com a adesão de voces, pois não podemos permitir que um evento de tal importância tenha se "esvaziado" dessa maneira.
Um certame que já abrigou e nos trouxe entre outros, Rothko, Jasper Johns, Hooper e Picasso, não pode nos privar do que há de melhor da produção artística no planeta, como aliás, mandam os seus estatutos.

CHEGA de empulhação e engano.
Queremos CONTEÚDO.

Além do mais, que estória é essa de mandar PRENDER alguém que só quis fazer o tal "CONTATO VIVO" que o lema da Bienal tanto enunciava?
Censura? Voltamos aos tempos da ditadura e da repressão ?

ANTONIO PETICOV

C O N V O C A Ç Ã O

Gente, sábado é o último dia da Bienal do Vazio. Precisamos fazer algo, JUNTOS, TODOS!

Queremos os pescoços de Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen!

Viva a liberdade de expressão! Abaixo ao vazio intectual!

O Brasil possui riquezas diversas para mostrar ao mundo! Vamos mostrar do nosso jeito!

O que vimos, este ano, foi um "vazio" intelectual protagonizado por Ivo Mesquita e Ana Paula Cohen.

Estes quando procurados alegaram estar com suas agendas cheias! Cheias de vazio?

Artistas, vamos nos unir!

Vamos levar nossas obras artísticas para rua, vamos expô-las na frente do prédio da Bienal, neste sábado as 9 h da manhã! Cada um com a sua linguagem!

Vamos fazer uma MEGA EXPOSIÇÃO para mostrar ao mundo que o Brasil, atualmente, conta com feras nos mais diversos campos das artes.

Já estamos contatando artistas, a imprensa, amigos, todos interessados em mudar este capítulo vergonhoso da estória da nossa querida Bienal.

Não fiquemos atrás de nossas mesas apenas clicando nossos disabores!

Vamos, sábado, para frente do prédio da Bienal defender a cara da nossa arte para o mundo!

Amamos muito nossa terra. Nossa terra colorida repleta de vida! Temos muito o que mostrar.

Poderemos mostrar! Iremos mostrar!

Cintia

Palestra: Arte na Era da Obesidade, RJ

2008-12-02T12:02:00.000-08:00

clique na imagem para ler os detalhes.

Arte Atual-Catálogo de arte deve ser visto como gibizinho de mangá

2008-12-01T11:21:00.000-08:00

Há alguns sábados estava eu conversando com amigos,começamos a ver um catálogo da exposição realizada no CCBB.(centro cultural banco do brasil[aquele mesmo que teria um em RECIFE,e nunca deu em nada])
O catálogo era moderno,feito por quem sabe copiar, `à risca, o padrão de qualidade e programação visual dos catálogos que circulam em grandes instituições da europa e america do norte.Sabe quando uma coisa repetida e repetitiva te dá aquela "cansada"??

Não me refiro aos trabalhos dos artistas, e sim sobre os formatos de catálogos e livros de arte contemporânea existentes e todas as outras coisas que pecam por fazer a linha "globalizado" e internacinal.
Sabe aqueles catálogos que tem uma foto do artista, e fotos de seu trabalho? deveria constar embaixo da foto: artista plástico e modelo!
As fotos sempre claras, maravilhosas ou enigmática e bem caprichadas.
Digna de verdadeiras estrelas!
:D
Daí começei a analisar bem o processo de visualização, e subversão de significados atribuídos à arte, pela maioria das instituições e mercados, e também referente à "tal" arte contemporânea.
1º- Vê- se a foto do artista, arrasando.
2º- O nome, e sobrenome, da estrela.
3º-Lê-se um texto cheio de jargões e referencias, que só sendo do meio de arte, e mesmo assim estudado muito(uahua),para que se entenda algo ou possa ser feita alguma relação entre a pessoa que lê to texto, e o trabalho sobre o qual o texto foi escrito.
e por ùltimo:
Duas páginas com as fotos das obras.

Por mim ok!Estudei e estudo a tal arte contemporânea, estratégias de inserção em mercados(rs!) história da arte européia, americana... então entendo as referências corriqueiras nestes padrões internacionais (marketeirinhos de doer)
But,
Tive uma idéia que já está me dando um refresh dessa canseira da arte contemporânea e suas ferramentas de sedução às avessas.
A partir daquele dia que conversava com os amigos e olhava os catálogos de arte, leio o texto inicial dos catálogos, e pulo láááá para a ùltima página.

Assim sempre vejo primeiro as duas páginas com as fotos dos trabalhos, penso neles, analiso, depois leio o textinho(na maioria das vezes arbitrário). E por ùltimo vejo a carinha de "nova geração" dos modelos contidos naquele book.
Opa!foi mal
eu queria dizer que:
Por ùltimo, vejo a carinha de "nova geração" do artistas de alguma exposição "tal" arte contemporânea.

Pois é, agora vejo catálogos de arte como quem lê quadrinhos de mangá.
De trás prá frente!

Aslan Cabral

ROTATÓRIA DE GALA (Belo Horizonte)

2008-11-27T09:11:00.001-08:00

O coletivo AZucrina! orgulhosamente convida a população
belorizontina para a comemoração de suas 2 primaveras completadas,
que se dará às 18hrs do dia 13 de dezembro de 2008
embaixo do viaduto Sta. Tereza.

Gente fina, elegante e sincera
Música ao vivo
Traje: esporte fino

www.azucrina.org

Expos da semana (São Paulo)

2008-11-25T06:26:00.000-08:00

Expos da semana (buenos aires)

2008-11-24T06:19:00.000-08:00

Festival Internacional de Arte de Acción

Noviembre 2008
Buenos Aires – Argentina

última semana

http://zonadeartenaccion.blogspot.com/

AGENDA

Domingo 23 – 20 hs.
ESPACIO RECONQUISTA
Reconquista 890 3º G - Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Stephen Lawson - Aaron Pollard - 2 Boys TV

Lunes 24 - 18,00 hs.
IUNA - Sede PINZON
(Instituto Universitario Nacional del Arte)
Patricios 740 - La Boca – Ciudad Autónoma de Buenos Aires

Aníbal Vallejos/ Aslan Cabral / Calixto Saucedo
Isabel Mónaco/ Lisette Olivares / Javier Del Olmo

Martes 25 - 18,00 hs.
IUNA - Sede LAS HERAS
(Instituto Universitario Nacional del Arte)
Av. Las Heras 1749 - Ciudad Autónoma de Buenos Aires

CALIXTO SAUCEDO - PRESENTACION LIBRO OBJETO
7 veces 7 arte y conurbano argentina siglo XXI

MONICA GARCIA, ALEJANDRA BOCQUEL y NORBERTO JOSE MARTINEZ
Charla abierta, sus experiencias como artistas gestores de los encuentros de Arte de Acción del año 2000 y 2002 en Buenos Aires - Argentina.

Jueves 27 - 18,00 hs.
CASA DE LA CULTURA - FLORENCIO VARELA
Mitre 149 - Florencio Varela

Marcelo Gandhi / Malgosia Butterwick / Morgan Ohara
Michiko - Maria De Brea / Luis Eduardo Martínez / Andrea Cárdenas

Viernes 28 – 19hs.
ESCUELA DE ARTE DE FLORENCIO VARELA
San Juan 122 - Florencio Varela

Claudia Ruíz Herrera / Vanesa Genlote
Grupo Repecho / Jane Jin Kaisen /Cheto Castellano /Marcelo Gandhi

Sábado 29 de noviembre - 18,00 hs.
Cierre del Festival
CHELA
(Centro Hipermediático Experimental Latinoamericano)
Iguazú 451, Parque Patricios – Ciudad Autónoma de Bs. As.

Ángel Pastor / Marcus Vinicius / Javier Sobrino / Leticia Orieta
Mariana Motuzas / Mónica García / Soledad Sánchez Goldar
Claudio Braier / David Khang / Carolina Montano / Santiago Javier Gasquet

+

happening colectivo - Marcelo Gandhi

+

musikita

Los Dulces / Los Pakidermos / Los Roñosos

ORGANIZACIÓN Y PRODUCCIÓN
Gabriela Alonso – Nelda Ramos / Zonadearte

EQUIPO DE DOCUMENTACION
Fotografía
María De Brea / Marcus Vinicius / Nelly Paris
Emilio Paravisi / Flavia Paravisi / Milton Alvarado

Video y edición
Julián Rivero / Julia Sánchez

Traducción
Roberto Ruíz / Flavia Paravisi

Colaboradores
AAVIV / Zulema Eleo / Mara Miño / Michiko / Joaquín Amat
Federico Vázquez Villarino / Raúl Lacabanne / Gabriel Montero
Dirección de Cultura y Educación - Municipalidad F.Varela

Expos da semana (Recife)

2008-11-23T21:30:00.000-08:00

Esta semana acontecerá a abertura de três exposições no Recife.Na galeria Dumaresq, que atualmente tem representado um representativo recorte da jovem produção pernambucana, apresenta exposição " grades de caminhões " do veterano Renato Vale na quarta-feira, dia 26 às 19 hrs
mesmo horário e data que o Museu do estado abre a primeira exposição dos convidados do salão pernambucano.Delano e Samico são os convidados desta leva.
E na terça-feira, um dia antes, é a vez de Cristiano Lenhardt, que abre a exposição "Diamante" no Centro Cultural Banco Real.Imperdível.

Esta Bienal... reflete a arte contemporânea?

2008-11-04T07:53:00.000-08:00

Esta Bienal... reflete a arte contemporânea?

Talvez a 28.ª edição seja espelho da debilidade da instituição e não da expressividade do circuito

Crítica Aracy Amaral

A gente entra; e de imediato se indaga, constrangida: a "isto" se viu reduzida a Bienal de São Paulo? Mas é bom que se saiba: a indigência presente na Bienal de várias maneiras e que vimos na noite de abertura não reflete a arte contemporânea. Ela é antes espelho da debilidade de uma instituição. Não há necessidade de fazer simpósios ou seminários sobre o assunto. Também entendemos que a Bienal não é festival de artes em geral. Em São Paulo, a oferta de espetáculos de dança, música e teatro é imensa o ano todo e teria sido desnecessário o que se despendeu ocupando o espaço com essas atividades.

Quando se viaja ao exterior e se vêem exposições marcantes de artistas em grandes museus como a Tate Modern, em Londres, ou em Viena, no Ludwig Museum, ou em Nova York no MoMA ou Whitney, só para citar alguns, damo-nos conta do que está se passando em arte contemporânea. Como ao visitar uma Documenta de Kassel, por exemplo.

Também as grandes feiras internacionais de arte nos passam uma imagem viva da efervescência do meio artístico, seja com as obras expostas, ou com seminários que realizam.

Se entre nós o problema foi falta de verba que caberia à presidência da Bienal providenciar, essa presidência está no lugar equivocado, pois essa é a sua competência. Se a escolha do curador foi tardia, a responsabilidade é da instituição e da curadoria que aceitou, assim como a proposta e suas limitações, pela simples necessidade de vê-la aprovada por falta de tempo para executar ou conceber outro projeto.

Até detalhes paralelos à "proposta" de Ivo Mesquita podem ser criticáveis. Como a apresentação de "documentos da Bienal", pois afinal, o Arquivo Wanda Svevo sempre esteve aberto a pesquisadores e não precisava ter sido deslocado para o terceiro andar nem facilitar o manuseio de catálogos raros por parte de qualquer visitante sob risco de perda ou vandalismo.

Tentemos falar claro. Esta Bienal parece antes preconceituosa - em sua preocupação em não mostrar artistas de outras tendências, mas apenas aqueles rigorosamente conceituais . Afinal, para citar apenas um jovem artista brasileiro e um do jet set, as imagens poderosas de um Henrique Oliveira acaso foram cogitadas? Um Damien Hirst, artista há 20 anos "estrela" no meio internacional, não seria interessante ter sido apresentado? A arte chinesa de hoje (e mesmo a coreana !), espanto em grandiloqüência, mas sem dúvida um fenômeno das artes visuais de nossos dias, e atual "darling" de museus e centros culturais de todo o mundo ocidental, por que não está presente? Na linha de "happenings", por que não pensar nos 40 anos depois do Grupo "actionista" de Viena, do qual fizeram parte Schwartzkogler e Gunther Brus, performáticos e violentos em suas manifestações e expressões ao vivo e em vídeo? O Ludwig Museum de Viena comemorou com grande exposição em junho-julho último essa documentação forte, embora os jovens de hoje raramente saibam que existiu e creio que pouco se comovessem ao ver esses documentos. A arte também envelhece. Mas, enfim, há tantas vertentes das artes visuais no mundo que a pálida 28ª Bienal pode passar ao visitante incauto a falsa impressão de que nada mais ocorre na área. Ou, que não há nada de outros tempos que bem valeria um gesto generoso por parte do "Conselhão" ou Comissão (?) da Bienal em aprovar, recomendar e levantar fundos para sua apresentação. Afinal, repetimos, fortunas não nos faltam em particular neste Estado. E temos em mente que presidir uma Bienal de São Paulo, ou candidatar-se a esse cargo, pressupõe minimamente séria responsabilidade.

Mas, ou se apresenta evento digno dessa tradição - Bienal de São Paulo - ou se reformula a existência ou freqüência do evento, como sugerimos há mais de 30 anos em simpósio latino-americano ocorrido aqui na Bienal mesmo para que ela se transforme em trienal ou quadrienal. Embora nossos profissionais, enquanto curadoria, sejam dignos de respeito, nada mal se em bienais alternadas tivéssemos curadores convidados de outros países, do mais elevado nível, para formar e diversificar as equipes que se formam no Parque do Ibirapuera.

Se não se pertence ao círculo fechado do "Conselhão", ou dos que decidem o que entra e o que não entra -, pois estamos distantes da organização por parte dos países convidados para que tragam seus artistas indicados pela curadoria da Bienal - nunca será veiculado quais os que foram convidados e não compareceram, por recusa, ou porque não houve orçamento possível.

No terceiro andar, sem dúvida o que mais chama a atenção são os móveis de marcenaria de mesas, cadeiras e bancos, que seriam muito bem-vindos em centros culturais sem recursos ou mesmo em creches de nossos bairros mais carentes, segundo observou Ana Maria Belluzzo.

Como descobrir uma proposta interessante da fértil Rivane Neuenschwander em meio às mesmices expostas, como as reproduções nas paredes ou papéis em vitrines que dificilmente despertam nossa atenção? Referimo-nos à monotonia da arte conceitual, a nos recordar das maçantes exposições de galerias dos anos 70 em Nova York ("como são chatas!", nos dizia Hélio Oiticica, só para citar um nome respeitado em nosso meio). Naquele tempo, só de penetrar numa dessas galerias, dar uma olhada às pranchas penduradas com palavrórios mil e cálculos matemáticos já era suficiente para nos expelir do recinto.

Não deixamos de notar o assédio curioso de uma obra por parte do público que ocasionou a única longa fila que vimos no dia da abertura - a possibilidade de penetrar no tobogã do belga Carsten Höller - para poder usufruir da adrenalina na queda vertiginosa. Na verdade, esse trabalho, de verdadeira interação com os visitantes, talvez seja o único da Bienal a alcançar a escala de bienais passadas em termos de expectativa: "Quero ir à Bienal para ver tal trabalho."

Allan McCollum, uma raridade igualmente, parece ter trazido, com seu envio, aquilo que eu consideraria um "trabalho para um espaço de Bienal".

Por isso me pergunto, espantada diante do que está exposto, como preparar visitas guiadas de escolares? Como explicar "artes visuais contemporâneas" a um público infantil ou adolescente nesta Bienal? Ou, como justificar a existência das Bienais?

Convenhamos: como ouvir tranqüilamente que é "genial" o piso geométrico de Dora Longo Bahia, que deve ter sido de difícil implantação, por certo, para seus auxiliares, com desenhos a nos lembrar azulejos hidráulicos magnificados, ou de inspiração islâmica?

Na verdade, ao ver a diminuta peça de Iran do Espírito Santo, parece que esta Bienal, salvo exceções, pelo teor das propostas, parece feita de presenças antes para a elite freqüentadora de galerias do que baseada numa concepção considerando o grande publico. O que significa isso?

Significa que num evento "bienal", "trienal", em particular num país como o Brasil, de extrema desigualdade social e educacional, os espaços, a cidade, as obras e os visitantes devem ser pensados em termos interativos, como alvo de motivação e não apenas de exibição.

Assim foi o propósito, a meu ver, que ocasionou a vinda da Guernica (em 1953-54), da sala Mondrian, da sala Picasso, da sala Van Gogh, do pop norte-americano já em meados dos anos 60, e de tantas outras salas especiais, como a dos artistas modernos e modernistas da Bienal da Antropofagia. Ou mesmo da Bienal da Grande Tela, sob a curadoria de Sheila Leirner, em 1985, ao trazer-nos a nova pintura dos anos 80. Claro que o Brasil mudou, e nossos museus e centros culturais idem. Assim, temos tido grandes exposições nos últimos 10-12 anos. Mas quem sabe os tempos agora ficarão mais magros e teremos que batalhar por novas oportunidades?

Mas, afinal, o que eu vi na abertura da Bienal? Muita "arte de processo", tendência típica dos anos 70, ou simulacros, como uma pseudoloja de rua reproduzida no interior da Bienal (Chaveiro, de Paul Ramirez Jonas), pseudográfica com impressão de jornais (Erick Beltrán), folhetos conceituais humorosos (ou não), e por vezes criativos, como sempre são distribuídos nas Bienais ao longo do tempo; entre vídeos modestamente dispostos, ao largo do circuito "nobre" do espaço, como alternativa para eventual outra visita do apreciador.

Melhor não mencionarmos a museografia, a organização do espaço desta Bienal. Nem há etiquetas dos autores dos trabalhos em suas proximidades. Talvez entendam os curadores que os folhetos com mapas impressos sejam suficientes... Não o são. Passa uma idéia de descaso para com o visitante, de falta de tempo para os "finalmente" do evento.

O que é o "espaço vazio" da Bienal? Prédios e habitações vazias em nossos tempos são um convite certo à "invasão". Se não ocorre "ocupação", vamos ocupá-los. Assim pensaram visitantes de um museu, cujo diretor, na década de 80, deixou o espaço vago para motivar a população, numa cidade no sul da França, a ocupá-lo com objetos e obras que traziam de casa. Mas acontece que hoje vivemos em tempos bem mais agressivos.

Colocar como alvo de admiração o espaço concebido por Niemeyer, e que usufruímos há mais de 50 anos, poderia ser projeto para uma Bienal de Arquitetura de São Paulo. Mas esta é a 28ª Bienal. Assim, não tem sentido, e mesmo a definição desse espaço pela curadoria parece-nos equivocada se não for de humor (?) dúbio (*). Assinala falta de idéia, de concepção, de tempo, de orçamento. Ou tudo junto. Se o desejado é a polêmica sobre a provocação, então o objetivo foi alcançado. Mas o "void", com certeza, é uma omissão. Nada tem de rebeldia. E se o curador da Bienal, Ivo Mesquita, aceitou os termos da presidência, as regras do jogo, quando aceitou, não se pode dizer apenas que "salvou" a Bienal por ter ela sido realizada em menos de um ano. Pode-se ser mais incisivo: dizer que ele "quebrou o galho" para a atual presidência. E certamente poderá até ser elaborado um catalogo bilíngüe pleno de textos sobre a filosofia da arte de nosso tempo.

Na verdade, há algo de cinismo murmurado, reconhecido e vivenciado no meio artístico contemporâneo. O conceitual é bem imaterial, mas aqueles que sobrevivem vendem, ou viajam a convite para expor suas criações. A própria crítica, as curadorias, a mídia, o sistema de galerias e museus, todos enfim contribuímos amplamente para esse fim, apesar do que se publica em vários países sobre esse fenômeno. Isso se deve ao fato de se escrever, em geral em literatura pouco acessível ou pedante, sobre obras sem nenhum ou parco valor, para um público reduzido que acredita erroneamente que quanto mais hermético mais elevado.

Mas é certo que a criação contemporânea é um instante de trânsito, entre o passado e o futuro, pois como prever qual será exatamente o tipo de expressão visual dentro em pouco com os avanços da nanotecnologia, da internet, do papel eletrônico ou da fotografia digital, que influenciarão várias formas de manifestação?

*No folheto distribuído ao público é definido esse espaço e sua concepção: "2.º andar: Planta Livre - Ao contrário das bienais anteriores, que transformaram todo o interior do pavilhão modernista em salas de exposição, desta vez o segundo andar está completamente aberto, revelando sua estrutura e oferecendo ao visitante uma experiência física da arquitetura do edifício. O termo ?planta livre? refere-se ao conceito criado por Le Corbusier, em 1926, para definir um dos cinco princípios da nova arquitetura."

Aracy Amaral é crítica e historiadora de arte

Este artigo foi publicado no estadão na sexta-Feira, 31 de Outubro de 2008
http://www.estadao.com.br/estadaodehoje/20081031/not_imp269905,0.php

28.ª Bienal de São Paulo - Em Vivo Contato. Fundação Bienal. Av. Pedro Álvares Cabral, s/n.º, Parque do Ibirapuera, portão 3, 5576-7600. 3.ª a dom., 10 h/ 22 h. Grátis. Até 6/12. site: www.28bienalsaopaulo.org.br

29ª BIENAL DE SÃO PAULO-EM VIVO CONTATO

2008-10-29T09:23:00.000-07:00

No ultimo domingo um grupo resolveu fazer uma intervenção no 1º andar da Bienal e essa ação acabou virando cas de polícia.Neste tópico do Arte Atual reuní algumas imagens e opniões(e também o link de onde eu encontrei essas info)para que possamos acompanhar e contribuir para o pensamento em relação a arte e seus realizadores.
Aqui vai a convocatória, seguida de tradução, e logo na sequencia comentários sobre o momento atual.

ATACK BIENAL 2008

Nada do que suposto o natural, a simbolica e singular Pixação Paulistana, espancar na tinta Galerias e Museus de Arte, transcendendo "ALÉM DO BEM E DO MAL", prestando seu papel aos "Confortaveis", contribuindo com a Arte e a Humanidade.

PROGRESSO

Espancaremos na Tinta a Bienal de Arte esse ano conhecida como Bienal do Vazio.

DIA - 26/12/2008 - Domingo LOCAL: Pq do Ibirapuera

PONTO DE ENCONTRO: Ponto de onibus em frente o "Detram"

HORARIO: 18:00 horas

Submeteremos e ao mesmo tempo protestaremos, resgatem frases pelo povo.
HUMANISMO.

"Contamos com a presença de todos os Pixadores"
"TODOS PELA PIXAÇÃO"

VEJA EM TAMANHO MAIOR / SEE LARGE SIZE: www.flickr.com/photos/choquephotos/show/with/2980665492/

Nesse site aqui está rolando uma discurssão bem interessante:
http://www.culturaemercado.com.br/post/intervencao-na-bienal-e-caso-de-policia/#comment-12656

Acabo de colocar um comment lá que está esperando aprovação.Anyway, aqui vai o que escrevi após ler a discurssão:

Puxa!
Eu estava me organizando para ir a São Paulo, principalmente para realizar uma ação, performance, intervenção nesse andar vazio da Bienal.Mas aí meus flatmates que estiveram em sampa para a mostra de cinema visitaram o pavilhão lá no domingo(neste momento histórico) e me falaram de suas impressões em relação a bienal.E mesmo achando que arte é algo complexo como política e religião(haha[) concordei com suas impressões mesmo sem ter estado lá.Desisti, meu traje de xilindró está na tinturaria huahua.

A idéia do vazio funciona muio bem no texto/proposta mas na prática só parece manter o que mais me intriga na tal arte contemporânea:
A arbitrariedade.
Abrir um vazio e querer que esse vazio fique vazio vazio e vazio é li-te-ral-men-te querer esvaziar o que existe, ou poderia existir, na relação entre arte e público
Como um dos colegas comentou acima:
Mais do que uma mera questão de pixação, estamos diante da agonia pública de uma das mais importantes instituições culturais do país.
Até entendo a vontade dos curadores, pessoas vividas viajadas e “rodadas” em arte, de querer “renovar” e questionar a contribuição das bienais mundo afora buuuuut esse “F5″(o botão que atualiza as janelas de navegação na internet) torna-se extremamente arbitrário quando essa tal arte contemporânea é uma arte para poucos.A impressão que se tem é que tanto e Recife, como no Rio de Janeiro, São Paulo…Paris, Nova Iorque a arte contemporanea é uma especie de clubinho nada misto, e nem mesmo amistoso!
Sempre mostrando o que quer, e fazendo qualquer coisa que quiser virar arte o artista contemporâneo(nesse inclui-se os curadores) se irrita e equivoca-se ao perceber a invasão, intromissão por parte da participação do público.
Todos já sabemos que usa-se muito a palavra “diálogo”( xavão nas justificativas de trabalhos de arte contempoklshcwofhuoihfurew!) em situaçõs e obras que não dialogam em nada!Agora é a vez do vazio.Acho que vai ser normal ouvir isso nos proximos encontros de “arte” contemporanea:
“eu resolvi criar um vazio entre a arte e o publico, mas um vazio meu.Só meu!”
“O vazio entre o publico e arte mostra a necessidade de matermos a distância entre o que nós artistas e curadores fazemos e o que a “geral” pode viiiir a pensaaaaar sobre o que vem a seeer a arte contemporânea”

Digo isso pq tem um moooonte de artistas que seguem a risca o que as bienais e grandes artistas curadores e exposições sugerem, ou ditam.Então preparem-se para mais uma geração “vazia” que surge paralemente a essa lista de pessoas que estão pensando e gerando pensamento público e democrático.
Vou até repetir a declaração de autoritarismo assinada pela curadoria:

“pedimos a gentileza de que os visitantes não venham com bolsas grandes (mochilas são guardadas obrigatoriamente), pois elas terão de ficar no guarda volumes. Todos os visitantes deverão passar por detectores de metal e, quando solicitados, poderão ser inquiridos sobre possíveis pertences metálicos que estejam portando. A 28ª Bienal de São Paulo estará aberta normalmente ao público, amanhã, terça-feira, a partir das 10h, sem qualquer alteração em sua programação.”

Quem está certinho certinho é o tom lisboa no primeiro comment dessa lista:
Eu acho que o VAZIO não tem que ser preenchido.
Por isso lancei a VAZIO Off Bienal.

Me too chuchu…tô fora!
(Ah!vou colocar o link desta discurssão no meu blog)
;)

Por favor visitem os links e participem.

Crítica de exposição-Black Is Beautiful

2008-09-24T03:03:00.000-07:00

DE NIEUWE KERK
Dam Square
AMSTERDAM

até 26 OUT 2008

Black is Beautiful é daqueles títulos que devido ao seu significado e força, merece de imediato a nossa atenção. Todavia, a exposição que o ostenta fica muito aquém da dimensão da homenagem que propõe fazer. É preciso relembrar que não estamos a falar da imensa riqueza cultural de Marrocos (para abrir um pouco as mentes de tantos movimentos anti-islâmicos surgidos nos Países Baixos) ou da descoberta dos tesouros de um dos países mais inóspitos do mundo, o Afeganistão. Ambos os temas estiveram também patentes em anteriores exposições na igreja De Nieuwe Kerk, na praça do Dam, em Amesterdão.

No entanto, tais temas prestavam-se a lugares íntimos e sagrados como este, que de sagrado já tem muito pouco, mas a celebração de uma cor de pele teria no mínimo que ser capaz de arrombar todo o quarteirão. Por ser fracturante, ou absolutamente fascinante, ou as duas coisas ao mesmo tempo. Pois esta exposição a decorrer até 26 de Outubro faz-nos sentir, ao contrário, mais um espírito de penumbra e fatalidade do que uma mudança profunda e rejuvenescedora. A iluminação escolhida favorece um ambiente fúnebre no deambulatório da igreja e como se não bastasse, ouve-se amiúde como música de fundo a banda sonora do filme Bleu de Krzysztof Kieslowski. Uma música sublime mas, inadequada para este contexto. Mas donde viria tal peso? Na capela-mor o narrador de um documentário dizia expressamente que se evitaram gravuras onde os negros eram postos a ridículo com o intuito de não chocar. Ora, isto dá que pensar! Se o holocausto tem que ser assumido por quem o vinculou com todas as suas amargas vertentes, muito mais terá a população branca que mostrar, encarar e superar de uma forma criativa esse passado que a todos nos toca. Da mesma forma, qualquer indivíduo negro não se poderá afastar de um passado que lhe pertence, que apesar de tudo sempre o soube transformar, nunca desistindo dos seus sonhos. Esta atitude enraizada numa mentalidade calvinista, ainda bem presente na sociedade holandesa releva-se muitas vezes mais um sinal de cobardia do que respeito pelo outro. Com o medo de chocar, escondem-se emoções e pensamentos fundando uma paz podre. Tendo por exemplo, o Museu da Diáspora Africana, em São Francisco; a verdade histórica é apresentada sem qualquer sentimento de pena. Assume-se a escravidão, a pobreza ou a deslocação forçada e celebra-se o presente e um futuro onde diversidade é cor e música de tambores. É ESPERANÇA!

Por esta razão, no meio dos olhares de gente que olha para a pintura de um negro como para um objecto dum gabinete de curiosidades; para além da minha amiga morena preta de Angola, apenas um senhor do Suriname se atreveu a entrar. Sobre as obras em específico, temos de Íris Kensmil a vertente mais politizada. A tela Zwarte Dagen foi baseada numa foto da filósofa negra Angela Davis sobre o movimento Associated Black Panthers e 12 memorial tablets expostos aqui e acolá nas colunas de uma das alas da igreja lamentavelmente de difícil leitura; prestam homenagem a Granny Nanny (heroína nacional da Jamaica); Maria Stewart, a primeira mulher negra defensora dos direitos das mulheres, ou do nacionalista surinamês Anton de Kom. Enquanto, Charlotte Scheiffert se refere à força das mulheres negras – super-vaidosas, super-fortes, super-mães –, o trabalho de Marlene Dumas é sem dúvida, o mais apelativo. São expostos 44 desenhos coloridos que são recortes de jornais, reproduções ou fotos transformadas de algo que anteriormente exprimia preconceito. O seu retrato de Nelson Mandela enquanto jovem, apenas um pouco antes de ser sentenciado a viver na prisão, tem como especial impacto o seu título, Would you trust this man with your daughter? O contraste entre o carisma desta figura mundial e a sua sentença diz tudo.

A limitação a que alguns se submetem e a flexibilidade doutros são representados a estilo de anedota por Îna van Zyl. Ela construiu uma banda desenhada onde uma patroa pergunta numa vinheta: “Rosália, Rosa, qual é o teu verdadeiro nome?”, ao qual a criada negra responde “O meu verdadeiro nome é Rosa ou Nonceba”. Do movimento COBRA foi Anton Rooskens quem mais se inspirou nos temas africanos devido às suas expedições ao Congo e ao Uganda. E de Karel Appel temos numa das vitrinas, um retrato de um negro (1945) sugerindo em toda a sua força expressionista o jazz, que como música originária da comunidade negra americana, era uma clara contestação aos nazis que ainda então ocupavam a Holanda.

Do início do séc. XX, dois quadros de Jan Sluijters representando um negro e uma negra foram concebidos segundo um elevado estudo sobre a cor mas, talvez ainda mais interessantes sejam duas outras telas de Isaac Isräels. Negerbokser retrata Battling Siki, o primeiro boxeur negro a actuar nos Países Baixos, num brilhante jogo de contrastes luminosos sobre a sua pele. É de especial interesse igualmente, a maneira como captou o vigor das danças guerreiras dos Ashanti, onde se sente a pujança dos seus saltos.

Esta exposição destaca-se ainda pelas obras de Rubens, das representações do Rei Mago Baltazar (uma das primeiras representações de figuras negras na história da pintura), dos meninos negros como criados de senhoras nobres ou das obras de grande interesse histórico sobre a colonização holandesa no estado brasileiro de Pernambuco. Muito interessante! Pena que o registo geral da exposição seja como uma pintura de Frans Post, sobre a fábrica de açúcar: não se trata de uma reprodução realista mas, de uma peça decorativa onde os traços da senzala se tornam unicamente numa paisagem idílica. Tal atitude existiu e tem que ser mostrada…, porém na mesma medida, em que a infâmia no pleno da sua crueldade foi também retratada e que aqui se procurou ocultar.

Nuno Lourenço

Estão abertas as inscrições, até 29 de setembro de 2008, para o Programa Nacional de Bolsas da Funarte, que vai distribuir cem bolsas de R$ 30 mil a a

2008-09-22T15:35:00.001-07:00

Funarte distribui cem bolsas de estímulo à criação e à reflexão crítica sobre as artes

Com formato inovador, o programa viabiliza a produção de obras e estudos em artes visuais, música, artes cênicas e literatura.

Segundo o presidente da Funarte, Celso Frateschi, as bolsas garantem condições materiais para o desenvolvimento do projeto e possibilitam a dedicação exclusiva do bolsista. "Isso favorece a profissionalização do setor e o aprofundamento do trabalho artístico", explica.

Os contemplados receberão as bolsas em três parcelas e terão seis meses para executar seus projetos. O edital prevê que todas as regiões do país sejam atendidas, em um esforço de descentralização dos recursos da fundação, de acordo com as diretrizes do Ministério da Cultura. O investimento total da Funarte no programa é de R$ 3,7 milhões.

As BOLSAS DE ESTÍMULO À CRIAÇÃO ARTÍSTICA serão destinadas a projetos de criação e pesquisa de linguagens nas áreas de 'artes visuais', 'literatura', 'dança', 'dramaturgia', 'fotografia', 'música popular' e 'música erudita'. Serão concedidas duas bolsas para cada uma dessas categorias em cada região do país, totalizando setenta bolsas. Os artistas e profissionais contemplados deverão desenvolver trabalhos inéditos, com o objetivo de ampliar a produção e a difusão das artes no Brasil.

Além de fomentar a produção, a Funarte busca, com as BOLSAS DE ESTÍMULO À PRODUÇÃO CRÍTICA EM ARTES, estimular a reflexão sobre as manifestações artísticas contemporâneas. Críticos, pesquisadores, artistas, professores, estudantes e outros profissionais das artes podem inscrever seus projetos nas categorias 'artes visuais', 'dança', 'música', 'teatro', 'interfaces dos conteúdos artísticos e culturas populares' e 'conteúdos artísticos em mídias digitais/internet'. Será concedida uma bolsa para cada uma destas categorias em cada região brasileira.

Celso Frateschi afirma que a Funarte quer contribuir para a produção intelectual sobre artes visuais, música e artes cênicas, além de investir em fotografia, literatura e mídias digitais. "Pretendemos também ampliar a discussão em todo o país sobre cultura popular, não em seu sentido mais genérico, mas no que diz respeito às manifestações artísticas populares brasileiras", define.

Os interessados devem enviar à Funarte seu projeto, acompanhado de currículo e ficha de inscrição, somente pelos correios, até 29 de setembro de 2008. As propostas aptas a concorrer às bolsas serão julgadas por comissões formadas por profissionais de notório saber em cada uma das categorias, de todas as regiões do país.

BOLSAS FUNARTE DE ESTÍMULO
À CRIAÇÃO ARTÍSTICA

>> Edital
>> Ficha de inscrição
>> Modelo de contrato

CATEGORIAS
Artes visuais
Desenvolvimento de projetos de criação individual nos segmentos que compõem as Artes Visuais contemporâneas, resultando em ações, obras ou processos inéditos para apresentação ou exposição pública.
Mais informações: bolsaartesvisuais@funarte.gov.br

Criação literária
Desenvolvimento de projetos de criação literária individual nos gêneros lírico e narrativo (conto, crônica, novela, poesia, romance), resultando em obras inéditas para publicação ou divulgação pública.
Mais informações: cepin@funarte.gov.br

Dança (coreografia)
Desenvolvimento de projetos de criação coreográfica individual para espetáculo em dança contemporânea, resultando em obras inéditas para montagem ou divulgação pública.
Mais informações: editaisdanca@funarte.gov.br

Dramaturgia
Desenvolvimento de projetos de criação dramatúrgica individual para teatro adulto ou teatro para infância e juventude, resultando em obras inéditas para montagem ou divulgação pública.
Mais informações: editaisteatro@funarte.gov.br

Fotografia
Desenvolvimento de projetos de criação fotográfica individual nos segmentos que compõem a Fotografia contemporânea, resultando em ações, obras ou processos inéditos para apresentação ou exposição pública.
Mais informações: bolsafotografia@funarte.gov.br

Música (composição erudita)
Desenvolvimento de projetos de criação e composição em Música Erudita para orquestra sinfônica, orquestra de câmara ou quartetos, entre outras formações, resultando em obras instrumentais inéditas para apresentação pública.
Mais informações: comus@funarte.gov.br

Música (composição popular)
Desenvolvimento de projetos de criação e composição em Música Popular em seus diversos gêneros, resultando em obras inéditas para apresentação pública.
Mais informações: comus@funarte.gov.br

BOLSAS FUNARTE DE ESTÍMULO
À PRODUÇÃO CRÍTICA EM ARTES

>> Edital
>> Ficha de inscrição
>> Modelo de contrato

CATEGORIAS
Artes visuais
Reflexão crítica sobre atividades ou processos, artistas, grupos de artistas ou instituições, nos segmentos que compõem as artes visuais contemporâneas no Brasil.
Mais informações: bolsacriticaartesvisuais@funarte.gov.br

Dança
Reflexão crítica sobre atividades ou processos, artistas, grupos de dança, coreógrafos ou instituições, nos segmentos que compõem as manifestações em dança contemporânea no Brasil.
Mais informações: editaisdanca@funarte.gov.br

Música
Reflexão crítica sobre atividades ou processos, artistas, compositores, grupos de música ou instituições, nos segmentos que compõem as manifestações em música contemporânea, tanto no campo popular como no erudito.
Mais informações: comus@funarte.gov.br

Teatro
Reflexão crítica sobre atividades ou processos, artistas, diretores, grupos teatrais ou instituições, nos segmentos que compõem as manifestações teatrais contemporâneas no Brasil.
Mais informações: editaisteatro@funarte.gov.br

Interfaces dos conteúdos artísticos e culturas populares
Reflexão crítica sobre atividades ou processos, artistas, grupos ou instituições, nos diversos segmentos que compõem as manifestações artísticas contemporâneas, onde possam ser identificados e reconhecidos diálogos ou referências concretas com expressões, artistas ou processos históricos da chamada cultura popular.
Mais informações: cepin@funarte.gov.br

Conteúdos artísticos em mídias digitais/internet
Reflexão crítica sobre atividades ou processos, artistas, grupos ou instituições, nos diversos segmentos que compõem as manifestações artísticas contemporâneas, onde possam ser identificados e reconhecidos diálogos, experiências, produtos ou referências concretas nas chamadas mídias digitais, de comunicação ou na veiculação ou difusão por meio da Internet.
Mais informações: cepin@funarte.gov.br

Arte Atual- Isabela Prado.Trajetórias 2008-Fundação Joaquim Nabuco Visitação: de 08/08 a 14/09/2008,

2008-08-17T09:04:00.000-07:00

Anamneses do corpo

Por Maria do Carmo Nino, Coordenadora de Artes Plásticas da Fundaj e curadora do Projeto Trajetórias

“O meu olhar é nítido como um girassol”.
Fernando Pessoa

Ordinariamente nossa experiência no espaço se dá de tal maneira que não passa pela nossa consciência que ele é o elemento no qual estamos imersos. Assim, o espaço em torno de nós se torna de certa forma tão invisível quanto o espaço em nós. Com recursos simples e de maneira direta, Isabela Prado nos estimula para o descobrimento de um espaço humanizado fora da lógica regida por convenções habituais. Na instalação interativa intitulada A 1:57 m, desde que tenhamos uma altura superior à indicada, de modo que nossa cabeça fique acima dos elásticos estendidos de ponta a ponta na sala, somos confrontados com uma curiosa experiência espacial onde o piso se vê visualmente em parte obliterado, provocando uma certa sensação de desterramento, de perda do chão. Em situação diversa, se tivermos a altura menor ou igual à da artista, a perda da referencialidade parcial do teto vem acompanhada de uma sensação que será a de exigüidade do espaço, causando um certo desconforto. Tudo se passa como se esta obra provocasse uma abundância de sensações do espaço e de sua consciência para nós, onde o exterior / interior e o alto / baixo tornam-se limites momentaneamente inoperantes. Como conseqüência, toda a nossa experiência interior se revela como realidade exterior através de um lugar situado fora de nós mesmos, suscitando necessariamente várias impressões, que podem ter contornos mais lúdicos, indo até uma reflexão mais interiorizada sobre isolamento ou sobre ponto de vista, tanto no sentido espacial, como no ‘sentimento a respeito de algo’.

O vídeo Aguapé apresenta em sua extrema simplicidade um deslocamento em relação à direção da força gravitacional ao qual nosso próprio corpo é submetido, mas que nossa percepção, habituada aos inúmeros locais de onde se dão as narrativas presumivelmente assumidas pela câmara em cinema e em vídeo, logo apreende. Este enquadramento permite que compactuemos com a artista a percepção do exato lugar a partir de onde a ação se conta, como se fôssemos uma extensão de seu próprio corpo.

Na medida, porém em que o vídeo se desenrola, a nossa reflexão assume também uma outra perspectiva, ao deparar-se com a contínua ação da água sobre a areia, moldando-a, agindo sobre a sensação de equilíbrio do (nosso) corpo. Somos assim gradualmente convidados a agregar valores significantes à repetição em ritmo cíclico, à ritualização, ao cotidiano, à duração, à memória: um corpo que, para resistir e permanecer de pé, precisa adaptar-se às novas conformações do terreno.

Em Cebola, mais uma vez a perspectiva do enquadramento é cuidadosamente abordada de maneira a que nossa percepção seja solicitada em termos de consciência de onde se dá a narrativa, porém, contrariamente ao outro vídeo, vemo-nos colocados principalmente na posição de observadores, onde o anteparo transparente através do qual se percebe a ação funciona como um desdobramento da própria lente da câmara, enfatizando a distância.

Na medida em que ação acontece e perdemos o contato visual com o que e quem está por trás do anteparo, um isolamento se estabelece e mais uma vez somos incitados a mergulhar no universo da nossa própria memória, do cotidiano, do ritual impregnado na repetição dos gestos que deixam marcas na superfície, tingindo-a de branco, uma cor que favorece o processo de interiorização e que remete à espiritualidade, além de ter recorrência no percurso da artista.

Textura, cheiro e sabor de performance coletiva no Murilo La Geca.

2008-08-07T10:23:00.000-07:00

Em Recife museu Murilo La Greca vem implementando interessantes propostas em suas atividades, pautas.A começar pelo edital "AMPLIFICADORES" que a cada ano seleciona propostas curatoriais de exposiçoes coletivas onde o propositor/curador tb pode ser um dos artistas a expor na mesma.Ou seja um momento singular onde tanto o curador tradicional pode continuar a fazer seu trabalho(não é obrigada a participação deste como artista) como também dá cabo das multifunções que um "artista etc" assume, resolve cumprir.E agora me surprende mais uma vez.Que bom!
Já em sua segunda edição o Projeto Cardápio "O projeto reune artistas interessados na relação que o alimento desencadeia na vida das pessoas. O ato de comer inaugurando sensações e percepções num ritual elaborado por esses artistas, trazendo esta experiência diária para o campo das artes" diz Beth da Mata(diretora da instituição).

Além da coordenação do projeto serão desenvolvidos cardápios com ilustrações, textos e imagens para cada encontro ao longo de 2008. Dois artistas selecionados convidam mais um para completar o menu que se compõe por: entrada, prato principal e sobremesa.

Todo mundo já deve ter ouvido que cozinhar é uma arte, mas nesse caso é só o pretexto para que a arte aconteca de maneira natural e despretenciosa .Uma legítima performance coletiva, "ao vivo" como poderia afirmar cristiano lenhardt

ESPAÇO ASIÁTICO: OUTROS CENTROS, OUTRAS VISIBILIDADES?

2008-07-20T12:29:00.000-07:00

O carácter transversal dos fenómenos globais tem esbatido o fosso entre culturas, trazendo para o centro das atenções, embora com diferentes intensidades, zonas que se encontravam arredadas dos núcleos centrais. A problematização (quase banalização) em torno dos binómios local/global e centro/periferia tem vindo a desmistificar o papel preponderante do eixo euro-americano, sem que isso implique um decréscimo da importância do seu posicionamento. O significado de tal desmistificação reflecte-se antes na possibilidade de outros contextos poderem partilhar a visibilidade outrora reservada aos tradicionais centros culturais. Para lá dos constrangimentos que possam persistir em qualquer contexto, a zona da Ásia Pacífico tem renovado determinados processos práticos e teóricos. O crescimento económico chegou com grande força através do Japão, tendo-se alargado a Hong Kong, Taiwan, Coreia do Sul, Singapura e posteriormente à China e à Índia. Pelo rumo da liberalização económica, e com as relações de distância e proximidade geradas pela competitividade, os países asiáticos, nomeadamente os do Extremo Oriente, procuram um lugar de destaque dentro do próprio contexto. A descentralização expandiu-se ao domínio cultural, suscitando novas abordagens artísticas e curatoriais, que têm vindo a ampliar um trabalho de pesquisa e auto-conhecimento. Neste sentido, tais abordagens constituem um núcleo múltiplo de interface artístico com um novo relevo no plano internacional.

A primeira fase dinâmica ocorreu logo no início dos anos noventa, coincidindo com uma conjuntura global vulnerável às transformações sociais e políticas, como o indiciam a abertura económica da China, o fim do modelo comunista/marxista da U.R.S.S., a queda do muro de Berlim e o massacre de Tiananmen, ambos em 1989. A arte contemporânea era então um campo desconhecido para a maioria dos públicos das cidades asiáticas, assim como era praticamente nulo o apoio à educação e à divulgação artística por parte do Estado. O estabelecimento de museus e centros de arte contemporânea em algumas cidades é bastante recente. Muitos deles adoptaram as siglas de museus ocidentais – um direito compreensível mas que não deixa de constituir um aspecto curioso tendo em conta que os conceitos de moderno e contemporâneo assumem contornos muito próprios nos diversos contextos e na programação dos museus.

O impulso artístico deve-se sobretudo ao despontar de espaços alternativos e ao apoio de mecenas privados. Dirigidos maioritariamente por artistas e jovens curadores, os espaços não foram constituídos de forma simultânea ou linear. Embora dependendo da heterogeneidade de cada cidade, perspectivaram objectivos idênticos quanto à experimentação e à ligação em rede para a construção de estratégias comuns, em locais onde as políticas culturais eram deficientes. Hong Kong e Pequim foram as primeiras cidades onde apareceram espaços dedicados à experimentação artística. A partir de 1998/99 outras cidades seguiram os seus passos: Seoul (SSamziespace, IIju Art House, Insa Art Center, Project Space Sarubia, Pool, Loop), Manila (Big SkyMind), Singapura (Plastique Kinetic Worms, The Artists Village), Tóquio (Ichi Ikeda Art Project), Cantão (Libreria Borges, Vitamin Creative Space, Big Tail Elephants, Yangjiang Group, U-thèque), Macau (Ox- Warehouse), Taipé (Whashang Art District, Bamboo Curtain Studio20), Xangai (Island6), Pequim (Loft New Media Art, Art Gas Station, Warehouse, Xray Art Center) e Hong-Kong (Cattle Depot Artist Village - 1aspace, Artist Comune e Videotage -, Fringe Club, Para/Site Art Space, Zuni Icosahedron).

Embora este género de espaços contribuisse inquestionavelmente para as dinâmicas culturais locais, a sua continuidade via-se constantemente ameaçada por diversos problemas subjacentes à organização de cada cidade. Por exemplo, no caso de Hong Kong, as dificuldades residiam na especulação imobiliária entre os sectores público e privado, dando azo a que os espaços mudassem sistematicamente de lugar. No caso de Pequim, para além deste problema em comum, assistiu-se também a um fosso entre a comunidade artística e os organismos do poder, que originou o encerramento de alguns espaços. A sua sobrevivência sempre dependeu por isso da conjuntura interna. Este cenário só foi alterado quando o trabalho desenvolvido pelos espaços alternativos começou a ganhar contornos que lhes permitiu ter algum relevo e reconhecimento. Cada espaço é um caso particular mas, de uma forma geral e progressiva, a maioria conseguiu cativar o interesse do público, obtendo mesmo cooperações do Estado a curto e médio prazo. Tal facto é um prenúncio de que os governos das cidades se tentam reajustar às novas circunstâncias, ainda que de modo inconstante e moroso. Presentemente, o âmbito de desempenho dos espaços é múltiplo, abrangendo as artes visuais e performativas (teatro experimental e dança), net-art, cinema documental, música, multimédia, design, publicações e organização de conferências. A linha programática é igualmente diversa, privilegiando a divulgação de nomes emergentes, focando-se na residência de artistas, no intercâmbio com outros países ou na aproximação à comunidade. Por isso mesmo o significado de “alternativo” no contexto asiático sempre se traduziu numa atitude de empenho e demanda. As acções do-it-yourself (DIY) fazem parte da postura do artista como algo natural, alargando-se previsivelmente ao trabalho curatorial. Circunscritos a contextos que foram desde sempre instáveis para as práticas artísticas, muitos procuraram experiências profissionais em países estrangeiros.

A segunda fase chegou no rescaldo da crise asiática de 1997-99, sensivelmente a partir de 2001, com a constituição de pólos museológicos, com o aumento de trienais e bienais, feiras de arte, com o deslocamento de curadores ocidentais para esta parte do mundo e de curadores asiáticos para o cenário ocidental. O dinamismo suscitou uma outra vaga de diálogos entre curadores e teóricos de diversas áreas para negociar novas formas de interculturalidade. Os campos de discussão cruzam locais e abordagens, integrando um leque de assuntos que vai desde o papel do Museu de Arte Contemporânea e do curador, passando pelos modelos expositivos e pelas políticas culturais, até aos valores asiáticos e ocidentais. No pano de fundo dos encontros culturais sente-se uma inquietação relativamente à renovada posição asiática e à sua ligação com os países ocidentais. A inquietação não consegue evitar um tom pendular entre o paternalismo do Ocidente, que se quer redimir pelos erros cometidos, e a desconstrução de conceitos que despertaram sentimentos antagónicos relativamente ao mundo ocidental. Não é fácil estabelecer vínculos transnacionais entre contextos com características tão diferentes mas, de certo modo, alguns debates tendem a ser repetitivos focando questões que deviam estar já ultrapassadas. Os “valores asiáticos” são significantes emocionais defendidos pelas camadas políticas de alguns países face à hegemonia do mundo ocidental enquanto poder colonizador. Segundo Amartya Sen, a exortação de tais valores provém geralmente de ambiguidades políticas internas que surgem para justificar o autoritarismo. Existe de facto uma atitude de “triunfalismo”; frases como “estamos finalmente centrados” fazem já parte da consciência asiática. Tal como a Europa, os países asiáticos partilham alianças, histórias e objectivos entre si. Constituem-se efectivamente micro e macro-regiões, onde se reivindicam outras posições. É plausível que nos diferentes cenários cresçam sentimentos nacionalistas (no sentido mais negativo do termo) e intolerâncias civilizacionais que infelizmente se revelam um pouco por toda a parte.

A importância que a Ásia assumiu é tão irrefutável, quanto é complexa a sua estrutura. A própria expressão “Ásia” não deixa de conter uma conotação abstracta quando olhamos a diversidade que a caracteriza. Entre outros aspectos, está aqui implícito o facto de o seu desenvolvimento económico e cultural não ter sido homogéneo. Neste sentido, a China apresenta-se como um paradigma de sucesso, o que obviamente não a exime de algumas problemáticas que transporta consigo. A visibilidade que a arte contemporânea chinesa conquistou durante as últimas décadas foi integralmente granjeada via circuito internacional. São vários os factores que contribuíram para a situação mas, entre eles, destacam-se dois: por um lado, a enorme receptividade por parte do mundo ocidental, sintoma da curiosidade por culturas não ocidentais, por outro lado, a inexistência a nível local de um ambiente propício à criação e à produção artística, que deu origem à emigração de muitos artistas. A arte contemporânea era observada como algo a recear, considerada subversiva e os artistas eram perseguidos se o conteúdo da sua obra fosse lesivo ao poder. Os poucos espaços alternativos que existiam eram os únicos sítios onde podiam expor os seus trabalhos.

O panorama mudou quando as obras compradas pelos coleccionadores e museus começaram atingir valores astronómicos. De qualquer forma, os apoios das instituições públicas chinesas continuam a ser uma realidade ambígua e delicada com que se tem de lidar a nível interno. Entretanto os artistas chineses têm adoptado atitudes contraditórias face ao próprio sucesso: ora assumem uma postura crítica quanto ao apetite excessivo dos países ocidentais pela conjuntura chinesa, mais do que pelo processo artístico; ora aderem totalmente ao sistema, procurando incluir na sua linguagem elementos que vão de encontro às expectativas do público; há outros que optam ainda pela discrição mantendo a sua linguagem artística distante do mainstream. Apesar de todos os benefícios que trouxe num curto espaço de tempo, o interesse gerou um “novo exotismo” obcecado pela diferença cultural, que é continuamente alimentado pelo mercado artístico. Com a especulação a que estão sujeitas, as obras correm o risco de se transformarem num produto massificado muito dependente das lógicas do mercado e dos públicos. Num momento em que proliferam as exposições de arte contemporânea chinesa – que chegam a incluir retrospectivas em museus ocidentais de renome internacional, ou semanas inteiras dedicadas ao tema – parece-me conveniente fazer uma pausa para pensar sobre este mediatismo e sobre o que ele traz de positivo e negativo para os artistas.

O protagonismo chinês foi uma das razões que me levou a investigar in situ as reacções locais a este fenómeno. Directamente ligada a esta, a segunda razão prende-se com a grande heterogeneidade do contexto chinês. Ainda que partilhem uma tradição cultural com o continente, as cidades do Sul da China (Hong Kong, Cantão, Macau e Taiwan na sua condição particular) construíram realidades linguísticas, políticas e sociais diferentes. É ponto assente que os artistas transportam experiências e linguagens que extrapolam os limites regionais. Mas também é um facto que as especificidades locais fazem parte da sua existência enquanto processo dinâmico, não devendo ser escamoteadas. Conhecer o tipo de elo que as diferentes comunidades mantêm (ou não) entre o presente e o passado recente, seja um passado colonial ou um regime autoritário, revela-se necessário para compreender determinados percursos artísticos. A permeabilidade linguística é uma prerrogativa tão vincada nas realidades chinesas que, dependendo do envolvimento com cada local, assume diferentes intensidades e, excedendo a sua condição real, é eleita pelos artistas como referente e como estratégia de abordagem a essa ligação com o passado. O mesmo se passa com as particularidades urbanas, cada vez mais apontadas como uma extensão relacional dos processos artísticos que entrecruzam o quotidiano, as artes visuais e a curadoria.

As comunidades artísticas de Hong Kong, Cantão e Taiwan, apesar de bastante activas, não partilham o sucesso chinês. A sua posição é pouco debatida internacionalmente, como é pouco conhecido um certo ressentimento induzido por esse sucesso alheio, que provoca ainda a destabilização dos mercados artísticos internos. Artistas e curadores de Hong Kong e Taiwan contemplam o sucesso chinês através do diálogo entre si: «Ambos, Hong Kong e Taiwan representam a sociedade chinesa, altamente modernizada. Todavia, a China, como continente, vê chegado o seu momento, no seu desenvolvimento económico, bem como na sua importância em diferentes plataformas mundiais (…) Hong Kong e Taiwan estão a entrar cada vez mais em desequilíbrio. Os aspectos económicos, culturais e políticos produziram imensas tensões e impasses. Mesmo na cena da arte contemporânea, à medida que a arte chinesa conquista a ribalta internacional, os artistas de Hong Kong e de Taiwan são marginalizados. Ao lidar com o perfil comum e divisionário da prática artística contemporânea face a tal situação, o projecto aspira evocar um novo paradigma discursivo que possa restaurar a plataforma da nossa própria subjectividade, de modo a participar no mundo global.»(1)

O press release da exposição “A Realm With No Coordinates”, um projecto de parceria entre as duas comunidades realizado em 2006, revela bem o tom ressentido que despertou localmente. O projecto entende que um cruzamento entre realidades criativas diferentes pode alterar um aspecto comum a ambos os territórios, isto é, pode ajudar a ultrapassar posicionamentos discretos capazes de desfrutarem também do relevo internacional. O discurso de “união de forças” pelo qual optaram não será a solução para ultrapassarem a sua existência discreta, sobretudo quando ela nem sempre se pauta pela qualidade das obras ou pela criatividade. O sucesso chinês deriva de uma série de circunstâncias externas e internas às quais não são alheias as trajectórias históricas e as contradições do mundo contemporâneo. O talento criativo deveria ser suficiente para garantir o desejo incondicional de todo o artista de ver reconhecido o seu trabalho. Obviamente não o é. Os critérios de inclusão, circulação e recepção das obras continuarão a ser condicionados por mecanismos inconstantes próprios do mundo artístico.

Os próximos textos são fruto do diálogo estabelecido com as comunidades artísticas de Hong Kong, Macau, Xangai e Pequim que, embora diferentes entre si, não deixam de compartir problemáticas semelhantes. Ao longo da investigação várias questões foram surgindo: Que ligações se estabelecem entre as várias comunidades chinesas e a China continental? Será legítimo falar de diferenças culturais e identitárias em relação a estes contextos? De que especificidades se revestem estas diferenças? Como é observado o internacionalismo da arte chinesa na própria China, e como encontramos o seu panorama artístico em cidades como Xangai e Pequim? Como se desenvolvem as estruturas da arte contemporânea em termos de instituições, espaços e mercado interno? Que apoios existem para os artistas e para a arte contemporânea nos diferentes sistemas chineses?

A proximidade possibilita uma outra percepção de realidades que a distância geralmente desvirtua. Nesta proximidade nem tudo é claro, simples ou acessível. Pelo contrário, a estranheza que nos suscita um lugar distante da nossa realidade cultural nunca é totalmente ultrapassada. Mas esse sentimento, que na China toma proporções sinuosas e intensas, faz parte de um extraordinário processo de aculturação que não deixa ninguém indiferente.

Sandra Lourenço