Imperdível!

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Festival de vídeo de pernambuco-Inscricões abertas

Inscrições abertas no Cinema do Parque ou pelos correios;
Cada diretor pode inscrever até dois vídeos por cada mostra: geral e universitária

Art. 2º - Os prêmios serão atribuídos nas seguintes categorias:

I - MOSTRA GERAL:

a) Documentário;

b) Vídeo-Clipe;

c) Ficção;

d) Experimental;

e) Animação;

II - MOSTRA UNIVERSITÁRIA:

a)Documentário

b)Ficção

c)Animação

...

Art. 7º - As inscrições para a Mostra Competitiva deverão ser realizadas pelos concorrentes, entre o período de 13 a 16 de outubro de 2009, pelos correios – via sedex – ou pessoalmente, no horário e expediente do Serviço Público Municipal, no endereço abaixo indicado:

Teatro do Parque

Gerencia Operacional de Audiovisual

Rua do Hospício, 81 - Boa Vista - Recife/PE

CEP: 50060-080 - Fone: 81- 3232.1556

Parágrafo Primeiro - O Regulamento da Mostra Competitiva poderá ser obtido a partir do dia28 de setembro de 2009, na Internet, nos endereçoshttp://www.fundarpe.pe.gov.br(Fundação do Patrimônio Histórico e Artístico do Estado de Pernambuco) ouhttp://www.recife.pe.gov.br (Prefeitura da Cidade do Recife).

Parágrafo Segundo - Para os concorrentes que optarem por fazer sua inscrição pelos correios, será admitido pedido de inscrição via Sedex, postado até o último dia estabelecido para as inscrições – 16 de outubro de 2009 -, dirigido diretamente à Fundação do Patrimônio Histórico e Artístico do Estado de Pernambuco no endereço abaixo indicado:

Fundação do Patrimônio Histórico e Artístico do Estado de Pernambuco

Coordenadoria do Audiovisual

Ref.: 11º Festival de Vídeo de Pernambuco

Rua da Aurora, nº 463/469 - Boa Vista - Recife/ PE

CEP: 50.050-000

...

Art. 8º - Os concorrentes – pessoas físicas ou jurídicas - deverão apresentar seus respectivos pedidos de inscrições em um envelope lacrado, contendo:

I – três cópias de cada vídeo em DVD, todos com capas e devidamente identificados;

II – duas cópias impressas da ficha de inscrição, totalmente preenchidas, de acordo com modelo anexo;

III – Um CD de divulgação do Vídeo inscrito contendo:

a) 03 (três) fotos de divulgação com mínimo de 300 DPI sem interpolação,

b) sinopse do filme (com máximo de 05 linhas – fonte Arial - corpo 12)

c) ficha técnica (contendo no mínimo: direção:/produção:/fotografia:/ edição:/empresa produtora: /e-mail:)

d) Cópia da ficha de inscrição totalmente preenchida.

Parágrafo Primeiro – A apresentação do DVD com erro de leitura implicará na desclassificação do vídeo inscrito ainda na fase de pré-análise.

Parágrafo Segundo - Serão aceitos releases, cartazes e qualquer outro material que permita a melhor divulgação do vídeo

A boca está aberta!

Está aberto o edital para a edição 2009 da revista que faz um mapeamento da produção contemporânea brasileira das artes visuais.

Boca. Uma revista sem palavras.

Mais uma vez, a produção contemporânea de artes visuais do país ganha espaço em Pernambuco. Estão abertas as inscrições para o edital da Revista Boca, que chega em 2009 ao segundo número para instigar a reflexão sobre a cultura visual. Idealizada pelos designers Lucídio Leão, Rodrigo Sushi, Sebba Cavalcante e pela artista plástica Bruna Pedrosa, a Boca recebe a partir deste ano a produção, edição e distribuição do Grupo Paés.

A Boca é uma revista de matérias visuais, sem texto, composta por trabalhos de colaboradores. Por isso, a Boca está aberta para quem ilustra, tatua, grafita, fotografa e para quem mais se expressa visualmente. Iniciativa pioneira, a Boca é um canal de divulgação, e também um suporte para onde artistas possam criar com exclusividade.

As propostas, com tema livre, deverão ser enviadas até o dia 14 de agosto de 2009, armazenadas em CD ou DVD. A Boca não cobra nenhuma taxa de participação, como também não paga pelas obras publicadas. O autor, caso selecionado, além de ver seus trabalhos publicados e receber cinco exemplares da revista, terá em mãos um suporte que já ganhou, no primeiro número, reconhecimento de qualidade editorial e gráfica.

As colaborações deverão ser entregues no escritório do Grupo Paés. Os trabalhos também podem ser enviados pelos Correios. Nesse caso, será considerada a data da postagem. O regulamento e dicas com a melhor maneira de fechar os arquivos estão disponíveis no http://www.revistaboca.org/.

Boca 2009
Para esta segunda edição, o núcleo editor da revista selecionará até 46 trabalhos para suas 96 páginas. Cada um deles terá de uma até três páginas duplas na publicação, com tiragem de mil exemplares.
A revista será rodada em formato 23 X 30 cm, colorida e em papel offset. A impressão conta com a tecnologia e qualidade da Companhia Editora de Pernambuco – Cepe.

Após os três anos de adormecimento para renovação do projeto, a revista reaparece no mercado em publicações anuais. Em 2009, ganha fôlego com apoio do Fundo Pernambucano de Incentivo à Cultura (Funcultura). Outra mudança é que, além de uma pequena distribuição gratuita, a segunda edição da Boca poderá ser encontrada em lojas especializadas de todo o Brasil. Para isso, encontra junto ao Grupo Paés parceiros de divulgação em vários estados, como São Paulo, Rio de Janeiro, Porto Alegre, Salvador
e países como Espanha e França.

Assim, espera-se que a Boca aumente o número de inscritos, sem contar com os trabalhos que não foram selecionados para a primeira edição, já considerados reinscritos pela curadoria. Na primeira edição, em 2006, foram mais de 300. Dessas, 33 entraram na Boca, que contou tanto com artistas iniciantes, como de renome nacional.

A Boca está aberta.


SERVIÇO
Incrições até 14 de agosto de 2009

Grupo Paés/Revista Boca
Rua José Bonifácio, 205 sala 204,
Madalena Recife – PE
CEP 50.710-000

http://www.revistaboca.org/
+55 81 3445.4869

Informações atualizadas
e imagens para download,
no site http://www.revistaboca.org/

pra notícias fresquinhas no twitter: www.twitter.com/boca2009pra comunidade do orkut, procurar: BOCA_

PARANGOLÉ DE MUITOS (Manifestacao)

Pessoas, o Centro Cultural Hélio Oiticica no Rio de Janeiro, ficou fechado algum tempo por pepinos administrativos e vai reabrir com uma manifestação. Segue:
[ PARANGOLÉ DE MUITOS ](Rio de Janeiro)

O IMAGINARIO PERIFÉRICO, a EBAUFRJ, a ECOUFRJ, a UNIVERSIDADE NÔMADE e o PROJETO HÉLIO OITICICA, convocam todos os artistas interessados a participar da manifestação PRÓ Hélio Oiticica a fazerem seus parangolés conforme instrução abaixo e se juntarem a esse corpo coletivo pedindo a permanência da obra de HO no Centro de Arte que leva seu nome.

23Maio - 15H - SEXTA
Rua Luís de Camões 68 Centro Rio de de Janeiro [Em frente ao Centro de Arte Hélio Oiticica]
Video-performances do Imaginário Periférico na obra Rodislândia no Centro H.O.

Treme terra de Aderbal Axogum

Nimbo Oxalá de Ronald Duarte

Chapéu Panorâmico de Romano

Musa Paradisíaca de BobN

Venha e faça você mesmo seu Parangolé. Leia [abaixo] a proposição de Hélio Oiticica e entre nessa onda.

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hélio oiticica 1968

INSTRUÇÕES para feitura-performance de CAPAS FEITAS NO CORPO
1- cada extensão de pano deve medir 3 metros de comprimento.

2- o pano não deve ser cortado durante a feitura da capa, de modo a manter a estrutura extensão-extensão o como base viva da capa.
3- alfinetes de fralda devem ser usados para a construção da capa, que será depois cosida.

4- a estrutura da capa construída no corpo deve ser improvisada pelo participador; se a ajuda de outros participadores vier a calhar, ótimo; a estrutura deve ser construída em grupo em cada corpo participante, e feita de modo a ser retirada sem destruir, como uma roupa.

5- um grupo pode construir uma capa para várias pessoas, numa espécie de manifestação coletiva ao ar livre.

6- o uso de dança e/ou performances criadas por outros indivíduos é essencial à ambientação dessa performance: assim como o uso do humor, do play desinteressado, etc. de modo a evitar uma atmosfera de seriedade soturna e sem graça.

Arte Atual e contexto-America Latina.

Gerardo Mosquera é uma das vozes mais reconhecidas da América Latina. O conhecimento que tem da situação global da arte (a sua passagem pelo New Museum em Nova Iorque e pela Rijksakademie em Amsterdã são exemplos disso) é paralelo à sua capacidade de leitura crítica da arte produzida nos diferentes países da América Latina. Gerardo Mosquera fala de política, da Venezuela e de Cuba, assim como da situação na Argentina.

Por Desiré Vidal Argentina


P: Num comentário referiste a existência e a partilha de uma série de códigos internacionais no mundo da arte, uma espécie de latim culto que deriva em novas linguagens populares. Por exemplo, em relação ao trabalho de um artista da Palestina ou de um outro do Brasil, se existem elementos próprios do lugar, ligados ao contexto e ao modo de resolver tecnicamente uma obra, já no que diz respeito aos formatos, aos temas e às problemáticas, elas são as mesmas. Isto poderá acontecer naqueles países que não fazem parte do mainstream, dos circuitos internacionais da arte devido a uma postura política decididamente antiglobal, com discursos localistas e individualistas, como é o caso da Venezuela de Chávez ou de Cuba?

R: O que Chávez está a fazer é realmente louco. A Venezuela tinha e ainda tem colecções de arte contemporânea, nacional e internacional, impressionantes, fruto das fortunas milionárias da época do petróleo que hoje em dia estão paralisadas. Quando Chávez tomou o poder, encarregou-se pessoalmente de eliminar e até de ridicularizar publicamente os directores e responsáveis de centros e museus de arte públicos, profissionais altamente qualificados, com carreiras muito prestigiadas. Curadores, críticos, historiadores… muito respeitados internacionalmente. Um belo dia, estas pessoas souberam pela rádio que tinham sido demitidas dos seus cargos. Foi o próprio Chávez que anunciou: “E agora vamos limpar os museus da burgesia. M.ª Elena Ramos, directora do Museu Nacional de Belas Artes, ponchaaaaá” (termo do calão do baisebol), e assim sucessivamente. Foi uma situação lamentável e patética.

P: O que é realmente preocupante é o seu amplo raio de acção e influência. Poderá desencadear um novo modo de pensar e actuar e de ser latino-americano, mas desperta desconfiança pelos seus modos pouco transparentes e pouco democráticos.

R:Não, não acredito. Felizmente, com a queda do preço do petróleo ficou sem dinheiro e terá menos poder. Tudo leva a crer que financiou a campanha de Cristina Kirchner: o voo em que enviaram a famosa mala era o décimo terceiro desse avião, pelo que possivelmente teriam enviado outras malas antes. A sua influência sobre outros países da América Latina estava ligada ao dinheiro, mas agora já não tem tantas malas. Penso e confio que isso não vai durar muito tempo. Nas mais recentes eleições, foi eleito por uma pequena margem de votos e o país está dividido em dois.

P: E Cuba?

R: Restam 10 anos ao regime. Foi-se aguentando porque foi apoiado por Chávez. P: Continuas a viver em Cuba? R: Sim estou a viver em Cuba mas totalmente marginalizado pelo regime, sou um in-exilado, um exilado dentro do meu próprio país. Não posso ensinar, não posso publicar, dar uma conferência, não posso fazer nada, não há acesso à Internet, nada. Podemos fazer coisas subterraneamente, por nossa própria conta, mas se organizamos algo com outras pessoas, tudo se complica. Cada vez que saio tenho de pedir uma autorização ao Estado, e isso implica um processo muito burocrático que demora dias. Assim, sempre que saio, faço-o por períodos longos para trabalhar em diferentes lugares. E concedem-me as autorizações porque sou convidado de entidades e instituições com muito prestígio, a quem não lhes interessa dizer não, para evitar escândalos. Cada vez que viajo tenho que justificar aonde vou, com quem, para quê…

P: E o trabalho que realizaste para a Bienal de Cuba e no Ministério da Cultura?

R: Sim, assim foi, mas aparte disso o meu trabalho mais importante na época foi o de crítico de arte. Durante a década de 80 ocorreram processos culturais renovadores em que participei activamente e em que desenvolvi o meu trabalho de crítico de arte. Fui um dos protagonistas desse processo e estive muito vinculado à vida cultural do meu país. Essa é uma das razões porque não saí do país, quis continuar a trabalhar aqui de uma maneira crítica e independente.

P: Não podem ter acesso à Internet nem a uma conta de e-mail. Não há acesso legal a uma vasta informação digital nem à rede global. Nota-se essa distância entre os criadores out-net e os in-net?

R: Não se podem pôr portas no ciberespaço! Essa é uma das manifestações mais evidentes da falta de sentido do regime. As novas tecnologias tornaram a situação incontrolável. Por exemplo, um artista faz um vídeo em Cuba, alguém leva uma cópia para fora e começa a circular, e a ter vida própria fora da ilha. O ministério do Interior de Cuba dedica-se a desenvolver programas informáticos para poder rastrear as conexões ilegais na Internet...é uma loucura. Outro caso é blog Generación Y de Yoanni Sánchez, que é o blog independente mais conhecido de entre os muitos que surgiram em Cuba. Chama-se assim como referência a toda uma geração de crianças que receberam nomes que imitavam sons estrangeiros e eram símbolo de estatuto social.

P: Podes falar-me acerca de como surgiu e como avalias o projecto que dirigiste durante este ano “Nove Cutadores discutem a sua obra”. Qual é o papel do curador? Que perfil e formação implica? É necessário o exercício da crítica para não repetir, não cair em formalismos…

R: Este projecto de formação surgiu a convite de Lidia Blanco, directora do Centro Cultural de Espanha em Buenos Aires, e veio cobrir um vazio. Na Argentina existem muitos artistas, galerias, espaços, propostas independentes, mas as possibilidades de formação para curadores são practicamente inexistentes. Neste contexto, pensei que seria uma contribuição possível convocar uma variedade de curadores internacionais a apresentar o seu trabalho junto de curadores, artistas e críticos de Buenos Aires e de Santiago do Chile, sobretudo aos jovens, numa série de encontros mensais ao longo de nove meses. Expor a sua produção como matéria de análise e discussão, criando um espaço de trabalho flexível e adaptado às necessidades concretas dos curadores, e estabelecendo uma rede entre todos. Para a maioria dos participantes permitiu-lhes conhecer pessoalmente, e pela primeira vez, excelentes profissionais como Cuauhtémoc Medina, Vicente Todolí, Taiyana Pimentel... E não foi difícil atraí-los e entusiasmá-los para participarem neste projecto, dado o seu perfil e a sedução que o passado histórico e literário de Buenos Aires desperta. Uma das debilidades destes projectos que se desenvolvem em países subdesenvolvidos é que não se capitaliza o esforço realizado. Neste sentido, a chave é o papel desempenhado pela Rede de Centros Culturais de Espanha na América Latina, espaços de dinamização, activação e produção cultural dirigidos por professionais com ideias, com vontade, que não são burocratas. Em muitos lugares estos centros implicaram a renovação cultural, como sucedeu com o desaparecido centro cultural de La Habana.

P: Partilho essa opinião, sem dúvida. Contudo, estes equipamentos culturais que contam com mais recursos, meios, redes e infraestructuras do que os mais locais, exercem habitualmente um papel de apadrinhamento da dinâmica cultural de uma cidade, tanto que nalguns casos, acabam por desenvolver-se relações de dependência que eclipsam as iniciativas independentes ou mais modestas.

R: Sim, é possível que isso aconteça, mas o que é que se pode fazer. Acho que não concorrem uns com os outros, pois cada um tem um papel importante a desempenhar e cada um cumpre o seu ciclo. No caso dos projectos desenvolvidos por artistas e colectivos, estes têm normalmente uma vida relativamente breve, seja em Buenos Aires ou em Londres. O papel de uma instituição é diferente, os centros culturais de Espanha cobrem um vazio institucional que é evidente em muitos casos. A actividade artística em geral está muito necessitada de renovação, da entrada de novos olhares, e se pensarmos na grandeza do país, a cena artística de primeira ordem é muito reduzida se a comparamos com a do Brasil ou com a da Colômbia.

P: Estiveste a trabalhar para o New Museum of Art de Nova Iorque. Como é que eles nos vêem?

R: Não procuram o exotismo porque já não interessa. Não te querem pela tua origem, não lhes interessa de onde vens, mas para onde vais. Hoje em dia o artista circula com nome próprio mas sem apelidos nacionais. Podem ainda existir circuitos a quem interessa explorar os tópicos e estereótipos da nação de origem do artista tendo em vista um mercado muito concreto, mas isso não tem nenhum sentido hoje em dia no circuito internacional da arte, sobretudo quando comprovamos que a arte contemporânea se aprende, descobre-se e distribui-se pela Internet. Quando vês o currículo de qualquer artista percebes que o seu itinerário profissional se faz em diversos países ou cidades. O mais importante é: como é que a diferença produz novos significados nos códigos internacionalizados.

P: Em que projecto estás a trabalhar?

R: Agora mesmo estou a trabalhar num projecto em Córdoba (Espanha) com os pátios tradicionais, um espaço de exposição potente, com linhas discursivas entre o público e o privado, o tradicional e o contemporâneo… Interessa-me trabalhar com lugares ou cenários fora da protecção do cubo branco. Chama-se “El patio de mi casa. Arte contemporáneo en patios de Córdoba” e apresenta-se entre 15 de Outubro e 29 de Novembro. Vai ser um bom projecto, está a ser muito interessante trabalhar com os propietários destes pátios, que são património cultural da cidade, e com os artistas visitantes.

Disponível em: www.a-desk.org/spip/spip.php?article239

CONVOCATORIA AL 5º FICIFF FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE DE LA PLATA - FESTIFREAK

http://www.festifreak.com.ar/



El Grupo Freak te invita a participar de la 5ª Edición del FICIFF Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata FestiFreak, que se realizará en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, ciudad de La Plata, Argentina, del 17 al 25 de octubre de 2009.La convocatoria está dirigida a personas de cualquier país del mundo, sin restricciones de edad, que hayan realizado sus cortometrajes durante 2008 hasta la fecha. Podrán participar cortometrajes en las categorías Ficción, Animación, Documental, Experimental y Videoclip.Se concederá un premio por cada categoría: 1º Premio Categoría Ficción de $ 1000, un 1º Premio Categoría Documental de $ 1000, 1º Premio Categoría Experimental de $1000, 1º Premio Categoría Videoclip de $1000 y un 1º Premio Categoría Animación de $ 1000 a los directores de las obras elegidas, además de Menciones Especiales que el jurado considere necesarias.Los cortometrajes deben tener una duración máxima de 15 minutos y la recepción se realizará hasta el 11 de septiembre de 2009 todos los días de 8 a 22 hs. en el Centro Cultural Pasaje Dardo Rocha, calle 50 entre 6 y 7, CP 1900, La Plata, Buenos Aires, Argentina. El FICIFF – FestiFreak estará recibiendo nuevamente la muestra itinerante del BAFICI Buenos Aires Festival de Cine Independiente, que incluye una selección con lo mejor de ese festival.Esta 5º Edición del FICIFF Festival Internacional de Cine Independiente de La Plata FestiFreak es organizada por el Grupo Freak, y cuenta con el apoyo de la Municipalidad de La Plata, la Dirección de Cultura y Educación de la Provincia de Buenos Aires, el Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, la Universidad Nacional de La Plata y el INCAA Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales.

Tradução do Manifesto "Altermodern" de Nicola Bourriaud.

ALTERMODERN – PÓS-MODERNISMO ESTÁ MORTO

Viagens, intercâmbio cultural e análise da história não são apenas temas em moda, mas marcadores de uma profunda evolução na nossa visão de mundo e na nossa maneira habitá-lo.
Mais genericamente, a nossa percepção globalizada exige novas formas de representação: a nossa vida quotidiana se dá num enorme cenário mais do que nunca, e depende agora de entidades transnacionais, de viagens de curta ou longa distância, em um universo caótico e prolífico.
Muitos sinais indicam que o período histórico definido pelo pós-modernismo está chegando ao fim: multiculturalismo e o discurso de identidade estão sendo ultrapassados por um movimento planetário de “creolização”. O relativismo cultural e a desconstrução, que substitui o universalismo modernista, não nos dão armas contra a dupla ameaça da cultura de massa uniforme e de uma regressão tradicionalista de extrema-direita.
Os tempos parecem propícios para a recomposição de uma modernidade no presente, reconfigurado de acordo com o contexto específico em que vivemos - crucial na era da globalização - entendido em seus aspectos econômicos, políticos e culturais: uma altermodernidade.
Se o Modernismo do século XX foi sobretudo um fenômeno da cultura ocidental, a altermodernidade decorre de negociações planetárias, discussões entre agentes de diferentes culturas. Desprendido de um centro, ele só pode ser poliglota. A Altermodernidade caracteriza-se pela tradução, ao contrário do modernismo do século XX, que falava o idioma abstrato do ocidente colonial e do pós-modernismo, que resumia o fenômeno artístico às origens e identidades.
Estamos entrando na era da legendagem universal, da dublagem generalizada. Hoje, a arte explora os laços que texto e imagem tecem entre si. Artistas percorrerem uma paisagem cultural saturada com sinais, criando novos percursos entre múltiplos formatos de expressão e de comunicação.
O artista se torna "homo viator", o protótipo do viajante contemporâneo cuja passagem por signos e formatos remete a uma experiência de mobilidade contemporânea, viagens e transpassagens. Esta evolução pode ser vista na maneira como as obras são feitas: um novo tipo de forma está surgindo, a forma-viagem, feita de linhas traçadas tanto no espaço e como no tempo, materializando trajetórias em vez de destinos. A forma do trabalho exprime um curso, um vaguear, em vez de um espaço-tempo fixo.
A arte altermoderna é assim entendida como um hipertexto; artistas traduzem e transcodificam a informação de um formato para outro, e passeiam pela geografia, assim como pela história. Isto dá origem a práticas que podem ser referidas como "time-specific", em resposta ao "site-specific", trabalho dos anos 60. Rotas de voo, programas de tradução e cadeias de elementos heterogêneos articulam-se mutuamente. O nosso universo torna-se um território em que todas as dimensões podem ser percorridas tanto no tempo como no espaço.
A “Tate Triennial 2009” se apresenta como uma discussão coletiva sobre esta hipótese do final do pós-modernismo e da emergência de uma altermodernidade global.

ALTERMODERN MANIFESTO - POSTMODERNISM IS DEAD

Travel, cultural exchanges and examination of history are not merely fashionable themes, but markers of a profound evolution in our vision of the world and our way of inhabiting it.
More generally, our globalised perception calls for new types of representation: our daily lives are played out against a more enormous backdrop than ever before, and depend now on trans-national entities, short or long-distance journeys in a chaotic and teeming universe.
Many signs suggest that the historical period defined by postmodernism is coming to an end: multiculturalism and the discourse of identity is being overtaken by a planetary movement of creolisation; cultural relativism and deconstruction, substituted for modernist universalism, give us no weapons against the twofold threat of uniformity and mass culture and traditionalist, far-right, withdrawal.
The times seem propitious for the recomposition of a modernity in the present, reconfigured according to the specific context within which we live – crucially in the age of globalisation – understood in its economic, political and cultural aspects: an altermodernity.
If twentieth-century modernism was above all a western cultural phenomenon, altermodernity arises out of planetary negotiations, discussions between agents from different cultures. Stripped of a centre, it can only be polyglot. Altermodernity is characterised by translation, unlike the modernism of the twentieth century which spoke the abstract language of the colonial west, and postmodernism, which encloses artistic phenomena in origins and identities.
We are entering the era of universal subtitling, of generalised dubbing. Today's art explores the bonds that text and image weave between themselves. Artists traverse a cultural landscape saturated with signs, creating new pathways between multiple formats of expression and communication.
The artist becomes 'homo viator', the prototype of the contemporary traveller whose passage through signs and formats refers to a contemporary experience of mobility, travel and transpassing. This evolution can be seen in the way works are made: a new type of form is appearing, the journey-form, made of lines drawn both in space and time, materialising trajectories rather than destinations. The form of the work expresses a course, a wandering, rather than a fixed space-time.
Altermodern art is thus read as a hypertext; artists translate and transcode information from one format to another, and wander in geography as well as in history. This gives rise to practices which might be referred to as 'time-specific', in response to the 'site-specific' work of the 1960s. Flight-lines, translation programmes and chains of heterogeneous elements articulate each other. Our universe becomes a territory all dimensions of which may be travelled both in time and space.
The Tate Triennial 2009 presents itself as a collective discussion around this hypothesis of the end of postmodernism, and the emergence of a global altermodernity.

Nicolas Bourriaud

Entrevista-Nicolas Bourriaud

Ninguém precisa saber quem ele é ou das ideías que defende, muito menos os artistas que estão no seu casting para fazer, entender ou relacionar-se com a arte de alguma maneira.Mas Nicolas Bourriaud é um dos curadores mais influentes na europa e américa do norte.
Suas idéias e curadorias viram a linha de trabalho de muitos artistas e curadores por conta de seu prestígio e das instituições que ele coordena ou é parceiro direto.
Para se ter uma referência de uma destas, em seu país de origem, ele é o cabeça do "palais de tokyo" um centro de arte contemporânea localizado na capital francesa.
Dia desses li uma entrevista com ele no artecapital.net e achei interessante publicar-la aqui tb.
Aproveito e tb envio um link de um programa que eu gosto muito, art safari, que aborda o conceito do Nicolas sobre a arte relacional.
aqui ó!
http://www.ubu.com/film/relational.html

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Nicolas Bourriaud (n. 1965) é um dos filhos pródigos da arte contemporânea francesa. É simultaneamente curador, ensaísta, crítico de arte e globe-trotter. A sua carreira como curador adquiriu visibilidade a partir de algumas exposições internacionais em que participou, tais como: “Aperto 93” (Bienal de Veneza, sob curadoria geral de Achille Bonito Oliva), “Traffic” (CAPC, Bordéus, 1996), “Experience de la Durée” (Bienal de Lyon, 2005), e Bienal de Moscovo (2005 e 2007). Teorizou as novas práticas artísticas que eclodiram no final dos anos 90 e inícios do século XXI, com artistas como Philippe Parreno, Dominique Gonzalez-Foerster ou Rirkrit Tiravanija. Publicou diversos livros assumindo a autoria de novas teorias sobre a arte, como a da estética relacional. Aumentou a sua notoriedade quando, entre 2001 e 2004, protege a especificidade do Palais de Tokyo, lugar dedicado à criação contemporânea da cena cultural parisiense: que co-dirigiu com Jérôme Sans. Recentemente, em 2008, comissariou “Estratos” em Murcia, Espanha, e “La Consistance du Visible” na Fundação Ricard, em Paris. Em 2006 foi nomeado curador da Trienal da Tate, que decorre de 3 de Fevereiro a 26 de Abril de 2009. Foi sobre o conceito camaleónico de modernidade que trocámos aqui algumas ideias.

Por Sílvia Guerra
Novembro-Dezembro, 2009



P: Para a Trienal da Tate, em Londres, propôs um novo conceito, que é o de “Altermodern”. Esta outra modernidade é a chave de interpretação desta grande exposição colectiva. Gostaria de saber se com este novo neologismo inventado por si, procura medir o nosso afastamento em relação ao movimento histórico da modernidade?

R: O “Altermodern” significa um duplo afastamento, seja em relação ao “pós-moderno”, seja em relação ao período moderno do século XX. Hoje a palavra “moderno” evoca duas coisas: o período histórico delimitado pela arte moderna, e a modernização do mundo, sob a égide do “progresso”. Ora aquilo a que chamamos moderno é um estado de espírito recorrente na história, que assume diferentes formas segundo as várias épocas.


P: Como se liga o “altermodern” à contemporaneidade? É um seu sinónimo ou é uma maneira de repensar a noção de contemporâneo?

R: O “Altermodern” é, para mim, a forma emergente e contemporânea da modernidade, ou seja, a de uma modernidade que corresponde aos desafios do século XXI, e especificamente ao momento histórico que vivemos e no qual nos inscrevemos, para o bem e para o mal: a globalização. Ser moderno, no século XX, correspondia a pensar de acordo com formas ocidentais; hoje, a nova modernidade produz-se segundo uma negociação planetária. Doravante, na sua reflexão plástica, os artistas tomarão como ponto de partida uma visão globalizada da cultura, e já não as conhecidas “tradições”: servem-se destas para se conectarem com o universal, para experimentarem novas vias. Por exemplo, Pascale Marthine Tayou utiliza os padrões culturais africanos para questionar os valores a partir dos quais os vemos a partir de Nova Iorque ou Berlim.


P: Como poderíamos definir o significado dessa noção para re-interpretar outras práticas culturais?

R: “Alter” significa outro, mas o prefixo evoca igualmente a multitude. Em política, a alter-globalização é uma constelação de lutas locais que visam combater a homogeneidade mundial. No domínio cultural, “alter-moderno” significa algo semelhante, é como um arquipélago de singularidades conectadas umas às outras.


P: A Documenta 12 de Kassel foi também um momento no qual se perguntou se a modernidade não seria a nossa Antiguidade. Por seu lado, o antropólogo Bruno Latour defende a ideia de que nunca fomos modernos. Mas, hoje em dia, poderemos ser algo para além de modernos?

R: Infelizmente, sim… O planeta inteiro está a ser percorrido por crispações identitárias, por retornos fundamentalistas, por radicalismos religiosos e políticos, e todos colocam em primeiro plano as raízes das assim chamadas “ identidades culturais”, que são um dogma. Deste facto, nasce hoje a necessidade e importância de fazer a recomposição de uma modernidade, cujo gesto primordial é o do desenraizamento do solo, do exôdo das tradições identitárias e das comunidades constituídas. No que diz respeito à Documenta, não podemos esquecer que o regresso à Antiguidade foi o sinal durante um longo período de tempo, do aparecimento da modernidade, cujo exemplo mais evidente é o Renascimento italiano. É certo que o modernismo do século XX constitui a nossa Antiguidade – aonde temos de regressar – mas para dar um mais efectivo passo em frente. Hoje irritarmo-nos com este revival modernista que pesa nas grandes exposições mas, na minha opinião, ele é apenas mais um fetichismo.


P: Entre os artistas que convidou para esta Trienal, estão alguns que trabalham sobre dois vectores que você considera irreductíveis do conceito de “Altermodern”: o tempo e a história, como um novo continente. Poderia apresentar-nos o trabalho de alguns desses artistas?

R: Os artistas procedem hoje por encadeamento de objectos visuais. Esta é a sua metodologia, e fazem-no através de obras que constituem arrêts sur l’ image” de um enunciado em perpétuo crescimento. Para fazer referência à obra de um artista emblemático, como é Seth Price, posso dizer que as suas formas permanecem em estado de cópia, mas sem adquirirem um estatuto como transitórias. As imagens são instáveis, estão à espera, entre duas traduções, de serem perpetuamente transcodificadas. Price desmotiva uma vã necessidade de classificar as suas obras, de lhes atribuir um lugar preciso na cadeia de produção e de tratamento da imagem. Os mesmos motivos são retomados com mais ou menos variantes em obras distintas. Outros como Nathaniel Melliors ou Spartacus Chetwynd, exploram a história como se ela fosse um espaço. Charles Avery, pelo contrário, cria a ficção de um universo inteiro que aboliu toda a noção de contemporaneidade. Todos eles fazem um mix de épocas e de estilos, tal como “semionautas” que produzem percursos através de diferentes épocas e estilos e a partir dos signos que pertencem a espaços-tempos afastados uns dos outros.


P: Numa entrevista disse que quando tinha perguntas fazia exposições, e que quando tinha respostas, escrevia livros… Que conclusões se pode tirar dessa metodologia? Como vê a articulação do seu trabalho com o momento histórico (ele mesmo tão volátil)?

R: O meu trabalho consiste em tentar fazer aparecer figuras no caos da produção contemporânea, ou seja, inventar chaves de leitura, utensílios teóricos que permitam ver a arte de hoje segundo um certo prisma. Esse trabalho efectua-se de forma discursiva num livro e transforma-se quando se trata de uma exposição: detesto a ideia de alinhar obras, uma após outra num museu, de forma a que se conformem ao que esperamos delas. Sabendo que toda a (boa) obra de arte é semionautas, obviamente que resiste à classificação sob a égide de uma teoria. Uma exposição é então um espaço-tempo de diálogo, um filme no qual me contento em fazer a montagem e para o qual escrevo as legendas.


P: Conhecemos as suas útimas obras, Esthétique relationnelle e Postproduction, que permitiram teorizar a arte após a morte da história da arte dos anos 90. Com o seu proximo livro Radicant, em que analisa a nova geração, o que nos é dado a conhecer?

R: A Trienal “Altermodern” e o ensaio Radicant, completam-se e respondem um ao outro, já que foram concebidos em conjunto. Em “Altermodern”, onde procuro descrever as suas condições de emergência, existe a articulação em torno de noções como a de precariedade (a arte que chama a atenção para a fragilidade de todas as construções sociais e mentais), de errância (como porta de saída do pós-moderno), de forma-viagem (na qual a obra se apresenta como percurso, e não mais como uma superfície ou volume), ou de implicação de temporalidades (a tessitura de espaços-tempo heterogéneos na obra).


P: Poderia explicar-nos como trabalha com os artistas e criadores que acompanha? Qual é o seu modus operandi enquanto curador?

R: Cada exposição tem a sua própria história. Esta foi concebida no quadro de uma série de discussões com actores do mundo da arte: por exemplo, a série de quatro “Prólogos” que precederam a Trienal, e que implicaram a participação de outros teóricos, de artistas e de críticos de arte. Depois, poderia dizer que, de uma forma mais geral, esta exposição foi concebida como se fosse um debate alargado.


P: E qual é o papel do crítico de arte nos nossos dias?

R: Hoje, mais do que nunca, é indispensável designar as coisas e fazer a sua análise. Perante um mundo como o actual, que progressivamente se reduz mais às dimensões de um supermercado de imagens e de signos, é urgente reafirmar o valor do comentário e da selecção. Isto poderia resumir-se deste modo: eu, um indivíduo entre outros, vou mostrar este objecto, que me parece mais interessante do que outros; e vou-lhes explicar porquê, e a partir de que valores emito este julgamento. Será que é necessário relembrarmo-nos de um velho adágio talmúdico, segundo o qual um texto (e por extensão, qualquer outro objecto) não adquire o seu real valor senão a partir do momento em que foi sujeito a um comentário?


P: Em Portugal, onde fazem falta mais revistas em papel consagradas à arte contemporânea, apropriámo-nos do formato digital para existir. A Artecapital existe desde há três anos… Poderemos dizer que fazemos parte de uma “alter-modernidade”? As diferentes velocidades de crescimento nos países europeus são uma das razões para que nos continuemos a sentir tão “far away so close”…

R: A verdadeira virtude do pós-modernismo foi a de equalizar filosoficamente, e mesmo juridicamente, as diferentes versões dos espaços-tempo que compõe o nosso mundo, e do qual certas versões eram precedentemente consideradas pelo mundo modernista como simplesmente “em atraso”. A “alter-modernidade”, é a coordenação estrutural produtiva das diferentes velocidades, com a finalidade de criar novas visões do mundo, uma modernidade que seja finalmente planetária e não simplesmente pseudo-Ocidental, que seja um arquipélago e deixe de ser “continental”, no sentido em que deixe de ambicionar a totalidade.


P: José Saramago escreveu, em 2008, um livro intitulado A Viagem do Elefante, no qual o seu protagonista paquiderme, proveniente da Índia, atravessa a Europa do século XVI. Nessa viagem “moderna” a palavra de ordem é: chegamos sempre ao sítio onde nos esperam. O que pensa desta visão da viagem? Ainda tem sentido?

R: A errância é, antes de mais, encontrar o que não se procura. É este o verdadeiro luxo intelectual num mundo onde se fabricam dóceis consumidores a partir de perfis-tipo.



LINK
ALTERMODERN – Tate Triennial 2009

Tate Britain, 4 Fevereiro – 26 Abril 2009
www.tate.org.uk/britain/exhibitions/altermodern/


BIBLIOGRAFIA
NICOLAS BOURRIAUD

Radicant
_Nova Iorque, Sternberg Press & Berlin (Merve Verlag), 2009.

Postproduction
_Dijon, Les presses du réel, 2004.
_Nova Iorque, Lukas & Sternberg, 2001.

Formes de vie. L’ art moderne et l’ invention de soi, _Paris, Denoël, 1999.

Esthétique relationnelle
_Dijon, Les presses du réel, 1998.

COMISSÃO DE FRENTE-RECIFE

Com o intuito de abrir o calendário da exibição de arte contemporânea no Recife e, literalmente, colocar um bloco na rua surge a primeira edição da exposição “Comissão de Frente”.A exposição, organizada por dois jovens artistas da cidade Aslan Cabral e Bruno Faria, integra-se ao período pré-carnavalesco e utiliza elementos da folia de momo por conta da força, singularidade e representatividade do carnaval na cultura da cidade do Recife que é um dos roteiros mais desejados por turistas do Brasil e do mundo neste período.
Integrando o calendário da arte atual da cidade ao carnaval esta exposição sugere o reconhecimento de todas as co-relações que a nossa criatividade e anarquia, entre várias caracteristicas da arte contemporânea, tem com manifestações populares como o carnaval.
Aslan Cabral, Bruno faria, Bruna Rafaela, Cristiano Lenhardt, Derlon Almeida, Gugu Ferrer, Jonathas Andrade, Marcelo Solá, Maurício Castro, Mozart Santos e Yuri Firmeza são os artistas convidados para compor essa mostra que vai do dia 17 ao 19 de fevereiro (semana pré carnavalesca) finalizando a programação com a saída do Bloco “E tudo artista”.

Cronograma
Terça-feira dia 17
abertura as 10:00 da manhã
e às 19 hrs pocket show da banda Saltos Ornamentais(babaaado!)
e djs convidados
Quarta-feira dia 18
Entrega das camisas do bloco "É Tudo Artista"
e Bazar da Monga a partir das 17:00hs(imperdível)
*também vai rolar um som!
Quinta-feira dia 19
Encerramento com a saída do bloco "É Tudo Artista", concentração a partir das 17:30
Muito frevo, axé e djs convidados numa verdadeira performance coletiva!!!
PARTICIPE!!!

Piscinão da Benvinda de Carvalho-Belo Horizonte

Uma invasão de artistas cariocas a praia mineira...a piscina.

Essa invasão ocorrerá na Galeria Murilo Castro comemorando o verão, época tão fértil e adorada pelo povo litorâneo. E se dará da seguinte forma, um ônibus com mais de 40 artistas contemporâneos chegará na galeria no dia da abertura da exposição carregando seus respectivos trabalhos sob o braço. Esses artistas escolherão onde por suas obras de forma bem livre indo logo assim que terminado o trabalho de instalação das obras participar do churrasco à beira de uma piscina plástica instalada na Galeria.

Por que isso?

A Galeria Murilo Castro já possuiu inusitadamente uma piscina em seu interior que mais tarde veio a ser aterrada já que não era de grande valia como espaço expositivo. Uma exposição onde os artistas invadem a galeria e a piscina, só caberia nessa em questão.

Piscinão é uma manifestação típica do carioca de baixa renda, aquele que não tem acesso rápido e direto as grandes e famosas praias cariocas, governos passados inventaram o famoso piscinão para o suburbano. Sendo a arte uma atividade muito ligada às elites e a arte contemporânea ainda mais taxada de hermética e difícil, logo mais distanciada ainda da base da pirâmide social brasileira, resolvemos por em cheque tudo isso fazendo um evento que tenho o frescor a malandragem e a leveza de um churrasco à beira da piscina.

O evento terá a característica descontraída do carioca e do verão mas também estará cercado de obras de artistas já respeitados e outros ainda jovens porém com uma estruturada trajetória.

Acreditamos que o público que venha a visitar a galeria encontrará, alem do evento da abertura, a invasão e toda a operação de colocação das obras de todos os artistas ao mesmo tempo no espaço expositivo, participar de um churrasco e cervejada seguido de um bom batuque de samba e pagode; também uma mostra do que a arte contemporânea carioca vem fazendo.

Essa abertura e esse deslocamento dos artistas vindo de um sítio para outro e nesse último instalando suas obras e eles próprios se apropriando do espaço expositivo como seu próprio lar relaxado, animadamente, divertindo-se mas sempre e com mais força que de costume atuando como agentes da arte.

Os cariocas vão invadir com muito bom humor e arte a Galeria Murilo Castro nesse verão.



Venham todos e tragam os amigos!

Será neste sábado, dia 14 de fevereiro, às 12:00 horas, na Galeria Murilo Castro, Rua Benvinda de Carvalho, 60, Belo Horizonte,
quando o ônibus chegará do Rio com os artistas e o evento terá início.



Relação dos artistas participantes:

Alex Topini Guga Ferraz
Alexandre Sá Gustavo Speridião
Alexandre Vogler Heleno Bernardi
Andrei Muller Isabela Lira
Arjan Joaquim Paiva
Caroline Valansi Jorge Duarte
Celina Portella Júlia Debasse
Cesar Barreto Leo Videla
Chico Fernandes Lia do Rio
Claudia Hersz Luis Sérgio Oliveira
Dani Dacorso Luiza Baldan
Daniel Lannes Marco Antonio Portela
Daniel Murgel Osvaldo Carvalho
Eduardo Filipe Patrícia Gouvea
Felipe Varanda Pedro Paulo Domingues
Fernanda Antoun Pontogor
Fernando de La Roque Ricardo Pimenta
Flávio Vasconcelos Romano
Frederico Dalton Thiago Barros
Gabriela Maciel Valeria Costa Pinto
Geraldo MarcoliniVicente de Mello
Greice Rosa Walton Hoffmann


Curadoria, organização e texto de Marco Antônio Portela

Galeria Murilo Castro - Rua Benvinda de Carvalho, 60 - Belo Horizonte -MG
tel: +5531-32870110 www.murilocastro.com.br

Prospecta2008-De 20 à 23 de Janeiro em Natal RN

Clique na imagem para maximizar.
Acesse o site oficial do evento:www.prospecta2008.blogspot.com

Cultura Previdenciária-Campanha de utilidade pública para os trabalhadores da área cultural(é bom ficar atento!)

Desde o início deste mês, vem sendo veiculada na televisão a campanha
Cultura Previdenciária, uma iniciativa do Governo Federal, por meio
dos Ministérios da Cultura (MinC) e da Previdência Social (MPS).
Voltada aos profissionais da área cultural, a propaganda ressalta a
importância da valorização de todas as atividades realizadas nos
diversos segmentos da cultura brasileira.
A campanha de utilidade pública objetiva alertar sobre a necessidade
desses trabalhadores garantirem tranqüilidade e segurança com a
complementação de sua renda na fase de aposentadoria, ou em outras
circunstâncias. Dentre as alternativas, encontra-se o regime de
previdência complementar fechada e a adesão a planos associativos
como, por exemplo, o já existente CulturaPREV.
Para a divulgação e a promoção da campanha Cultura Previdenciária
também foi criada pelo desenhista Ziraldo uma arte gráfica bem
elucidativa, na qual a formiguinha abraça a cigarra para juntas se
encaminharem em direção ao futuro.
Assista ao vídeo e informe-se sobre o assunto.
http://www.cultura.gov.br/culturaprevidenciaria/

Plano CulturaPREV
Instituído em 2004, o CulturaPREV é um plano de previdência
complementar fechada exclusivo para os profissionais da cultura,
administrado pela Fundação Petrobras de Seguridade Social (Petros),
que já conta com a adesão de dez entidades associativas
representativas de setores artístico-culturais do país.
Podem se inscrever no plano os participantes da Associação Brasileira
de Museologia, Associação Sergipana de Autores e Intérpretes
Musicais, Cooperativa Paulista de Teatro, Sindicato dos Artistas e
Técnicos em Espetáculos de Diversões do Estado do Ceará, Sindicato
dos Artistas e Técnicos em Espetáculos de Diversões do Estado de
Pernambuco, Sindicato dos Artistas e Técnicos em Espetáculos de
Diversões do Estado do Sergipe, Sindicato dos Artistas e Técnicos em
Espetáculos de Diversões do Estado do Rio de Janeiro, Sindicato dos
Músicos Profissionais do Estado do Rio de Janeiro, Sindicato dos
Músicos Profissionais do Estado da Bahia e Sindicato dos Artistas
Plásticos do Estado de São Paulo.

Saiba Mais:
https://www.petros.com.br/petrossite/servicos/hotsiteculturaprev/desig
n/html/main.html


Publicado em 01 de dez de 2008

O trabalhador da cultura
O trabalhador da cultura é um personagem inserido numa cena
profissional extremamente dinâmica. A grande diversidade de
linguagens, etnias e valores, juntamente com a criatividade
característica da população brasileira, faz de nossa cultura um mundo
de alternativas simbólicas.
No filme que produz, nas peças de teatro ao ar livre, nas exposições
de sua arte, nas turnês por todo o país, no artesanato em sua
oficina, no cenário que constrói para o público, na iluminação
realizada para acontecer o espetáculo, enfim, nas diversas maneiras
em que está inserido na realização dos produtos de nossa cultura,
esse trabalhador muitas vezes investe seu próprio patrimônio sem
nenhuma certeza de retorno financeiro.
Esse investimento de risco é feito, muitas vezes, apenas pelo prazer
de ver o seu trabalho realizado, reconhecido e aplaudido. Contudo, ao
longo de sua vida, o artista necessita de segurança para fazer melhor
o seu trabalho e criar com a liberdade que esse trabalho requer.
Se até então ele não se preocupara com isso, agora é preciso planejar
o futuro de outra maneira. Dos grandes problemas enfrentados pelos
trabalhadores da cultura, talvez um dos maiores seja a dificuldade em
filiar-se ao regime da Previdência Social.
Segundo levantamento realizado em 2004, pela Pontifícia Universidade
Católica do Rio de Janeiro (PUC-RJ), estima-se um total de 1.900.000
pessoas envolvidas no mercado cultural no país. Grande parcela desses
trabalhadores têm até 40 anos de idade, ou seja, com tempo de
trabalho em torno de 20 anos.
Por outro lado a capacidade de poupança desses profissionais é, em
média, de cerca de R$ 25,00 por mês. Aquém dos valores de planos
oferecidos pelo mercado previdenciário.
Objetivando atender especialmente as necessidades da área cultural, a
fim de garantir um pecúlio justo a esse segmento, os Ministérios da
Cultura e da Previdência Social firmaram parceria que é estratégica
para fomentar a criação de planos previdenciários acessíveis a essa
categoria profissional.
Dentre outros fatores, esses planos devem levar em conta:
· Acesso a Planos de Previdência Complementar, com valores mensais
acessíveis (mínimo de R$ 25,00)
· Utilização de todos os mecanismos possíveis de cobranças das
contribuições, como boletos bancários e débitos em conta corrente,
não restringindo o acesso dos potenciais participantes
· Possibilidade de suspensão, a qualquer momento, da contribuição
básica do participante ao plano de benefícios

Andy Warhol-Other voices other rooms(outras vozes outras salas)

Andy Wahrol ao lado de Jean Michel Baquiat.

“Think you know him? Think Again”(Pensa que já o conheçe?pense novamente) é o slogan propositivo da mostra imperdível de Andy Warhol que a The Hayward Gallery apresenta até 18 de Janeiro de 2009. Refere-se, fundamentalmente, ao carácter histórico-revisionista que a exposição ambiciona e que determinou a nossa curiosidade científica: após anos de discussão sistemática, espectacular mediatização e toneladas de documentação produzida, será possível desconhecer ainda a completude identitária do fenómeno Warhol?

Eva Meyer-Hermann é a curadora da exposição “Other Voices, Other Rooms” e a editora do seu catálogo cronometrado, no qual os objectos exibidos são amplamente analisados em duas horas e cinquenta e seis minutos (A guide to 706 items in 2 hours 56 minutes, NAi Publishers, Roterdão), conforme velocidade voraz da ambição (democratizadora) de Warhol. Foi ela, em 1968, a curadora da primeiríssima retrospectiva de Warhol em espaço europeu, apresentada em Estocolmo e Amesterdão, nos mesmos locais que entusiasticamente reincidem no mapeamento da itinerância actual. Também hoje, como no passado, a exposição resulta da conjugação de esforços diferenciados, agora entre o Stedelijk Museum (Amesterdão), o Moderna Museet (Estocolmo), o Wexner Centre for the Arts (Ohio) e a The Hayward (Londres), espaços designados para a sua apresentação intercontinental, em cooperação com o The Andy Warhol Museum (Pittsburg).

Quarenta anos depois, a mesma equipa base prossegue a investigação, partindo, simultaneamente, da sua própria experiência de causa e do distanciamento histórico que o tempo e o luto de Warhol permitiram. Desafiou-se a inflectir profundamente a sua própria perspectiva sobre a globalidade do seu legado, através da confrontação activa de trabalhos icónicos com material inédito, negligenciado ou excepcionalmente apresentado e ousou re-emoldurar-lhe a essência, declarando o filme e o vídeo como o derradeiro cerne do seu trabalho (e as pinturas e outros trabalhos gráficos como fontes para a realização dos mesmos).

A homonímia com “Other voices, other rooms” de Truman Capote (1948), título, autor e figura masculina de eleição de Warhol, sublinha a identidade como motivação motor (e graal) subjacente à revisão instalativa e tripartida que propõe. “Cosmos”, “Filmscape” e “Tv-Scape” são as secções autonomizáveis (ou as múltiplas faces de Warhol), que a exposição congrega, reificadas em incríveis, inéditas, polémicas e dramáticas mise-en-scènes, cujo design reclama para si a liberdade reinventiva inata à atitude e ao corpo de trabalho do próprio Warhol.

O cenário de “Cosmos”, a sala introdutória, pretende induzir à experiência da excentricidade ambiental de Warhol. Assinala a abertura do “Warhol Archive” ao público, através, por exemplo, da exploração investigativa das “Time Capsules” – parafernália que sistemática e quotidianamente colectou em seiscentas caixas (cada uma com aproximadamente duzentos objectos) desde 1974 e que é surpreendentemente reveladora do seu apaixonado ecletismo mundano; ou dos “Factory Diaries”, vídeos que revelam as curiosidades associadas à vivência e frequência diária, mais ou menos glamorosa, do seu atelier “comunitário”, entre 1970 e 1982. Apresenta, necessariamente ainda, uma caixa brillo, uma marilyn, uma cadeira eléctrica, um auto-retrato, flores e uma lata de sopa em cabeçalho expositivo (beneficiando do incrível pé-direito da sala); e os primeiros trabalhos, como os realizados a folha de ouro, colocados em rodapé sobre o inevitavelmente feérico papel de parede (dezenas de vacas e maos como pano de fundo). Ainda os Velvet Underground, polaroids e folhas de contacto sem fim, magazines Inter/VIEW e Interview, as suas célebres citações “filosóficas” (aliás, forjadas pela edição de Gretchen Berg a partir da sua entrevista a Warhol em 1966), os ritualistas “screen test” ou milhares de minutos em gravações áudio. Imersão total: objectos elevados à sua máxima potência numérica, a perder de vista, num espaço deliberadamente restrito.

“Tv-Scape” concentra todo, mas mesmo todo, o trabalho que Warhol desenvolveu para o formato televisivo, desde o fim da década de setenta até à data da sua morte, e que marcou em definitivo a expansão radical dos (e inerente aos) seus princípios artísticos. São quarenta e dois episódios das séries “Fashion”, “Andy Warhol’ s TV” e “Andy Warhol’ s fifteen minutes” a que podemos assistir na íntegra, sentados sobre as estrelas do palco, no lugar do convidado.

“Filmscape” apresenta dezanove filmes (outros oito, que completam vinte e sete dos cerca de cento e sessenta por ele realizados, são exibidos em salas de cinema integrados na programação paralela), produções independentes de cinema experimental, em exibição simultânea e espaço único, como se de uma monumental instalação multi-projectiva e tridimensional se tratasse. A disponibilização de informação relativa à sua duração e tempo remanescente garante a liberdade da definição de uma estratégia individual de recepção: sincopada, mais próxima do carácter imediato e reconhecível da sua pintura; ou demorada, imersa no detalhe e variabilidade mínima dos seus intensos retratos vivos. De “Sleep” (1963) a “Blow Job” (1964), de “Empire” (1964) a “The Chelsea Girls” (1966) ou “Lonesome Cowboys” (1967-1968).

Uma pequena sala biográfica redunda, afinal, na pura leveza das suas nuvens prateadas. Que flutuam. Fosse o hélio tão inacessível como em 1968 e teriam, como lá, ficado a rasar o chão. Que importa o hélio? Que importa o Warhol?



Lígia Afonso (originalmente para artecapital.net)